Elle (2016)

• Dirección: Paul Verhoeven.
• Año: 2016.
• Género: Drama, thriller. 
• Interpretación: Isabelle Huppert, Anne Consigny, Charles Berling, Virginie Efira,Judith Magre,Jonas Bloquet, Alice Isaaz,Vimala Pons. 
• Guion: David Birke. 
• Música: Anne Dudley.
• Fotografía: Stéphane Fontaine
• Montaje: Jobter Burg
• Productora: SBS Productions, Entre Chine et Loup

SINOPSIS

Michèle (Isabelle Huppert) es una de esas mujeres que parece no sentirse afectada por nada. Dirige una gran empresa de videojuegos y maneja los negocios y su vida sentimental con mano de hierro. Un día es atacada en su casa por un misterioso desconocido y su vida da un vuelco. Decidida, Michèle busca a su agresor y entonces comienza una especie de juego entre ellos, un juego que en cualquier momento puede degenerar.

CRITICA

Hoy en día hay determinados temas que el cine trata por dos motivos (desde mi punto de vista): para concienciar sobre ellos o bien porque son "necesarios" para que la trama se siga desarrollando. Pero también, es una forma de mostrar hasta que punto las perturbaciones del ser humano pueden llegar a afectar de forma negativa a los demás.

Cuando el espectador ve Elle, esperan que la protagonista haga una búsqueda exhaustiva de su violador (tranquilidad, no he hecho spoiler, este echo aparece desde el minuto uno) pero, lo que realmente muestra es la mente perturbada de la protagonista y de todas las personas que giran en torno a su vida. De echo, en determinados momentos de la trama se ve que ésta es forzada y los giros de guión son a veces incoherentes.

Por otro lado, muestra el lado retorcido de todos los personajes y como de alguna forma les gustaría controlar a personas de su vida o incluso dominarlas para que de esta forma se sientan inseguras en su vida y no sean capaces de tomar decisiones por sí mismas y se sientan cohibidas. Por lo que, cuando una mujer es violada, de alguna forma se genera inseguridad en la mujer y evitan hablar del tema y a la vez pierden su propia autoestima. Por eso, también de una forma un poco perversa como determinados temas los hacemos tabú y como erigimos las diferentes barreras para evitar que afloren nuestros sentimientos.

Es un thriller como se dice "de raza europea" muy asociado a las películas de la filmografía de Michael Haneke donde inicialmente se nos muestran a personajes con una moralidad exquisita y realmente, esconden una inmoralidad perversa y vengativa a la vez que muestran un lado oscuro donde la perversión sexual está presente en los personajes.

Los postulados de Elle pueden llegar a ser demasiado retorcidos y envenenados que si se toman demasiado en serio, el resultado sería bastante previsible, mostrando una total negación, desconfianza y desapego respecto a nuestros vecinos, seres queridos y semejante; una misantropía que por otra parte sería un planteamiento lógico si la falta de escrúpulos, códigos éticos y valores mostrados por los personajes de su historia fuera el pan de cada día de nuestra realidad.

En Elle el sexo, la lujuria y nuestras necesidades más básicas y a la vez ocultas desafían continuamente a las leyes de la lógica convirtiéndonos casi en esclavos del deseo, en seres que a pesar de no cesar de intentar disimular que nuestra ética e integridad no dejan de ser meros disfraces grotescos, caen continuamente en los barros de lo inconfesable y lo contradictorio. Además, no todo queda ahí, sino que su cuasi-estupendo guión se las afana para arremeter contra los cimientos del prototipo de la familia moderna europea que tantos goles suele recibir por parte de intelectuales y artistas a día de hoy.

No estamos hablando de una película perfecta, donde los giros de guión generan bastante incertidumbre y donde las situaciones inverosímiles de los personajes; pero que de alguna forma nos golpea en la cara con la hipocresía que el ser humano muestra ante los demás y como somos muchas veces de puertas para adentro.

Calificación personal: 7

El museo de las maravillas (2017)

• Título original: Wonderstruck
• Año: 2017
• Género: Drama
• Dirección: Todd Haynes
• Intérpretes: Julianne Moore, Oakes Fegley, Millicent Simmonds, Michelle Williams, Jaden Michael, Cory Michael Smith, Tom Noonan, Marko Caka, James Urbaniak.
• Guión: Brian Selznick
• Música: Cartell Burwell
• Fotografía: Edward Lachman
• Productora: Amazon Studios, Killer Films

SINOPSIS

Ben y Rose, son dos niños de épocas distintas, que sueñan con que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció y Rose quiere conocer a una famosa actriz de la que guarda recortes. Cuando Ben descubre una pista en su casa y, Rose lee un titular en el periódico; ambos comenzarán un búsqueda con muchos paralelismos.

CRITICA

Cuando un director nos tiene acostumbrados a un tipo de género y donde sus películas están enfocadas también a un determinado público, choca bastante que realice una película destinada al público infantil pero, sin caer en ningún tipo de sensiblerías. Y donde su director se sigue manteniendo fiel a su estilo y al sello narrativo que le caracteriza.

La narración se desarrolla en dos épocas en donde el nexo de unión son dos niños sordos con una búsqueda que les pueda devolver a sus orígenes, y donde en muchos casos la narración es puramente visual (con montajes de animaciones) y sonoras (a través por ejemplo, de una banda sonora que emula al cine mudo de principios del siglo XX).

Por otro lado, el director intenta mostrar el amor a la ciudad de Nueva York a través de lo ojos de aquellas personas que no pueden oír, para que así puedan ver toda la belleza visual recuperada a partir de dos épocas muy distintas. Lo que lleva a un punto en el que parece más un ejercicio de expresión en lugar de una película.

La sensación de esta historia, recuerda un poco al estilo narrativo que realizó Terrence Malik con su película El árbol de la vida, donde la expresión visual de las imágenes, centralizaba toda la trama. En el caso de El museo de las maravillas, los cambios temporales son demasiado repetitivos y cuesta que el espectador se acabe centrando en la trama. Además de las constantes inconsistencias argumentales que producen un desinterés hacia los personajes y la historia que se está narrando.

