Al mal tiempo, buen cine...

Queridos lectores y seguidores:

Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.

Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.

Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!

jueves, 5 de julio de 2018

Gorrión Rojo (2018)


  • Título original: Red Sparrow
  • Año: 2018
  • Género: Thriller
  • Dirección: Francis Lawrence
  • Intérpretes: Jennifer Lawrence, Jeremy Irons,Joel Edgerton, Charlotte Rampling, Matthias Schoenaerts, Joely Richardson, Ciarán Hinds, Mary Louise-Parker
  • Guión: Justin Hayte
  • Música: James Newton Howard
  • Fotografía: Jo Willems
  • Productora: Chernin Entertainment, Film Rates, Soundtrack New York

SINOPSIS

Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) tras un accidente que le impide seguir bailando en el ballet, es reclutada en una escuela donde se les hace llamarse "Gorriones Rojos" y trabajan para el gobierno. En una misión, conoce a Nate Nash (Joel Edgerton) un agente de la CIA que decide ayudarla para salir de ese mundo de espionaje que destruye a cualquier ser humano.


CRITICA

¡Por fin, un buen thriller ante nuestros ojos! (aunque esté basado en una novela) donde la tensión es completamente palpable desde el principio hasta el final y donde no deja al espectador indiferente ante la historia que se le está contando.

La premisa de la que se parte es sencilla: una joven prometedora bailarina entregada a su profesión pero a la vez a su madre enferma pero, un accidente le impide seguir con su sueño y claro está, esto afectará también a la madre. Y, milagrosamente aparece el tío para echarle una mano ya que es su sobrina pero, a cambio de algo: convertirse en una espía, pero no en una cualquiera, sino en una Gorrión Rojo donde se pretende destruir el halo de humanidad que le queda a la persona y convertirla en un arma para matar. Pero Dominika, utilizará todo lo que le han enseñado para jugar a su favor aunque eso le lleve a jugarse la vida, puesto que en su mente solo se encuentra su madre.

Por otro lado, aunque la Guerra Fría acabase hace muchos años, siempre hay tensiones políticas entre Estados Unidos y Rusia, donde la venta de secretos a través de topos sigue a la orden del día. Por ello, para evitar una catástrofe mayor, aparece un agente de la CIA como el ángel Salvador que no solo quiere realizar bien su trabajo, sino que "destruya" la vida de tantas jóvenes que sirven a la "Rusia Patria". Pero, en un momento determinado del metraje, la historia empieza a distorsionarse y provoca que a mitad de la película el espectador se acabe perdiendo puesto que la trama empieza a ramificarse sin saber muy bien por donde está yendo. Puesto que el espectador lo que pretende encontrarse es con un thriller de espías con un componente sexy, pero no acaba resultando nada sexy pero si una apuesta inteligente y provocadora, si la intriga estuviese a la altura.

También se acaba notando que el libreto del filme, una vez abandona los orígenes de la protagonista, acaba por volcándose al cien por cien en los enredos y complots entre la CIA y la inteligencia rusa; lo que lleva a momentos descafeinados en donde el espectador se ha perdido por completo. Desde mi punto de vista, se intenta hacer una versión de Atómica (crítica en este blog) con una Jennifer Lawrence que se queda en punto muerto en su interpretación, sin saber si adopta el papel de una adulta con comportamiento infantil o una expresión fría por su drama personal. Su compañero de reparto, Joel Edgerton si parece mantenerse a la altura de su papel, al igual que el gran Jeremy Irons y la gran Charlotte Rampling.

Cómo conclusión, he de decir que es un thriller bien llevado aunque al final acaban confluyendo diferentes historias a la vez y no se sabe bien quién es quién, que ha ocurrido en dónde, porqué ocurre eso ahora, etc; pero, merece que se destaque no solo por las subtramas sino por el engranaje de cada uno de los personajes. Y tener en cuenta que a pesar de contar con una de sus estrellas al alza en el star system de Hollywood, de alguna forma se consigue desencasillar a los actores de unos determinados tipos de papeles.




Calificación personal: 6.9


miércoles, 4 de julio de 2018

Elephant (2003)




  • Dirección: Gus Van Sant
  • Año: 2003
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Alex Frost, Eric Deulen, John Robinson, Elias McConnell, Jordan Taylor, Carrie Finklea, Nicole George, Alicia Miles
  • Guión: Gus Van Sant
  • Música: Ludwig Van Beethoven, Leslie Shatz
  • Fotografía: Harry Savides
  • Montaje: Gus Van Sant
  • Vestuario: Marychris Mass
  • Productora: HBO Films


SINOPSIS

En un instituto se muestra la vida de algunos de los estudiantes y como es un día normal con sus actividades e incluso su comportamiento dentro de dicho lugar. Hasta que un acontecimiento, pone el instituto patas arriba.


CRITICA

A simple vista, esta película no dice nada al espectador y solo muestra la vida normal de un grupo de adolescentes en un instituto a lo largo de un día. Por lo que, de una forma clara (aunque un tanto rebuscada) el director plantea una pregunta: ¿qué es lo que hay detrás de esas vidas anodinas o normales de estos jóvenes? Pues la respuesta es sencilla: problemas a lo que muchas veces nos tapamos todos los ojos aunque después nos escandalizamos.

A pequeños periodos de tiempo puede resultar un poco insoportable por el simple hecho de mostrar que es lo que hace un joven en un día normal de instituto. Pero esa demostración, con lo que pretende el director es que puede cambiar de un día para otro. Aunque parezca que el spoiler se realizará, solo comentar que se basa en la masacre del instituto Columbine en Estados Unidos, cuando dos jóvenes entraron armados y se pusieron a disparar a diestro y siniestro.