Todd Haynes ya sorprendió con películas amables, a la par que sinceras y que desbordaban sentimientos por todos sus poros, como es el caso de Lejos del cielo y Carol (ambas películas tienen su crítica en este blog); pero a pesar de ser una obra menor del director es una historia original, sincera y ambiciosa, llena de pasión, entusiasmo y melancolía. 

Calificación personal: 5.5

El cliente (1994)

• Titulo original: The client
• Año: 1994
• Género: Thriller
• Dirección: Joel Shumacher
• Intérpretes: Susan Sarandon,, Tommy Lee Jones, Brad Renfro, Mary-Lousie Parker, Anthony LaPlagia, J.T. Walsh, Anthony Edwards, Bradley Whitford, William H. Macy, Will Patton.
• Guión: John Grisham, Akiva Goldsman, Robert Getchell
• Música: Howard Shore
• Montaje: Robert Brown
• Fotografía: Tony Pierce-Roberts
• Vestuario: Ingrid Ferrin
• Maquillaje: David Forrest

SINOPSIS

Mark Sway (Brad Renfro) presencia junto a su hermano pequeño el suicidio del abogado de la mafia de Nueva Orleans en un bosque de Memphis. El abogado, tras revelarle un oscuro secreto al joven Mark y éste no duda en acudir a una abogada, Reggie Love (Susan Sarandon) para que le ayude ya que los federales están tras él para que declare en un juicio contra la mafia.

CRITICA

Hasta lo que se sabe hoy en día, para grandes criminales siempre ha sido complicado llevarles ante la justicia ya que, de alguna u otra forma encontraban un resquicio legal con el que conseguían evadir la cárcel e incluso que muchas veces no consiguiesen ser juzgados. Por eso, siempre que se pueda hay que eliminar o desacreditar a los posibles testigos para que así toda la porquería siga estando bajo la alfombra. En base a esta premisa sencilla, gira la trama de El cliente donde también de alguna forma, se intenta poner en entredicho el sistema judicial que fracasa la gran mayoría de las veces.

Desde el principio de la trama, no se omite ningún detalle para relacionar el suicidio del abogado y la muerte de un senador por parte de la mafia y como el nexo de unión es el niño y que todos (ya sea de manera positiva o negativa) deciden ir a por él sin importarles lo más mínimo cuál es la verdad y como protegerle a él y a su familia; puesto que todos luchan por el mismo objetivo: poder conseguir al chico en su propio beneficio.

Durante todo el proceso en el cual se vislumbra el peligro inminente para el joven, una abogada decide ayudarle sin esperar nada a cambio; sino para encontrar el mejor modo de salvaguardar la vida del joven y la de su familia; puesto que ella lo perdió todo y lo único que le permite seguir adelante es ayudar a gente que de verdad lo necesite.

Desde el primer momento, el espectador puede intuir cual va a ser el final de la película y se consigue averiguar como se va desarrollando la trama. Por otro lado, muestra con pequeñas pinceladas (pero muy certeras) como es el sistema judicial en casos de máxima prioridad y como la seguridad y los intereses del Estado priman por delante de la de los ciudadanos. Y también, como de una forma despectiva y clasista, la gente que no tiene muchos recursos casi es "abandonada a su suerte" en hospitales donde la asistencia es casi nula.

El cliente es una adaptación de la novela homónima de John Grisham, donde las tramas en torno a los sistemas judiciales y casos de corrupción son muy habituales en sus novelas y desde un primer momento deja claro cuáles sus intenciones en todo momento y presenta a personajes firmes y con grandes convicciones. Si a esto le añadimos la presencia de dos pesos pesados del cine como Susan Sarandon (siempre que actúa hace interpretaciones impecables) y Tommy Lee Jones dándole la réplica; junto a un joven Brad Renfro que a pesar de ser su primera película, consigue darle cierta esencia al personaje (fue trágica su muerte en el año 2008, puesto que tenía una buena proyección como actor). Lo único que desentona un poco en la película es el mal look de mafioso de Anthony LaPlagia que desentona con todo el ambiente de la película.

Desde mi punto de vista, es una película que mantiene al espectador pegado a la pantalla para ver  como se va desarrollando poco a poco la película (independientemente de que se sepa cual es el final más probable) y como permite mantener el hilo argumental sin perder un solo detalle. Aunque no se la puede considerar una obra maestra, si puede decirse que es una buena película y que marcó un hito, dentro de la historia del cine.

Calificación personal: 7.2

Sicario (2015)

• Dirección: Denis Villeneuve. 
• Año: 2015.
• Género: Thriller, acción. 
• Interpretación: Emily Blunt,Benicio Del Toro, Josh Brolin, Jon Bernthal, Jeffrey Donovan, Raoul Trujillo, Victor Garber, Daniel Kaluuya.
• Guion: Taylor Sheridan. 
• Música: Jóhann Jóhannsson. 
• Fotografía: Roger Deakins
• Montaje: Joe Walker
• Productora: Black Label Media, Thunder Road Pictures

SINOPSIS

En la zona fronteriza sin ley que se extiende entre Estados Unidos y Mexico, Kate Mercer (Emily Blunt), una idealista agente del FBI, es reclutada por Matt Graver (Josh Brolin), un oficial de las fuerzas de élite gubernamentales, para ayudar en la creciente guerra contra las drogas. Liderado por Alejandro (Benicio del Toro), un enigmático consultor con un pasado oscuro, el equipo se embarca en un viaje clandestino que obligará a Kate a cuestionarse todo aquello en lo que cree si quiere sobrevivir.

CRITICA

Hoy en día, cualquier medio de comunicación la lucha que hay contra el consumo y contrabando de drogas y, como desde el cine y las series se ha intentado abarcar este ángulo. Pero, siempre hay pequeños fallos a la hora de tratar este tema, que se acaba perdiendo la perspectiva de un tema de actualidad. Aunque Sicario llega a tratar de forma sobresaliente este tema para que el espectador no pierda el más mínimo detalle sobre esta "guerra contra las drogas".

La película está ambientada en la zona fronteriza entre Estados Unidos y México (algo muy habitual y un tópico muy real asociado a dicha región) y que de forma pausada pero imparable, nos muestra lo que hay detrás de una operación antidrogas y como muchas veces, hasta los cuerpos de seguridad con mayor poder son capaces de saltarse las reglas porque piensan, que es la única forma de parar a gente que no tiene ningún tipo de ética moral. Desde el primer minuto de la película, ésta atrapa con tanta efectividad al espectador que en momentos le entrecorta la respiración; acompañado de una fotografía insuperable y una banda sonora que aprovecha los momentos de tensión narrativa de la historia.