Es una forma también de reflejar que cada uno vivimos en nuestro mundo y que evitamos enfrentarnos a lo que nos rodea o que simplemente se ven determinadas clases de abusos y, los que están por encima de ti cierran los ojos ante lo que ocurre. De ahí el término White Elephant, donde se ignoran los diferentes abusos que sufre un adolescente. Claramente en la película se muestra desde un adolescente cuyo padre es alcohólico y en instituto le castigan por llegar siempre tarde, una joven que no es muy agraciada físicamente y de la que se burlan de ella, tres adolescentes obsesionadas con su aspecto físico y que recurren a la bulimia a escondidas para aparentar normalidad y un largo etcétera.

Y por otro lado, están las miradas de dos jóvenes que ven desde "lo oculto" observando el comportamiento de estos adolescentes y de como cada uno mira por si mismo y no mira para los demás. Por lo que para acabar directamente con todo eso es, sin ningún tipo de justificación, disparar a todo aquel que se encuentran en su camino por diversión y un poco de venganza por aquellos que son ignorados, humillados e insultados en el instituto.

A pesar de que muchos críticos (incluido Carlos Boyero) vean una película realmente ridícula y sin ningún tipo de argumentación, claramente presenta los problemas de adolescentes que se hacen crónicos a medida que se va creciendo y que marcan de muchas formas. También, a la hora de ver la película, me he preguntado que les ha hecho pensar a esos dos adolescentes a querer matar gente en su propio instituto, así como se refleja con total claridad como el control de armas en Estados Unidos (digan lo que digan) está controlado, cuando se refleja claramente que no es así y que prima antes la libertad a llevar armas que la propia vida humana. Al mismo tiempo, te muestra lo egoísta y realmente malvado que puede llegar a ser el hombre y da igual en que edad se encuentre.

A priori, he de reconocer que me pareció al principio una película un poco desconcertante, hasta que vas viendo la vida de cada uno de los adolescentes ves que la vida de nadie es fácil pero eso no justifica ser un asesino. La verdad, es que la puntuación que le pondré a continuación puede desconcertar a los lectores, pero por el análisis que se puede sacar, los planos, el guión sólido y donde las imágenes hablan muchas veces por sí mismas.


Calificación personal: 9





viernes, 22 de junio de 2018

El nuevo mundo (2005)



  • Título original: The new world
  • Año: 2005
  • Género: Drama, romance
  • Dirección: Terrence Malick
  • Intérpretes: Colin Farrell, Christopher Plummer, Christian Bale. Q'Orianka Kilcher, David Thewlis, Eddie Marsan, Noah Taylor
  • Guión: Terrence Malick
  • Fotografía: Emmanuel Lubezki
  • Música: James Horner
  • Montaje: Richar Chew, Hank Corwin, Saar Klein, Mark Yoshikawa
  • Productora: New Line Cinema

SINOPSIS

En el año 1607 una compañía de barcos decide poner rumbo a América para poder ir estableciendo una nueva colonia a la que llamarán Jamestown. Pero el desembarco no sólo les traerá hambre y desgracias, sino convivir con los indígenas de la selva.


CRITICA

Hay directores que tienen sus propias señas de identidad y, Terrence Malick es uno de ellos. No sólo los guiones pretenden contar una historia en torno a unos personajes y sus vicisitudes, sino también "contar" de alguna forma que todo lo que los personajes tienen a su alrededor pueden decir algo a través de un fotograma o simplemente un plano fijo durante unos minutos.


Es cierto que sobre la historia de Pocahontas y el capitán John Smith hay una leyenda, pero el director ha sido capaz con la documentación de la época poder reconstruir dicha historia, sino también en los momentos en los que parece que hay una serie de lagunas, sabes rellenarlas con diálogos internos de los personajes, de sus propios conflictos; así como mostrar la interacción de los mismos no con palabras, sino con gestos, miradas, planos; todas esas cosas que muchas veces pueden pasar desapercibidas al ojo del espectador. Además de todos y cada uno de los detalles cuidados que hay con la vestimenta, los campamentos, el refugio y las panorámicas que se realiza para que se sienta que podemos verlo todo.

Esta película me parece tan extraordinaria es debido a la capacidad que tiene para despertar emociones y reflexiones, porque sus preciosas imágenes no dejan indiferente y transmiten justamente el mensaje que el director desea, impactando y alterando los sentidos como si estuviéramos en el mismo lugar y la misma época de los hechos, y también porque pocas veces se ha plasmado en la pantalla con tanta sutileza y elegancia una historia de amor tan cercana y tan verdadera, como la que se muestra en El nuevo mundo, una obra maestra que mejora con cada visionado.


Esta película no es lo que parece, puesto que la cuarta película del director Terrence Malick no está hecha para ser consumida como la gran mayoría de las películas que nos llegan de Estados Unidos; la intención no es que el espectador se siente a desconectar, a pasar el rato, sino lo contrario, que experimentes y reflexiones sobre lo que se te muestra en la pantalla. La trama de Smith y Pocahontas es una excusa y la película no se ciñe a ella, no pretende contar lo que pasó realmente o darnos un nuevo enfoque de los hechos, va más allá, y le da igual la historia, porque el propósito es otro, es exponer al espectador la triste y bellísima historia de un paraíso perdido. En definitiva, una belleza de la naturaleza en su máximo esplendor.

Yo la recomiendo profundamente, pero siempre hay que tener en cuenta que las expectativas no siempre son lo que uno espera, porque realmente lo que se espera de esta película es ver que más allá de una historia, está todo lo que nos rodea.


Calificación personal: 8










La decisión (2016)




  • Título original: The choice
  • Año: 2016
  • Género: Romántica
  • Dirección: Ross Katz
  • Intérpretes: Benjamin Walker, Teresa Palmer, Tom Welling, Tom Wilkinson, Alexandra Daddario, Melissa George.
  • Guión: Bryan Sipe
  • Música: Marcelo Zarvos
  • Fotografía: Alar Kivilo
  • Productora: Lionsgate


SINOPSIS

Travis Shaw (Benjamin Walker) es un joven que parece que lo tiene todo en la vida, salvo que no encuentra la estabilidad sentimental puesto que resiste a enamorarse. Eso cambia cuando conoce a Gabby Holland (Teresa Palmer) que se muda a la casa de al lado.