También desde el primer momento, la historia que se le plantea al espectador una historia interesante y bien hilada, en la cual le muestra al culpable, cual es la situación, la táctica a llevar a cabo, e lugar donde va a tener lugar la operación; así como todos y cada uno de los detalles que hacen que el espectador esté atento de forma constante y, de esta forma le deja muy pocas opciones para que se pueda anticipar a lo que va a suceder. Otra de las cualidades que presenta la película, es el tratamiento de los personajes, ya que nos los presentan de forma sólida y poco definida, lo que permite en un primer lugar, dudar de su credibilidad y cuyos diálogos, permiten que hasta el final no se descubran las verdaderas intenciones de los mismos.

El guión inmejorable de Taylor Sheridan, acompañado de una dirección por parte de Denis Villeneuve donde sus planos detalles y sus planos aéreos permiten una visión completa de todo el conjunto de los acontecimientos y que no quede ningún cabo suelto. Si a esto le unimos los tres protagonistas principales del elenco (los cuáles abarcan diferentes formas de moralidad) se obtiene una película completamente exquisita donde, el trato de un tema tan cruento como el tráfico de drogas y los sicarios, permiten de alguna forma poder poner en entredicho todo aquello que realizan las fuerzas armadas y de seguridad en pro de los ciudadanos y para proteger la integridad de un país. Porque realmente, lo que toda persona debe cuestionarse (a veces) es hasta donde llega el poder de unos pocos y, si realmente el fin justifica los medios para alcanzar nuestro objetivo. Y sobre todo, si muchas veces para conseguir un bien, hay que saltarse toda norma y ley.



Calificación personal: 8.5

Muerte de un ciclista (1955)

• Dirección: Juan Antonio Bardem
• Año: 1955
• Género: Drama
• Intérpretes: Lucía Bosé, Alberto Closas, Bruna Corrá, Carlos Casaravilla, Otello Toso, Matilde Muñoz Sampedro, Julia Delgado Caro, Manuel Alexandre
• Guión: Juan Antonio Bardem, Luis Fernando de Igoa
• Fotografía: Alfredo Fraile
• Música: Isidro B. Maeiztegui
• Montaje: Margarita Ochoa
• Escenografía: Enrique Alarcón

SINOPSIS

María José (Lucía Bosé) y Juan (Alberto Closas) son amantes y, tras regresar a sus casas después de una escapada, en el camino de vuelta atropellan a un ciclista. Por miedo a ser reconocidos, no le socorren y días después fallece. Tras este acontecimiento,los recuerdos de lo ocurrido les irá atormentando.

CRITICA

A pesar de intentar pensar que nuestros actos con sus consecuencias no afectan a los que tenemos a nuestro alrededor. Ya que muchas veces es necesario actuar haciendo cosas que nos gusten, pero otras veces, actuar de forma caprichosa o por impulsos, puede acarrearnos consecuencias inesperadas. Y si de por medio está nuestra comodidad y nuestro estilo de vida, al final actuamos como si fuésemos monstruos; sin importarnos nuestro prójimo.

Aunque, al protagonista de la película lo que le ocurre es que tiene objeción de conciencia y sabe que lo que ha hecho (atropellar a un ciclista y no socorrerle) no es moralmente correcto y por eso decide tomar una decisión y afrontar la verdad de sus actos. Puesto que, hasta que no se da cuenta de los cambios que le van sucediendo tras el accidente, no es capaz de reconocer su error.

Por otro lado, está la protagonista femenina que encaprichada de un amor de juventud y para no ser descubierta, decide no socorrer al ciclista. Cuando ve que su fechoría puede ser descubierta y, a posteriori no le ocurre nada; ella decide actuar con total normalidad como si nada hubiese pasado. Para más inri, cuando se queda "tranquila" al saber que se desconoce lo del accidente, decide quedar con su amante en una iglesia; de forma clara se ve a través de esta pequeña metáfora como ella da por concluida la "expiación de sus pecados", cuando realmente estos siguen ahí puesto que no reconoce el homicidio y además, lleva tiempo cometiendo adulterio.   

De una forma clara y contundente se ven las dos caras de la moneda en la España de los años cincuenta, en donde las clases sociales estaban muy marcadas y como la clase alta es impune a las leyes y también muestra como la posibilidad de perder el estatus social y esos privilegios que hacen que todo el mundo te reconozca, pueden llegar a desaparecer. A la vez que muestra sin ningún tipo de tapujos que lo importante es la apariencia externa y el que dirán, en lugar de ser coherente con los actos que uno mismo realiza o incluso, tomar decisiones que puedan ayudar a uno ser mejor persona.

Desde mi punto de vista, es una película mordaz de principio a fin ya que muestra con total desnudez  el alma de los personajes y sus pensamientos más oscuros y temerosos y como ambos apelan de maneras totalmente distintas a su conciencia moral. También intenta reflejar que de alguna u otra forma, el ser humano tiene miedo a la pobreza o a todo aquello que no le permita vivir holgadamente o tener tantos caprichos como se pueda. Pero, como bien dice el refranero español: "uno cosecha lo que siembra" o incluso "ojo por ojo, diente por diente". Es decir, que los actos y las decisiones que tomemos, siempre van a tener consecuencias y que muchas veces, lo que hacemos y damos a los demás, se nos puede ser devuelto de forma positiva o negativa.

Calificación personal: 8

Dando la nota 3 (2017)

• Título original: Pitch Perfect 3
• Año: 2017
• Género: Comedia, musical
• Dirección: Trish Sie
• Intérpretes: Anna Kendrick, Rebel Wilson, Brittany Snow, Hailee Steinfield, Anna Camp, Elizabeth Banks, Hana Mae Lee, John Lithgow, Ruby Rose, Alexis Knapp, Guy Burnet, John Michael Higgins.
• Guión: Kay Cannon
• Música: Christopher Lennertz
• Fotografía: Matthew Clark
• Montaje: Craig Alpert, Colin Patton
• Productora: Gold Circle Films, Universal Pictures

SINOPSIS

Tras ganar el campeonato mundial acapella, las Bellas se separan y descubren que es complicado hacerse un huevo en el mundo de la música. Pero, cuando tienen la oportunidad de unirse a un tour por el extranjero el grupo se volverá a unir para hacer música y afrontarse a la realidad.