CRITICA

El género romántico ha sido explotado en millones de facetas (no confundir con el drama) donde se puede mezclar la realidad con la ficción. Es decir, que las diferentes situaciones que le ocurren a los personajes o el simple echo del enamoramiento, puede ser algo que aparezca a la vuelta de la esquina pero, en determinadas ocasiones se muestra con demasiada empalagosidad.

Desde mi punto de vista, no niego (en cierto modo) que las historias de amor que se plantean muchas veces en las películas no tengan porqué no "suceder" en la realidad, pero si he de reseñar que los diálogos carecen de cierta madurez si lo que se pretender mostrar al espectador un amor adulto y maduro, a la par que tendrían que reflejar que tanto las relaciones de pareja como el matrimonio tiene sus momentos idílicos y con complicidad en la pareja, pero que muchas veces las dificultades se hacen presentes.

Por otro lado a excepción de esta novela/película y la de El diario de Noa muestran ya el amor en la etapa adulta y no tanto en el amor de la adolescencia. Si bien es cierto, que muchas veces las novelas de Nicholas Sparks no se han merecido una adaptación justa ya que se podría haber exprimido un poco más la historia, así como la elección muchas veces del elenco de actores no ha favorecido mucho (aunque he de mencionar que la actriz Teresa Palmer parece la única que se ha involucrado de lleno en su personaje).

En definitiva, es la típica película romántica de esas que te ayudan tras haber visto algún drama profundo o alguna película que te acaba dejando una angustia interior. Así que, a pesar de no ser la mejor adaptación de Nicholas Sparks, se pasa un rato agradable. Y puntualizo, que el subtítulo que se le da en español (En el nombre del amor) no es de forma casual, pero su título original es La decisión.



Calificación personal: 5.5


viernes, 15 de junio de 2018

Resucitado (2016)



  • Título original: Risen. 
  • Dirección: Kevin Reynolds.
  • Año: 2016.
  • Género: Drama
  • Reparto: Joseph Fiennes, Tom Felton, Peter Firth, Cliff Curtis, María Botto, Luis Callejo, Jan Canet. 
  • Guion: Kevin Reynolds y Paul Aiello. 
  • Música: Roque Baños.
  • Fotografía: Lorenzo Senatore
  • Vestuario: Mauricio Millenotti
  • Montaje: Steven Mirkovich
  • Productora: Affirm Films, LD, Entertainment


SINOPSIS


Clavius (Joseph Fiennes), un poderoso militar romano y su ayudante, Lucius (Tom Felton), son asignados para resolver el misterio sobre lo que le ocurrió a Jesús en las semanas posteriores a su crucifixión, con el fin de combatir los rumores del mesías resucitado y prevenir una revuelta en Jerusalén.


CRITICA

De manera habitual vemos películas sobre la vida y la pasión de Jesucristo, pero esta película da un giro completamente a lo que se le tiene acostumbrado al espectador. En este caso, tras la muerte de Jesús, se crea un revuelta porque dicen que ha resucitado y para ello el mejor soldado romano de Jerusalén se "encarga" del caso y así mostrar desde un punto de vista ajeno a los discípulos, de alguna forma nos quiere mostrar es lo que ocurrió realmente.

Al principio, esta idea puede parecer un poco alocada ya que puede transgredir lo descrito en la Biblia pero, todo lo contrario, lo hace desde el más absoluto respeto para observar los dos bandos que se implican ante la resurrección: los judíos y los romanos.

Aunque parezca que la película está enfocada hacia los creyentes no es del todo acertado, ya que lo que se pretende es mostrar la visión a través de un no creyente y dejando en la duda al espectador que es lo que realmente se le pasa por la cabeza al protagonista. Y cómo la búsqueda de un cadáver se puede acabar convirtiendo en una búsqueda de la verdad o simplemente que algo tan extraordinario pueda cambiarte la vida de repente y quieras conocer todas las respuestas. Porque realmente lo que muestra es algo tan grande desde los ojos de un no creyente.

Es cierto que la historia tiene altibajos sobre todo en el momento de la búsqueda de un cadáver, pero se recompone a medida que se va descubriendo todo lo que hay detrás. Puede definirse como una película detectivesca en tiempos de Jesucristo pero tener disposición de mantener una mente abierta.


Calificación personal: 6




martes, 12 de junio de 2018

María Antonieta (2006)




  • Título original: Marie Antoinette
  • Año: 2006
  • Género: Drama
  • Dirección: Sofia Coppola
  • Intérpretes: Kirsten Dunst, Rose Byrne, Jason Schwartzman, Judy Davis, Rip Torn, Asia Argento, Molly Shannon, Jamie Dornan, Danny Huston, Steve Coogan, Tom Hardy
  • Guión: Sofia Coppola
  • Fotografía: Lance Acord
  • Música: Jean Philippe-Rameau
  • Montaje: Sarah Flack
  • Vestuario: Milena Canonero
  • Productora: Columbia Pictures Corporation, I want candy, Pricel.


SINOPSIS

María Antonieta (Kirsten Dunst) a sus 14 años debe abandonar la corte de Austria para casarse con el futuro Luis XVI (Jason Schwartzman). Ante la indiferencia de su marido y al verse utilizada como un simple peón en una alianza, ella busca refugio en la decadencia de la aristocracia francesa.


CRITICA

En el momento del estreno de la película, hubo bastantes detractores al respecto puesto que mostraba a una María Antonieta superficial, que solo le interesaban las fiestas y lo derrochadora que era en su ámbito privado y lo poco cercana al pueblo francés. Pero hay que entender, que aunque la película se base en una novela sobre la biografía de este personaje, se ha realizado una adaptación bastante libre en cuanto a dicho libro, para centrarse un poco más en el modo de vida en aquella época.