CRITICA

El peso de realizar secuelas en Hollywood, es algo que tarde o temprano acaba pasando factura de algún que otro modo e intentar cerrar algún tipo de trilogía, también es algo bastante costoso. Con esto no quiero decir que la trilogía de Dando la nota sea algo espectacular o que haya echado el cierre de manera apoteósica, pero si que ha marcado a una generación.

El estilo que sigue esta tercera parte es como el de sus predecesoras, donde los gags y las situaciones absurdas es algo recurrente para que el espectador pueda soltar más de una carcajada. Al igual que las canciones que (como en el caso de las anteriores entregas) que son a partir de los años 2000, permite que el público se acuerde y las acabe tarareando. Aunque no es una gran película (y no creo que pretenda serlo) si que de una forma un poco subrepticia intenta mostrar (aunque sea con vis cómica) que no se puede vivir del pasado y que la vida sigue y hay nuevos proyectos. Pero si, se puede recordar con alegría y entusiasmo una etapa de nuestra que (aunque ya quemada) nos ha marcado y en parte ha forjado realmente quiénes somos.

Desde mi punto de vista, es una película entretenida y que no se hace tan larga ni tan pesada como lo fue la segunda parte y que al fin y al cabo es permite pasar un buen rato y soltar incluso alguna que otra lagrimilla. Lo que también destaca es los personajes interpretados por Elizabeth Banks y John Michael Higgins haciendo de los comentaristas, que con sus comentarios ácidos marcan un ritmo gracioso como en la anteriores entregas. Por lo que si se quiere pasar un buen rato y estar relajado, Dando la nota 3 puede ser perfectamente esa película de relajación.

Calificación personal: 6

Yo, Daniel Blake (2016)

• Título original: I, Daniel Blake
• Dirección: Ken Loach
• Año: 2016
• Género: Drama
• Intérpretes: Dave Johns, Hayley Squires, Dylan McKiernan, Briana Shann, Kate Rutter, Kema Sikazwe, Gavin Webster, Steven Richens
• Guión: Paul Laverty
• Música: George Fenton
• Fotografía: Robbie Ryan
• Montaje: Johnathan Morris
• Productora: Why Not Productions, Wild Bunch

SINOPSIS

Daniel Blake (Dave Johns) es un carpintero de 59 años que sufre un ataque al corazón en el trabajo. Cuando solicita la ayuda del gobierno por incapacidad laboral, se la deniegan. Intentando buscar una salida que le ayude a subsistir conoce a Kattie (Hayley Squires) una madre con dos hijos que busca una vida mejor tras marcharse del albergue para indigentes en el que vivía.

CRITICA

Cuando se cataloga una película en el género de drama, siempre esperamos una historia que nos genere alguna que otra lágrima y que al final el espectador acabe con una caja de kleenex en los cuales debe de secarse dichas lágrimas. Pero, muchas veces este género sirve también de reflejo para mostrar lo que ocurre en la sociedad (sin adornos, sin ningún tipo de florituras) y darnos cuenta que, la falta de humanidad en un mundo cada vez más egoísta es algo que no podemos ignorar.

Aunque no lo parezca, esta historia totalmente conmovedora y que suele suceder en cualquier país, la gente trabajadora y humilde que ha estado contribuyendo a la sociedad con sus impuestos y su trabajo, cuando ya no puede más, le deniegan todo tipo de ayudas y subvenciones puesto que, con el simple echo de respirar, te hace totalmente válido y competente para trabajar. Y, de alguna que otra forma, el estado se acaba desentendiendo de estas personas.

Desde un primer momento, en la película se nos muestra la gran brecha social que hay en el Estado para que éste, de alguna forma "escurra el bulto" para no ayudar a los que realmente tendría que proteger. No solo se nos muestra la cara amarga de una situación que vemos que no va a mejorar para el protagonista, sino como muchas veces la gente que está sola y no tiene ningún tipo de familia, acaba ayudando a otros (en su misma situación) sin esperar nada a cambio y que, de alguna forma, les hace la vida un poco más llevadera, aunque solo sea un poco. También de alguna forma, puede hacer reflexionar a todo el mundo, puesto que el ser humano critica la situación de las personas necesitadas que, han llegado a esa situación porque han vivido por encima de sus posibilidades o que incluso querían vivir del cuento o vivir del Estado, sin ni siquiera mover un dedo; cuando realmente no se sabe su situación pasada (ni la actual) y como han acabado casi en la indigencia.

Otro de los puntos a favor que tiene la película es como el personaje de Daniel Blake conoce a una madre (Kattie) joven, soltera y con dos hijos y decide ayudarla o hacer que el cuchitril en el que viven sea un poco más acogedor. A su vez,  Kattie decide buscar una vida mejor para sus hijos y ve que no lo consigue al buscar y no encontrarlo y vivir de la ayuda de los demás le supone un fuerte golpe para ella y, al final recurre a la prostitución. Pero, su amigo Daniel está ahí para recordarla que es una buena madre y que su vida irá a mejor y que no es necesario que venda su cuerpo para dar de comer a sus hijos. Y como al final, parece ser que la situación de ella se acaba revirtiendo y le ayuda a él para que le den la incapacidad.

A lo largo de toda la película, se nos muestra también como hay personas que, aunque trabajen en el sistema, o personas que por muy poco que tengan, acaban ayudando y compartiendo entre ellas. Por otro lado, también se muestra como el Estado, para no tener que "hacerse cargo" de los ciudadanos, evita el trato personal y obliga a que toda persona para solicitar una ayuda, lo haga de forma telemática y de esta forma, quitarse un peso de encima.

El gran Ken Loach junto con su guionista Paul Laverty, llevan una vez más al espectador a una nueva forma de centrifugación de la pobreza, donde el individuo no importa en una sociedad cada vez más decadente y egoísta y que además, se dan derechos a cosas o personas que no ayudan a mejorar a la sociedad. Y que una vez más, nos presentan (director y guionista) una historia que no es de lágrima fácil, sino de una realidad que cada vez es mucho más palpable y de la que intentamos escapar puesto que no tiene nada que ver con nosotros. Porque a lo mejor, con un simple gesto de bondad o con una pequeña sonrisa, podemos ayudar al que tenemos al lado y, por un momento no tener que pensar en nosotros mismos.

Unos cinco minutos antes de que termine la película, el/la protagonista deja una reflexión que no es difícil de ignorar y que de vez en cuando todos los dirigentes políticos, de todos los países deberían reflexionar que, para que un país prospere muchas veces no es importante ser un gran país productor, sino ser un país rico en humanidad: "No soy un cliente, ni un consumidor, ni un usuario del servicio. No soy un gandul, ni un mendigo, ni un ladrón. No soy un número de la seguridad social o un expediente. Siempre pagué mis deudas, hasta el último céntimo y estoy orgulloso. El tipo de personas, me da igual, siempre las he respetado y ayudado. No acepto ni busco caridad. Me llamo Daniel Blake. Soy una persona. No un perro. Y como tal exijo mis derechos. Exijo que se me respete. Yo, Daniel Blake, soy un ciudadano; nada más y nada menos. Gracias".

Calificación personal: 9.2

En la habitación (2001)

• Título original: In the bedroom
• Año: 2001
• Género: Drama
• Dirección: Todd Field
• Intérpretes: Tom Wilkinson, Sissy Spacek, Marisa Tomei, Nick Sthal, William Mapother, William Wise, Celia Weston, Karen Allen
• Guión: Todd Field, Rob Festinger
• Música: Thomas Newman
• Fotografía: Antonio Calvache
• Montaje: Frank Reynolds
• Productora: Good Machines, Greene Street Films, Eastern Standard Film Company

SINOPSIS

Matt Fowler (Tom Wilkinson) vive en Maine con su mujer Ruth (Sissy Spacek). En verano reciben la visita de su hijo Frank (Nick Sthal) que está saliendo con una mujer separada (Marisa Tomei) madre de dos hijos pequeños. Los padres de Frank no ven con muy buenos ojos esta relación, no solo porque la mujer está en proceso de divorcio, sino por la complicada relación que mantiene ella con su futuro ex marido.

CRITICA

Dicen que una de las cosas más dolorosas de la vida es perder a un hijo, puesto que los padres quieren ver la vida de sus hijos completa y que un padre nunca debería sobrevivir a un hijo. Pero en muchos casos (por desgracia) para muchos padres supone un gran dolor y a veces no encuentran una forma de poder mitigar el dolor y más, si tu hijo ha perdido la vida a manos de otra persona. Lo que nos hace plantearnos preguntas como: ¿seremos capaces de superar el dolor?, ¿habrá justicia para el hijo perdido de forma tan fuerte?, ¿cómo poder sobrellevar este dolor de la mejor forma posible? Todo esto son interrogantes que uno puede plantearse y que muchas veces (en cierto modo) acaba afectando a los padres del hijo fallecido y su relación se acaba deteriorando.

Por otro lado también se ve como la relación del hijo con su padre es totalmente distinta a la que tiene con su madre, puesto que con su padre le permite ser más abierto lo que le hace tener una mayor complicidad. De algún modo, la actitud del padre hacia el hijo hace que la madre recele y le hecha la culpa de una situación que se podría haber evitado. En este momento, es cuando la ruptura del matrimonio se va haciendo cada vez más evidente y las disonancias entre ambos son palpables; por lo que es necesario que vuelvan a sentir conexión.

Hay un momento en la película, que Ruth le dice a su marido: "deja de actuar como si no hubiese ocurrido nada". Realmente el personaje de Matt no actúa como si no hubiese pasado nada, sino más bien fijándose en todo lo que sucede a su alrededor, en los pequeños detalles y en todo aquello que le permita mantener el recuerdo de su hijo lo más vívido posible para no acabar perdiendo la cabeza.
Dentro de la historia, de alguna forma se nos plantea que muchas veces los padres intentan que sus hijos (de algún modo) cuando van creciendo que no tomen determinadas decisiones o que los educan para seguir unas determinadas directrices pero; lo que acaba ocurriendo es que cuánto más nos prohíben, queremos hacer todo lo contrario, pudiendo ser un acto de rebeldía o simplemente que podemos tomar determinadas decisiones o realizar determinados actos y poder equivocarnos. Pero, muchas veces los padres se acaban anticipando y saben que si seguimos por un determinado camino, lo más seguro es que no equivoquemos.

A la vista de como se va desarrollando la película, el final es totalmente inesperado (no haré ningún spoiler al respecto) y parece que de algún modo el matrimonio de los señores Fowler vuelve a ser el de antes. Pero, ¿qué ocurre cuando pierdes el norte y además pierdes toda la humanidad que te hacían ser, el ser humano que eras?, ¿está justificada la violencia gratuita? o ¿tomarnos la justicia por nuestra propia mano? A veces, es más importante no perder la humanidad para no acabar convirtiéndote en un monstruo.

Calificación personal: 7.5

Monster's Ball (2001)

• Dirección: Marc Foster
• Año:2001
• Género: Drama
• Intérpretes: Billy Bob Thornton, Halle Berry, Heath Ledger, Peter Boyle, Sean Combs, Mos Def, Coronji Calhoun, Amber Rules, Charle Cowan Jr.
• Guión: Milo Addica, Will Rokos
• Música: Asche & Spencer, The Jayhawks
• Fotografía: Roberto Schaefer
• Montaje: Matt Cheese
• Productora: Lions Gate Entertainment

SINOPSIS

Hank (Billy Bob Thornton) trabaja junto a su hijo Sonny (Heath Ledger) como funcionario de prisiones. Ambos son incapaces de relacionarse con mujeres y de tener una relación cordial entre ambos; además de vivir con el padre de Hank (Peter Boyle), funcionario de prisiones jubilado y racista. Tras la ejecución de un preso, la vida de Hank da un vuelvo cuando conoce a Leticia (Halle Berry) viuda del preso ejecutado.