Cualquier lector sabrá que el destino tanto de Luis XVI como de María Antonieta fue la muerte por guillotina (entre otros personajes con alto rango) al producirse la Revolución Francesa. Y es cierto pensar que en cierto modo, la decadencia de una monarquía en estas circunstancias, refleja lo que ha ocurrido a lo largo de toda la historia en otras monarquías en la antigüedad: pensar en su propio beneficio y seguir exigiéndole al pueblo más y más impuestos.

Desde un primer momento lo que se nos quiere mostrar al espectador es a una María Antonieta como una joven de nuestro tiempo que solo piensa en divertirse y en eludir responsabilidades. Una chica infantil e inmadura que bien podría compararse con cualquier personaje de las películas actuales. En definitiva, es una mujer que no consigue adaptarse a otro país, a otro pueblo ni a una corte donde el cotilleo está a la orden del día. Y, lo que al fin y al cabo lo que le acaban atrayendo son los lujos y las excentricidades. Además remarca una actitud un tanto feminista, donde la imagen que quiere reflejar (en cierto modo) es poder vivir una independencia en lugar de tener que estar "encerrada" casi todo el día en un palacio donde es objeto de cotilleos, chismorreos y donde la hipocresía se respira en cada momento. No cabe duda de que en la película se muestra de forma detallada como se pasa de la opulencia a su caída en desgracia, sin entrar en detalles de lo que pasó después de que huyeran de Versalles.

Sofia Coppola, hace mucho que dejó de ser la hija de Francis Ford Coppola y consolidó su carrera como directora gracias al excelente trabajo de Las vírgenes suicidas (ver crítica en este blog) y es capaz de crear historias que hace que el espectador pueda sentir un rechazo y un amor a la vez por un personajes y, mostrar la verdadera fragilidad de los mismos. A su vez, realiza unos enfoques de cámara muy detallistas para que el espectador pueda fijarse bien en todo lo que rodea al personajes.

Desde mi punto de vista, es una película entretenida que se toma sus licencias artísticas (que director y/o guionista no lo hace) para mostrar en cierto modo la vida de una mujer que fue más odiada que amada, criticada que alabada y cuya fama (sea buena o mala) no ha desaparecido con el paso del tiempo a pesar de su triste final.



Calificación personal: 6


lunes, 11 de junio de 2018

Jurassic World: El reino caído (2018)



  • Título original: Jurassic World: Fallen Kingdom
  • Año: 2018
  • Género: Ciencia Ficción
  • Dirección: J.A. Bayona
  • Intérpretes: Christ Pratt, Bryce Dallas Howard, James Cronmwell, Rafe Spall, BD Wong, Toby Jones, Justice Smith, Gerladine Chaplin, Jeff Goldblum.
  • Guión: Colin Trevorrow, Derek Conolly
  • Música: Michael Giachinno
  • Fotografía: Óscar Faura
  • Montaje: Bernat Vilaplana
  • Vestuario: Sammy Sheldon
  • Productora: Universal Pictures, Amblin Entertainment, Legendary Pictures

SINOPSIS

Tras la desaparición del parque temático de Jurassic World en la isla Nublar hace tres años, comienza una erupción volcánica en la isla que amenaza con la destrucción de todas las especies presentes en la misma. Para poder salvar algunas de ellas Claire (Bryce Dallas Howard) y Owen (Chris Pratt) se vuelven a reunir para salvarlas, pero durante el viaje descubren cual es el verdadero propósito a la hora de salvar las especies.


CRITICA

El reinicio de una saga no impide que muchas veces se pueda beber de las originales, ya que ésta sigue de alguna forma determinados patrones de Jurassic Park: El mundo perdido, los cuáles consiste en llevar a los dinosaurios a la "civilización", pero marcando aquí el aliciente del tráfico de animales, al igual que intentar seguir intentando a jugar a ser Dios.

Cómo es obvio, esta secuela tiene un guión ligeramente más elaborado que su predecesora, pero aún así no se alcanza el clímax propio de la trilogía original y, lo que más se ve es la destrucción de los dinosaurios a causa del volcán, que momentos épicos.

La verdad es que es cierto que mantiene al espectador pegado a la pantalla, aún así no es lo más espectacular del mundo y espero que con la tercera entrega (que la dejan muy abierta) se consiga poner un buen clímax y meter algo más de ciencia más explicado y ver el desarrollo de los experimentos con estos animales. en definitiva, si se quiere pasar un rato entretenido, porque no elegir Jurassic World: El reino caído.


Calificación personal: 5



jueves, 7 de junio de 2018

American Beauty (1999)




  • Dirección: Sam Mendes
  • Año: 1999
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Kevin Spacey, Annette Benning, Thora Birch, Mena Suvari, Wes Bentley, Chris Cooper, Allison Janney, Peter Gallagher.
  • Guión: Allan Ball
  • Música: Thomas Newman
  • Fotografía: Conrad L. Hard
  • Maquillaje: Thania McComas
  • Vestuario: Julie Weiss
  • Sonido: Scott Martin Gershin
  • Montaje: Tariq Anwar, Christopher Greenbury
  • Productora: DreamWorks, Jinks/Cohen Company

SINOPSIS

Lester Burnham (Kevin Spacey) cercano a los 40 años, vive una vida monótona donde su mujer se considera la perfecta mujer, además su hija adolescente ya casi no le dirige la palabra; hasta que conoce a Angela (Mena Suvari) la joven y atractiva amiga de su hija, con lo que su vida empieza a dar un giro radical.


CRITICA

Siempre siento la curiosidad cuando una película recibe tan buenas críticas y no se para de hablar constantemente de ella, verla y así poder granjearme mi propia opinión al respecto. Por lo que a mi respecta, American Beauty peca no de carecer de un guión sólido, sino de haber recibido determinados premios de la Academia de Hollywood que a lo mejor (desde mi punto de vista) no eran merecedora.