CRITICA

Hoy en día, educar unos valores a los niños y adolescentes es complicado, puesto que la sociedad en determinados aspectos, dice como se deben educar a los hijos y como debes de actuar; pero muchas veces no promueven (aunque se diga que si) el pensar por uno mismo, tomar nuestras propias decisiones y ver cuando nos equivocamos, cual es el mejor camino para no volver a fallar o poder mejorar. Pero a veces, es demasiado tarde y se ha perdido mucho tiempo en odiar, criticar y fijarse en lo que hacen los demás que en vivir uno mismo.

En la historia que se cuenta en la película, se demuestra como el odio y el racismo hacen imposible una convivencia entre una familia e incluso, el desprecio por no ser un hombre es una deshonra. Pero realmente, esto hace que el espectador se plantee: ¿qué es ser un hombre: menospreciar a las mujeres, tratarlas como si fueran objetos, creerte superior a los demás, no mostrar sentimientos hacia tus hijos, no mostrar amor hacia nadie o incluso llegar a odiar por el color de la piel? Esto produce, en cierta medida que los hijos noten esa falta de amor y que muchas de las veces no sepan ya que hacer para demostrar lo que valen o incluso que muchas veces se sienta "obligados" ha hacer cosas o dedicarse a un oficio solo porque es la tradición familiar o porque de esa forma se va a conseguir el cariño de los padres.

Cuando ve que todo su mundo se va desmoronando y esa actitud autoritaria e impertérrita se ve sacudida por la muerte de su hijo, el personaje de Frank de algún modo intenta salir de ese pozo de tristeza (aunque no lo manifieste puesto que para el ser un hombre es no mostrar sentimientos) y ver que de algún modo no ha sido un buen padre y que debe de cambiar aspectos de vida y quitarse esas ideas arcaicas y racistas y, dejar abrir su corazón ante la posibilidad de ser mejor persona y poder ser feliz; sin tener que juzgar a nadie.

El guión parte de una premisa sencilla pero, el simple hecho de introducir en la historia la ejecución de un preso, permite ver el cambio de visión de los personajes y que también de alguna forma puedan mostrar la poca humanidad que tienen. Por otro lado, de una manera clara y directa, es decir a través de la muerte, intentar corregir errores o incluso poder mejorar como persona pero sobre todo, reflexionar sobre nuestra actitud y sobre nuestra vida y ver por donde queremos conducirla.

En cuanto el reparto, los tres protagonistas hacen un buen trabajo de contención emocional y a la vez se refleja en sus caras sentimientos de dolor. Billy Bob Thornton esta impecable en su actuación al mantenerse frío y distante. Halle Berry acierta en su papel de madre sufridora (aunque tres años más tarde tirase su carrera por la borda haciendo Catwoman) y Heath Ledger tras haber hecho papeles destacados en 10 razones para odiarte, El patriota y Destino de caballero, supo plasmar a la perfección la tristeza y la soledad, que llevaría más tarde a las películas posteriores que realizase hasta su repentina muerte.

A pesar de estar dentro del género de drama, la película es capaz de reflejar en muchos momentos la soledad autoimpuesta, la pérdida pero también la posibilidad y la esperanza de que todo el mundo se merece una segunda oportunidad y de que todo el mundo puede cambiar a pesar de haber cometido errores y que lo más seguro, es que encontremos a alguien que nos haga nacer de nuevo.

Calificación personal: 7.2

Perfectos desconocidos (2017)

• Dirección: Álex de la Iglesia
• Género: Comedia
• Año: 2017
• Intérpretes: Belén Rueda, Eduard Fernández, Eduardo Noriega, Dafne Fernández, Ernesto Alterio, Pepón Nieto, Juana Acosta.
• Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
• Música: Víctor Reyes
• Fotografía: Ángel Amorós
• Montaje: Domingo González
• Productora: Telecinco Cinema, Nadie es perfecto, Movistar +, Mediaset España

SINOPSIS

Una cena entre cuatro parejas que se conocen de toda la vida, proponen un juego: dejar los móviles encima de la mesa y así todos ellos pueden enterarse de los mensajes y llamadas que les lleguen; si nadie tiene nada que esconder...

CRITICA

No solo de los remakes viven los americanos, pero aunque Perfectos desconocidos sea un remake de una película italiana, capta a la perfección el ritmo de vida que se lleva en la actualidad y como la tecnología ha eclipsado por completo las relaciones humanas, ya que pasamos la mayoría del tiempo más pendientes de lo que vamos recibiendo en el móvil en lugar de despreocuparnos y disfrutar de una buena compañía. Pero a la vez, es una crítica (aunque sea en modo satírico) de que muchas veces ocultamos parte de nuestra vida a través de la tecnología.

En la película se muestra claramente como las parejas que aparecen han perdido la pasión o simplemente quererse y ver que compartir una vida juntos no es algo tedioso ni aburrido; sino todo lo contrario pero, para ellos su forma de algún modo de mantener "vivo" su matrimonio consiste en engañarse mutuamente y aparentar frente a los demás que su vida conyugal no es tan mala o que incluso humillarse públicamente es algo de lo más normal y habitual. Pero cuando empiezan a salir a la luz sus más oscuros secretos, las reacciones a la hora de conocer la verdad y el ultraje sufrido y se escandalizan por ellos, cuando todos son culpables de lo mismo. Y además, lo más curioso es que todos culpan a los teléfonos móviles de la situación incómoda que se está viviendo durante la mesa y que cuando eran jóvenes, al no estar la tecnología muy avanzada, no había este tipo de problemas.

De alguna forma también muestra la hipocresía que hay en nuestras vidas al intentar fingir lo que no somos e incluso no  escandalizarnos realmente de lo que hace uno mismo y si por lo que hacen los demás; así como buscar una y mil excusas para no enfrentarnos a los problemas y a las consecuencias. Todo esto, está contado en clave cómica para que el espectador pueda pasar un buen rato pero lo cierto es que de alguna manera quiere hacerle entender al espectador que todos estamos enganchados a los móviles, no podemos despegarnos de ellos, por redes sociales podemos contar cualquier cosa e incluso ocultarlas y que en definitiva, muchas veces perdemos nuestra seña de identidad como personas.