Es cierto que no pretende ser un drama profundo, sino una sátira dramatizada sobre determinadas actitudes y condiciones del ser humano, es decir, la faceta que tiene para su familia y la que tiene para gente extraña o gente no familiar; a la vez que ridiculiza esa visión que tiene el mundo sobre tener cumplir su sueño de vivir una vida americana. Todos estos aspectos se van reflejando en cada uno de los personajes. Por eso yo creo, que sería bueno analizar un poco el carácter de los personajes.

En el personaje de Kevin Spacey (Lester), vemos como su vida y la apatía por la misma le ha insensibilizado frente al carácter de su mujer (espectacular Annette Benning) la cual le dice que hacer, que no debe hacer, que todo debe de llevar un orden, que ella es la que lleva las riendas de la situación familiar; pero llega un momento en el que Lester decide dejar de ser un "esclavo" y empezar a vivir y no regirse tanto por las normas ni los convencionalismos sociales y que basta de aparentar lo que no es y vivir acorde a nuestros pensamientos. Por otro lado está su hija Jane (Thora Birch) que se ha dado cuenta de que el matrimonio de sus padres no es más que pura fachada y que vive en una constante "dictadura" y a eso hay que añadirle que se siente acomplejada por su amiga Angela. Ya que presume por el instituto de los tíos con los que se ha acostado y todo lo que ha hecho con ellos, pero en realidad es una simple tapadera para esconder sus inseguridades y mostrar que el que dirán de ti y lo más importante, que hablen sobre ti es relevante.

Por otro lado está la familia que vive al lado de Lester, una matrimonio donde la mujer está totalmente ausente de lo que sucede a su alrededor, el padre un ex marine que muestra su animadversión a todo aquello que no esté bajo una disciplina o un control, sobre todo con su hijo que aunque de la sensación de ser el "raro" es el que es capaz de descubrir las debilidades de cada persona y "subir" ligeramente la autoestima de los que se sienten inferiores.

De echo, el título de American Beauty hace referencia a una variedad de rosas rojas intensas que se cultivan artificialmente y que en la película se utilizan como elemento conductor de muchos personajes. En el caso de Lester, es el despertar de todos sus deseos y pasiones, la puerta de la casa para que destaque sobre el resto, las propias plantas que cultiva la madre e incluso la presencia en la casa que contrarreste los colores claros de la casa. Además es un color que aparece a lo largo de toda la película en los diferentes lugares. También es como una metáfora de que las cosas tan simples y sencillas pueden llegar a resultar bellas sin tener que ser ordinarias.

A pesar de todos los elementos que se pueden sacar de la historia, si es cierto que a veces el guión trascendiese a una locura donde el espectador no sabe muy bien por donde va a continuar la trama o la aparición de elementos que se convierten en importantes y no acaban por finalizar. A pesar de esto, se puede realizar una reflexión por el carácter y comportamiento de los personajes como ya he comentado anteriormente y permite plantearnos una pregunta: ¿es más importante aparentar que ser uno mismo y a la vez libre?


Calificación personal: 7


Campeones (2018)




  • Dirección: Javier Fesser
  • Año: 2018
  • Género: Comedia
  • Intérpretes: Javier Gutiérrez, Juan Margallo, Athenea Mata, Luisa Gavasa, Daniel Freire, Itziar Castro, Julio Fernández, Sergio Olmo, Jesús Lago, José de Luna, Gloria Ramos, Fran Fuentes, Alberto Nieto Fernández, Roberto Chinchilla, Stefan López, Luis Bermejo.
  • Guión: Javier Fesser, David Marqués
  • Música: Rafael Arnau
  • Fotografía: Chechu Graf
  • Productora: Morena Films, Movistar +, Películas Pendelton


SINOPSIS

Marco Montes (Javier Gutiérrez) es un entrenador de baloncesto y que tras tener un juicio por conducir borracho le dan dos opciones: pasar casi dos años en la cárcel o entrenar a un equipo de baloncesto con gente discapacitada llamado "Los amigos".


CRITICA

Una vez más, reivindico el poder del cine español sobre cualquier cosa, no sólo porque ha dejado de mostrar historias sórdidas y realistas (aunque esta lo es por sus protagonistas), sino porque también sabe transmitir mensajes positivos con una buena historia y sin llegar a los sentimentalismos. Esto es lo que hace a Campeones tan especial.

Desde el principio, se nos muestra a un grupo de adultos con discapacidad intelectual que no buscan ningún tipo de compasión por parte de nadie, sino que ellos mismos se sientan como un equipo y que se les siga valorando por sus cualidades y, pueden desempeñar un trabajo como otro cualquiera y que pueden tener una total autonomía. En definitiva, que sientan que pueden formar parte de algo importante, como un simple equipo de baloncesto.


En contraposición, nos encontramos al personaje del entrenador que aunque no lo demuestre siente cierto rechazo a entrenarles (sobre todo por cumplir su condena por conducir borracho) y les trata con cierta brusquedad, pero siempre desde un punto de vista cómico; hasta que consigue dar con el punto exacto para que ellos puedan aprender a jugar al baloncesto, tener un concepto de equipo y que incluso él mismo sepa como tratarles pero sin ser demasiado condescendiente.
Esta situación además, supone un reto para Marco, no solo porque haya "tocado fondo" en su vida (crisis matrimonial, juicio por conducir bebido, vivir con su madre, despido del trabajo, etc) sino porque entrenar a un grupo de gente con discapacidad intelectual no sólo le supone un reto, sino que no se puede caer más bajo. Hasta que se da cuenta de que no son tan "tontos" intelectualmente. Esto se ve reflejado en un momento de la película cuando van a jugar un partido y el entrenador les dice: "¡Vamos a machacarlos!" y una jugadora le dice: "No estoy de acuerdo. Vamos a ganar pero no a humillarles".

Por otro lado, de alguna forma le plantea una pregunta al espectador: ¿qué significa ser normal?, ¿no tener ningún tipo de discapacidad mental o física? Porque, si a fin de cuentas, si todos nos miramos un poco, no somos normales tampoco: algunas personas sufren de alergias o intolerancias a ciertos alimentos, algunas personas tienen que tomar pastillas para regular algunas hormonas, tenemos enfermedades hereditarias y un largo etcétera. Lo que demuestra que aunque todos tengamos un hándicap, todos somos normales.


Desde que comienza la película no para de sucederse puntos cómicos en los cuáles el espectador no para de reírse, gracias a la naturalidad del equipo y de su forma de ser que les hace ser únicos y que además les hace ser de por sí campeones. Este acontecimiento hará que la vida del entrenador cambie, no solo en su relación con su mujer sino también con los chicos y de forma natural. Uno de los jugadores (Manuel) en medio de una charla le pregunta al entrenador :"Entrenador, ¿tú me quieres?" y le contesta: "Yo te quiero un huevo Manuel" y se verá siempre el vínculo entre los dos.

Si vemos "una parte negativa" es como la sociedad da de lado a esta gente y ni siquiera las organizaciones municipales y gubernamentales (aunque digan que si) fomentan la integración de las personas con cierta discapacidad, porque parece que no se puede trabajar y/o convivir con ellos, cuando se demuestra todo lo contrario. Desde el principio, todo el elenco está sublime, su interpretación es natural y una vez más, Javier Gutiérrez muestra sus dotes interpretativas (tanto en la comedia como en el drama) y se reafirma como uno de los mejores actores españoles actuales.

De todo corazón, recomiendo la película y digo una vez más que no muestra ningún tipo de sentimentalismo, sino esfuerzo, alegría, superación, lucha, amistad (las palabras que aparecen en la pared del polideportivo) y todos los calificativos que se le puedan dar (para mí gusto) a una de las mejores película del cine español.


Calificación personal: 10


miércoles, 6 de junio de 2018

Cisne negro (2010)



  • Título original: Black swan. 
  • Dirección: Darren Aronofsky.
  • Año: 2010. 
  • Género: Dramathriller psicológico
  • Interpretación: Natalie PortmanVincent CasselMila KunisBarbara HersheyWinona Ryder
  • Guion: Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin. 
  • Producción: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin. 
  • Música: Clint Mansell
  • Fotografía: Matthew Libatique. 
  • Montaje: Andrew Weisblum. 
  • Diseño de producción: Thérèse DePrez. 
  • Vestuario: Amy Westcott. 
  • Distribuidora: Hispano Foxfilm.

SINOPSIS

Nina, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica, una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily, que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.


CRITICA

Rara vez suelo ver una película más de una vez (salvo que me haya apasionado tanto, que me haya atrapado por completo), pero en este caso con Cisne negro, vi que no se encontraba entre mis críticas del blog ya que lo empecé un año después. Y quería hacer un análisis y/o crítica sobre una película que no es perturbadora de por si, sino que se puede leer más allá de cada uno de los planos.

Claramente desde el principio se le muestra al espectador la "vida" de una bailarina profesional de ballet pero, a la vez esconde pequeñas rarezas a la par que su yo interior "real" que desea salir a toda costa y poder expresarse en su máximo esplendor. Pero ese yo que todo ser humano tiene en su interior es realmente el que tiene una búsqueda obsesiva por la perfección y el éxito y que a veces, de manera dramática lleva al humano a su propia autodestrucción.



En este caso, la diferencia entre la vida real y los propios tormentos, llevan al personaje de Nina a imaginarse situaciones, cambios en su aspecto físico, apariciones de los temores y los miedos de forma muy intensa que puede destruir a cualquiera su estabilidad mental. Pero ante este acontecimiento negativo, de una forma muy clara se refleja la forma de llevar una vida con cierta armonía tanto a nivel personal, psicológico como profesional; puesto que el obsesionarse con una meta y/o objetivo a veces puede destruirse en cuestión de segundos. Eso unido a los movimientos frenéticos de la cámara para mostrarnos la vida tan descontrolada de la protagonista y que a su vez, pretende hacer que el espectador viaje al interior de Nina para que saque su lado perverso; que es a lo que le insta varias veces el director de la compañía si quiere convertirse en la verdadera protagonista. Su ambición por tener su momento de gloria sobre el escenario la obliga a dejar de ser esa niña dulce de técnica perfecta para soltarse y transmitir pasión y vida al espectador, aunque sea contaminándose con el mal.

La expresividad de Natalie Portman es espectacular ya que refleja sus emociones con respecto a las personas que hay a su alrededor. Como el caso de la madre, que la trata como si fuese una niña pequeña y mimándola constantemente y sobreprotegiéndola puesto que se proyecta en ella. El personaje de Mila Kunis (Lily) a la ve como una potente rival pero que realmente disfruta del trabajo que le gusta y a la vez disfruta de su vida y sabe reconocer cuando no se porta de manera correcta y aceptar de manera cortés una derrota. Por otro lado está el director que no sólo es dueño de la compañía y de la adaptación, sino que se cree con poder para destruir "vidas" humillando a los demás.


El director Darren Aronofsky nos tiene muy acostumbrados a este tipo de dramas psicológicos donde pretende hacer pensar al espectador sobre su vida (aunque lo haga de forma subrepticia) como ya hiciera en título previos como Pi: Fe en el caos, Requiem por un sueño y la más reciente Madre! donde desmonta cualquier tipo de expectativa y que nosotros mismos podemos caer en una locura transitoria. Desde mi punto de vista, hay que verla con bastante mente abierta e intentar en determinados puntos de la película entrar dentro de la cabeza del personaje y que dependiendo de cuál sea la situación ver que es lo que ocurre alrededor. Pero no apta para mentes y estómagos delicados.



Calificación personal: 8





lunes, 28 de mayo de 2018

Alicia ya no vive aquí (1974)





  • Título original: Alice doesn't live here anymore
  • Año: 1974
  • Género: Romántica, drama
  • Dirección: Martin Scorsese
  • Intérpretes: Ellen Burstyn, Kris Kristofferson, Harvey Keitel, Diane Ladd, Alfred Lutter, Jodie Foster, Valerie Curtin.
  • Guión: Robert Getchell
  • Música: Richard LaSalle
  • Montaje: Marcia Lucas
  • Fotografía: Kent L. Wakeford
  • Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Alice Hyat (Ellen Burstyn) tras la muerte de su marido, se ve sin recursos y con su hijo de doce años Tommy (Alfred Lutter). Su sueño es volver a cantar y a actuar y para ello decide ir a Monterrey en California. Pero antes, tendrá que hace numerosas paradas en pueblos y ciudades para conseguir ahorrar dinero.