El conjunto de los siete actores muestra gran química entre ellos y como saben interpretar bien el carácter de sus personajes. Destacar sobre todo a Juana Acosta (Ana) y Ernesto Alterio (Antonio) que además de ser pareja en la vida real, desde mi punto de vista por las interpretaciones de ambos y porque el personaje de Ernesto Alterio es el que tiene todos los puntos cómicos que, gracias a su expresión, a la forma de decirlos y la excentricidad de su personaje es el que de alguna forma acaba dando vida a gran parte de la trama. Mencionar también a Belén Rueda y Eduard Fernández que tras haber trabajado en la otrora película cómica La noche que mi madre mató a mi padre hacen un tandem que se compenetra bastante bien.

En resumen, la película aparte de mostrar muchas de las carencias y/o defectos del ser humano, refleja también de alguna forma que el humor en determinadas ocasiones no está de más y que sobre todo, antes de juzgar a los demás o "mentir" diciendo que nosotros no tenemos secretos, produce que más de una vez mintamos y lo tomemos como hábito y excusa. Porque al igual que la mentira, los secretos también tienen las patas muy cortas.

Calificación personal: 8

Tarde para la ira (2016)

• Dirección: Raúl Arévalo
• Año:2016.
• Género: Thriller. 
• Reparto: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Raúl Jiménez, Alicia Rubio, Manolo Solo, Font García. 
• Guion: Raúl Arévalo y David Pulido. 
• Música: Lucio Godoy. 
• Fotografía: Arnau Vals Colomer
• Productora: La canica films, RTVE.

SINOPSIS

Madrid, agosto de 2006. Curro (Luis Callejo) entra en prisión tras participar en el atraco de una joyería. Ocho años después sale de la cárcel con ganas de emprender una nueva vida junto a su familia, pero se encontrará con una situación inesperada y a un desconocido, José, que le llevará a emprender un extraño viaje en el que, juntos, se enfrentarán a fantasmas del pasado y se hundirán en el abismo de la venganza.

CRITICA

Los dos últimos thrillers que he visto han sido del cine español: la primera Que Dios nos perdone y la segunda Tarde para la ira de la que haré una crítica a continuación. Desde el principio hasta el final, no se sabe exactamente que es lo que va a suceder pero, a medida que se va deshojando la flor, aparece con toda claridad la venganza que de manera silenciosa se ha ido fraguando.

Desde mi punto de vista, esta película rompe los convencionalismos de los thrillers para mostrarnos una historia que no carece de fisuras y a la vez consigue maximizar toda la trama con una gran variedad de matices. Comenzando con esa huida en coche, hasta el momento culmen en el que se va descubriendo todos los rencores y rencillas del pasado entre dos personajes que inicialmente no sabían de la existencia del otro y que por casualidad (o no) acaban unidos de manera inesperada, llegando a romperse los esquemas de ambos.

Inicialmente se nos va mostrando secuencias al espectador sobre "el bar", "la familia" y "Ana" (algo parecido a lo que hizo Carlos Vermut con su debut en Magical Girl) para introducirnos en su motivación personal para poder fraguar la venganza que lleva planeando mucho tiempo; aunque en algunos momentos por los momentos de soledad, las expresiones faciales de Antonio de La Torre (que interpreta a José, el antagonista) y los momentos en los que su fijación para poder apaciguar su alma, permiten de una manera sutil y bastante concisa de cumplir su objetivo.

Además, toda la atmósfera que se va recreando a lo largo de la película, no hubiese sido posible sin los lugares castizos de la geografía española (lo que recuerda a películas de Carlos Saura como La caza  y El 7º día) así como el enfoque de la cámara hacia pequeños detalles como una mirada, un chat de una red social, e incluso una visita a un hospital. Lo que hace que un guión bien construido y con una solidez argumentativa y narrativa, permita disfrutar de una buena película. Aunque si es necesario resaltar, que en los momentos de más tensión en la película, se genera un pequeño caos en el movimiento de la cámara, perdiendo el espectador un poco la visión.

La evolución dramática no desaparece en ningún momento, así como las interpretaciones sólidas y que inspiran confianza de un reparto sólido y con cierta experiencia en el terreno. Para ser un novato, Raúl Arévalo ha sabido captar a la perfección la esencia del gran Alberto Rodríguez con el que trabajó en La isla mínima  y del que supo captar la esencia de un buen thriller. Por esto (y por muchas más cosas) invito a todos aquellos que no han visto cine español o que sólo han visto películas sin un buen hilo argumental, que vean esta película y que además, hay muchas más películas del cine español con sello propio y que reafirman una vez más la buena racha del cine español (aunque mucha gente se niegue a admitirlo) y que no hace falta emular a Hollywood haciendo películas con extremada violencia, sangre y tiroteos para crear una historia impecable de principio a fin.

Calificación personal: 8.4

Star Wars VIII: Los últimos Jedi (2017)

• Título original: Star Wars: The last Jedi
• Año: 2017
• Género: Aventuras, ciencia ficción
• Dirección: Rian Johnson
• Intérpretes: Mark Hamill, Carrie Fisher, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isacc, Andy Serkis, Laura Dern, Domhnall Gleeson, Anthony Daniels, Lupita Nyong'o, Gwendoline Christie, Benicio del Toro, Kelly Marie Tran, Kenny Baker, Billie Lourd.
• Guión: Rian Johnson
• Música: John Williams
• Fotografía: Steve Yedlin
• Montaje: Bob Ducsay
• Maquillaje: Peter King, Flora Moody
• Productora: LucasFilm, Walt Disney Studios

SINOPSIS

La Primera Orden se ha vuelto más fuerte y tiene contra las cuerdas a la Resistencia liderada por la capitana Leia Organa (Carrie Fisher). Mientras tanto el comandante Poe Dameron (Oscar Isaac) encabeza una expedición para intentar destruir uno de los acorazados de la Primera Orden. Mientras tanto, Rey (Daisy Ridley) consigue encontrar a Luke Skywalker (Mark Hamill) para que le guíe en el camino de la Fuerza. Por otro lado, Kylo Ren (Adam Driver) sigue en el lado oscuro de la fuerza.

CRITICA

Parece ser que la espera ha terminado con el capítulo ocho de esta saga, pero tras la espera, la decepción ha sido mayúscula. Porque si bien Star Wars VII: El despertar de la fuerza era la película introductoria para esta nueva trilogía, este episodio ocho no acaba del todo por convencer y ver realmente cual es el objetivo tanto de la Primera Orden como de la Resistencia. Además de que queda un vacío en la historia entre el episodio seis y siete y, del siete al ocho.