CRITICA

Cuando veo una película de Martin Scorsese (como le puede pasar a casi todos los espectadores) siempre le vienen a la memoria sus películas de gángsters donde la violencia, la sangre y los tacos están presentes; pero de repente te sorprende con títulos con poderoso guión (ya sea suyo o no) y transmite valores y problemas diarios con los que se puede encontrar una persona en su día a día.

Esta película fue de las primeras que realizó el director y, que de una manera muy clara (sin ningún tipo de sutilezas) como antiguamente (y en la actualidad en algunos países) las mujeres necesitan depender de un marido ya que ellas no pueden trabajar, solo se pueden dedicar a la casa y al cuidado y crianza de los hijos; cuando realmente son mucho más que esclavas de una sociedad machista, donde se muestra al hombre como al único que es capaz de mantener a una familia. Pero, ¿qué pasa cuando el cónyuge masculino fallece?, ¿qué es de la mujer? Esta película lo muestra de forma clara en el vaivén en la vida del personaje de Alice.

Alice, la protagonista ante la viudedad decide tomar una decisión drástica que no solo implica ese sueño frustrado, sino el porvenir de su hijo, el cuál para paliar su frustación, la pérdida de su padre y "cierto abandono" por parte de su madre (que no es un abandono como tal), solo sabe expresarse como un niño mal hablado y vulgar para que así de alguna forma pueda recibir la atención que necesita. Porque aunque parece que todo es ajeno, realmente todo le toca muy de cerca e incluso todo aquello que repercute en la vida de su madre.

Por otro lado también se muestra de una forma clara como Alice no sabe que hacer con su vida, porque como bien dice en un momento de la película "no sabe vivir sin un hombre", lo que permite al espectador plantearse que una mujer es totalmente válida para cualquier trabajo y en cualquier aspecto de su vida y, muchas veces los hombres son más un impedimento que una ayuda.

Por eso, no hay que olvidar tampoco que en la película se muestran dos tipos de hombres: los que tiranizan a las mujeres y que solo están para servirles y tienen que ser sus esclavas y, también nos muestra a aquellos hombres que valoran a las mujeres en todas sus facetas, desde madres, esposas y mujeres trabajadoras y que tienen derecho a ser felices y encontrar la felicidad; que es lo que en definitiva se transmiten entre madre e hijo al final de la película.

Yo creo (recordad que siempre desde mi humilde punto de vista) que merecen la pena ver este tipo de películas del director Martin Scorsese (más allá de la violencia) y que su actriz junto a su interpretación en la película Requiem por un sueño, sabe hacer buenas interpretaciones. Y creo, que es una película totalmente disfrutable.


Calificación personal: 7



jueves, 24 de mayo de 2018

Metrópolis (1927)




  • Dirección: Fritz Lang
  • Año: 1927
  • Género: Ciencia Ficción
  • Guión: The Von Harbou
  • Intérpretes: Brigitte Helm, Alfred Abel, Gustav Frölich, Rudolph Klein-Rogge, Theodor Loss, Fritz Rasp, Heinrich George.
  • Fotografía: Karl Freund, Günther Rittau
  • Música: Bernd Schulteis, Gottfried Huppertz.
  • Montaje: Channing Pollock
  • Productora: UFA

SINOPSIS

En una megalópolis del siglo XXI, los obreros viven bajo tierra sin salir al exterior como en pequeños guetos. Estos obreros son el corazón de Metrópolis, la gran ciudad donde la opulencia, elementos exagerados y una vida lujosa evitan que los ciudadanos sepan que es lo que ocurre bajo tierra. Hasta que Feder (Gustav Frölich) se da cuenta de la realidad que hay bajo sus pies y decide poner una solución a la injusticia que se está produciendo.


CRITICA

Hoy en día, realizar una película de cine mudo (aunque ya se hizo con The Artist y Blancanieves) se palpa como algo lejano pero a la vez cercano, puesto que los medios y las posibilidades son mucho más amplias que antiguamente, pero el esfuerzo de que en el siglo pasado se le pudiese mostrar al espectador una realidad que no nos es ajena, da escalofríos.

Gracias a Metrópolis tenemos varios caminos para poder analizar la película, por un lado nos muestra ese expresionismo alemán que surgió en los años veinte, el cual mostraba las situaciones o los diferentes elementos de una forma un tanto exagerada. Y por otro lado, el análisis de la historia que es lo que pretendo centrarme.

Es fascinante el poder que tuvo Fritz Lang para imaginar un futuro que no dista mucho de la realidad que hoy en día vivimos: la gran distancia que separa a la clase obrera de la clase pudiente. Este contraste se observa desde el principio, cuando una serie de fotogramas (como la imagen que se muestra a la derecha) reflejan no sólo el sitio donde viven los trabajadores, sino también su forma de moverse y sus expresiones faciales y corporales. Se mueven como si fueran robots, todos sincronizados (donde la música juega un papel importante) andando al unísono, carentes de expresividad y que su vida se reduce únicamente a realizar un trabajo agotador, de muchas horas y sin ningún tipo de disfrute; mientras que de su sudor y su esfuerzo viven las clases más pudientes. No sólo eso, también no conocen lo que hay más allá de ese mundo subterráneo y si pueden esperar de su vida algo mejor.

Por otro lado muestra a las clases pudientes que viven ajenos a todo lo que sucede bajo tierra, ya que para ellos lo que realmente importa es seguir teniendo comodidades y lujos. Pero, el dueño de la megalópolis es el único (con muy pocos empleados) que están atentos a lo que ocurre abajo para que la ciudad no se venga abajo y, que los obreros no se amotinen y les hagan pensar que su mundo sigue siendo bajo tierra. Hasta que, se le escapa de sus manos cuando su único hijo descubre la realidad de esta gente a través de los ojos de una mujer que les da esperanza a los obreros.

Ante esta situación el jefe de la megalópolis ve perjudicial que su hijo haya simpatizado con sus trabajadores y le pide ayuda a un científico (cuyas intenciones no son muy buenas por cierto) para sembrar el caos entre los trabajadores a toda costa, sin pensar que SIN ELLOS su gran Metrópolis no funciona y la sumiría en un profundo caos. Pero, con tal de mantenerlos callados es capaz de hacer cualquier cosa porque ya habrá alguien que les sustituya. Esto, aunque no lo parezca ocurre en la actualidad, puesto que en un trabajo cuando estás a punto de jubilarte te sustituyen por otra persona, te reducen la jornada y contrata a alguien por menos dinero o incluso cuando se rebasa una edad parece que no se es válido para trabajar.

Si bien es cierto que esta película es una obra maestra del cine mudo, una de las pocas pegas que le pongo un poco las situaciones excéntricas de la creación del robot y todo lo que conlleva posteriormente; ahí es donde aparece con mayor nitidez el expresionismo alemán que comentaba anteriormente y, además el pensamiento adelantado sobre avances científicos.

Centrándome en otras facetas, Fritz Lang sólo hizo dos película en Alemania: Metrópolis y M: El vampiro de Düsseldorf, puesto que no estaba conforme con la ideología del nacional socialismo que se estaba imponiendo por aquel momento. Otra característica digna de mención, es que la película está basada en el libro que escribió su mujer. Los efectos especiales son los más cuidados que he visto en películas de esta época. También reseñar que esta película tuvo influencias en cineastas posteriores como fue el caso de Ridley Scott que se inspiró en la ciudad para hacer Blade Runner, Luc Besson que absorbió la idea de la cápsula para El quinto elemento o incluso George Lucas para dar base al androide C3PO en la mítica saga de Star Wars. Y una larga lista entre más películas y cantantes que se vieron influenciados tanto por el póster de la película como por los fotogramas.

Desde mi punto de vista, es una joya del séptimo arte que no debe de faltar en una lista de películas vistas, pero lo más importante es ver la versión entera y recuperada de 148 minutos porque permite entender bastante bien fragmentos de la historia que fueron cortados para su estreno es otros países fuera de Alemania. Disfrutad con una de las maravillas de la ciencia ficción.



Calificación personal: 9



miércoles, 23 de mayo de 2018

El perro de los Baskerville (1959)



  • Título original: The hound of the Baskervilles
  • Año: 1959
  • Género: Terror, suspense
  • Dirección: Terence Fisher
  • Intérpretes: Peter Cushing, Christopher Lee, Andre Morell, Marla Landi, Ewen Solon, David Oxley, Frnacis de Wolf, Sam Kydd.
  • Guión: Peter Bryan
  • Música: James Bernard
  • Fotografía: Jack Asher
  • Montaje: Alfred Cox
  • Productora: United Artists, Hammer Films


SINOPSIS

Basada en la aclamada novela de Arthur Conan Doyle, en este caso Sherlock (Peter Cushing) y su inseparable doctor Watson (Andre Morell) se enfrentan a una maldición que asola a todos los herederos de la familia Baskerville; quedando solo un heredero vivo: Sir Henry (Christopher Lee) al que protegerán para evitar que acaben con esta dinastía.


CRITICA

El concepto de terror que se tenía por el siglo XIX difiere bastante a como se piensa en la actualidad. Ya que antiguamente dicho concepto, era para crear ciertas dudas psicológicas y confusiones mentales para que así el lector y/o espectador (dependiendo del siglo) se generase su propia historia y llegase a sus propias conclusiones.

Al igual que me pasó al realizar la crítica de La caída de la casa Usher, no puedo ubicar a esta película en el género del terror. Aunque he de reseñar que a lo largo de mi corta vida (más bien desde que tengo uso de razón) he visto diversas adaptaciones cinematográficas de Conan Doyle y he de decir, que habiéndome leído el libro, desde mi punto de vista es la mejor adaptación que se ha hecho de esta novela al cine. No sólo por la elección del reparto, sino también porque es la adaptación más fiel al relato, salvo pequeños detalles que no son especialmente relevantes en el desarrollo de la historia.

Desde el comienzo de la película muestra todos los pasos que Sherlock va tomando y como va explicando al detalle cada una de las pistas y los razonamientos a los que va llegando, para que así el espectador no se vaya perdiendo en el transcurso de la historia. Un buen punto de partida que muestra la película es contar de que miembro parte la maldición y como se produjo para así poder tener una pequeña idea preconcebida de como puede acabar el último miembro de esta familia.

A lo largo de toda la película se van contrastando acontecimientos propios del cine gótico con elementos del cine policíaco, desde pequeños detalles como la daga, la falta de una bota, la desaparición de uno de los cuadros causantes de la maldición, etc; que poco a poco se van resolviendo en su justa medida y con los detalles oportunos.

En cuanto a la ficha técnica, el trabajo de la escenografía y la fotografía son bastante meritorios y muy bien logrados que permiten al espectador meterse de lleno en la atmósfera de la película. El reparto muy británico, pasando por el gran Christopher Lee que por una vez dejó de ser un "monstruo" y el gran Peter Cushing al que se le recuerda (desde mi punto de vista, por desgracia) por su papel del general Moff Tarkin en la saga de Star Wars, muy formal y cercano a la descripción del personaje.

Desde mi punto de vista, es una película que todo cinéfilo debería de ver y de disfrutar no solo por las grandes interpretaciones, sino también por lo bien llevado que está el hilo argumental y como (gracias a Dios) no va dejando cabos sueltos durante el desarrollo de la historia.


Calificación personal: 7