En ciertos momentos de la trama, uno puede llegar a sentirse perdido puesto que no sabe (o no logra ubicarse) en la historia ni la aparición de determinados personajes y si realmente el último Sith acabó al morir Darth Vader, ¿cómo es que aparece un nievo Sith llamado Snoke?, ¿porqué no hay una historia introductoria para explicar los nuevos personajes? Y si a todo esto le unimos el porqué Luke Skywalker está empeñado en que los Jedi desaparezcan a la vez que la historia sobre la vida de Rey no encaja y "esa fuerza misteriosa" de la isla en la que vive Luke, ¿qué sentido tiene con el poder de la fuerza? Y lo que creo que todo espectador echa de menos, es la presencia de Han Solo, puesto que le daba vida a la historia.

La esencia que le falta en parte a Los últimos Jedi es la esencia que les caracterizaba a las dos trilogías anteriores, donde se hilaban bien todas las historias y mencionaban la aparición de los nuevos personajes, al igual que batallas de luchas épicas y el tema de la política, hacían que el espectador pudiese entrar de lleno en la historia. Es cierto, que el encanto de esta nueva entrega radica también en la aparición de nuevas criaturas (véase los porgs) que llegan a encandilar.

Desde mi punto de vista, lo que puede también haber hecho mella es que el reparto es bastante joven y con poca trayectoria en el mundo del cine y, sus actuaciones están  un poco "imberbes" a la vez que poco resolutivas. Por otro lado, hay momentos en los que a medida que va avanzando la historia parece que en algún momento va a despegar y que va a ocurrir algo que hará girar la historia por completo pero, no llega a ocurrir.

A la espera de dos años para el estreno de la tercera parte de esta tercera trilogía, espero que la historia sea bastante más elaborada y cree una conexión entre los personajes y se puedan aclarar y despejar dudas acerca de la verdad de todos los protagonistas y que a la vez, no sea tan soporífera y que los actores hayan ganado en interpretación.

Calificación personal: 6

El piano (1993)

• Título original: The piano
• Año: 1993
• Género: Drama
• Dirección: Jane Campion
• Intérpretes: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin, Kerry Walker, Genevieve Lemon, Cliff Curtis.
• Guión: Jane Campion
• Música: Michael Nyman
• Vestuario: Janet Patterson
• Montaje: Veronika Jenet
• Fotografía: Stuart Dryburgh

SINOPSIS

Muda desde pequeña, Ada (Holly Hunter) acaba de perder a su esposo. Un matrimonio concertado le obliga a dejar su Escocia natal y viaja a Nueva Zelanda, acompañada de su hija (Anna Paquin) y su piano. Allí conocerá a su nuevo marido (Sam Neill), un próspero granjero, que se niega a llevar a casa el piano. Abandonado en la playa, el instrumento es rescatado por un vecino del granjero (Harvey Keitel), quien establece un pacto llamativo con Ada: él la dejará tocar su piano a cambio de que ella deje tocarse. El acuerdo poco a poco va perdiendo su rigidez para darle paso al amor. Ada, aunque confusa al principio, irá correspondiendo a ese deseo y sabrá expresar sus sentimiento a través de su piano.

CRITICA

Hay películas, que con el paso del tiempo siempre permanecen en la retina del espectador y que si alguna vez de manera fortuita (o no) se menciona el título, uno acaba por recordar de que trataba esa historia que nos atrapó en el pasado. Esto es lo que ocurre principalmente a El piano no solo por la capacidad que tuvo en su momento de poder transmitir al espectador, diferentes sentimientos a través de la música; sino que también con el silencio se puede transmitir mucho más.

Desde el principio, la historia nos arrastra por completo a las profundidades del corazón de una mujer muda que, su forma de manifestar sus sentimientos es a través del piano, puesto que su imposibilidad para hablar le ha impedido comunicarse (solo lo hace a través de su hija como intérprete) y que a través del piano puede expresar lo que siente. En todo momento, se nos presenta una narración intimista donde también se muestra la imposibilidad de una mujer de tomar sus propias decisiones y tener que depender por completo de un marido que no es capaz de ver la maestría de su mujer ante un instrumento. Sin embargo, alguien completamente inculto y que siempre ha vivido en un área rural, es capaz de ver no sólo el amor de la mujer hacia su piano, sino también la belleza femenina y el poder que emana a pesar de tener un problema de comunicación. E incluso, hace que ella vuelva a sentirse amada y deseada y que la vean con una capacidad para luchar por aquello que más ama: su piano.

En todo este transcurso de la historia, van apareciendo diferentes tipos de sentimientos que de alguna forma han estado siempre encerrados y que siempre aparece alguien que nos abre los ojos y que hace que nos queramos más a nosotros mismos y veamos nuestra propia valía. Además los sentimientos se muestran muchas veces a través de los fotogramas como la soledad de Ada sin su piano, al verse unos minutos como el piano permanece en su caja de madera en el mar. La soledad, cuando el marido decide recluirla en casa y, cuando la llevan a la playa a tocar el piano, como ponen velas alrededor como símbolo de esperanza.

En cuanto a las interpretaciones, he de decir que Holly Hunter (que interpreta a Ada) aprendió el lenguaje de signos y que es ella la que toca realmente el piano, ya que es muy ágil con el, y sobre todo el ejercicio de contención para no pronunciar ni una sola palabra y expresar los sentimientos a través de los rasgos faciales, es digno de todos los premios que se llevó. Así como la gran química que hay entre ella y la joven Anna Paquin, que a pesar de ser un personaje infantil, lo interpreta con mucha fuerza y no se amilana ante tanto adulto y como quiere, cuida y protege a su madre.

Es interesante destacar, que Jane Campion (la directora de la película) ha sido de momento la única mujer que se ha alzado con la Palma de Oro del Festival de Cannes a la mejor película, lo que demuestra que muchas veces el trabajo femenino, está poco valorado. Desde mi punto de vista, es una película que invita desde el primer momento a amar la verdad y que muchas veces, las palabras no son necesarias o están carentes de significado o incluso, una simple mirada, un pequeño gesto, una melodía armoniosa, puede transmitir mucho más sin decir ni una palabra.

Calificación personal: 9