Alicia ya no vive aquí (1974)

• Título original: Alice doesn't live here anymore
• Año: 1974
• Género: Romántica, drama
• Dirección: Martin Scorsese
• Intérpretes: Ellen Burstyn, Kris Kristofferson, Harvey Keitel, Diane Ladd, Alfred Lutter, Jodie Foster, Valerie Curtin.
• Guión: Robert Getchell
• Música: Richard LaSalle
• Montaje: Marcia Lucas
• Fotografía: Kent L. Wakeford
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Alice Hyat (Ellen Burstyn) tras la muerte de su marido, se ve sin recursos y con su hijo de doce años Tommy (Alfred Lutter). Su sueño es volver a cantar y a actuar y para ello decide ir a Monterrey en California. Pero antes, tendrá que hace numerosas paradas en pueblos y ciudades para conseguir ahorrar dinero.

CRITICA

Cuando veo una película de Martin Scorsese (como le puede pasar a casi todos los espectadores) siempre le vienen a la memoria sus películas de gángsters donde la violencia, la sangre y los tacos están presentes; pero de repente te sorprende con títulos con poderoso guión (ya sea suyo o no) y transmite valores y problemas diarios con los que se puede encontrar una persona en su día a día.

Esta película fue de las primeras que realizó el director y, que de una manera muy clara (sin ningún tipo de sutilezas) como antiguamente (y en la actualidad en algunos países) las mujeres necesitan depender de un marido ya que ellas no pueden trabajar, solo se pueden dedicar a la casa y al cuidado y crianza de los hijos; cuando realmente son mucho más que esclavas de una sociedad machista, donde se muestra al hombre como al único que es capaz de mantener a una familia. Pero, ¿qué pasa cuando el cónyuge masculino fallece?, ¿qué es de la mujer? Esta película lo muestra de forma clara en el vaivén en la vida del personaje de Alice.

Alice, la protagonista ante la viudedad decide tomar una decisión drástica que no solo implica ese sueño frustrado, sino el porvenir de su hijo, el cuál para paliar su frustación, la pérdida de su padre y "cierto abandono" por parte de su madre (que no es un abandono como tal), solo sabe expresarse como un niño mal hablado y vulgar para que así de alguna forma pueda recibir la atención que necesita. Porque aunque parece que todo es ajeno, realmente todo le toca muy de cerca e incluso todo aquello que repercute en la vida de su madre.

Por otro lado también se muestra de una forma clara como Alice no sabe que hacer con su vida, porque como bien dice en un momento de la película "no sabe vivir sin un hombre", lo que permite al espectador plantearse que una mujer es totalmente válida para cualquier trabajo y en cualquier aspecto de su vida y, muchas veces los hombres son más un impedimento que una ayuda.

Por eso, no hay que olvidar tampoco que en la película se muestran dos tipos de hombres: los que tiranizan a las mujeres y que solo están para servirles y tienen que ser sus esclavas y, también nos muestra a aquellos hombres que valoran a las mujeres en todas sus facetas, desde madres, esposas y mujeres trabajadoras y que tienen derecho a ser felices y encontrar la felicidad; que es lo que en definitiva se transmiten entre madre e hijo al final de la película.

Yo creo (recordad que siempre desde mi humilde punto de vista) que merecen la pena ver este tipo de películas del director Martin Scorsese (más allá de la violencia) y que su actriz junto a su interpretación en la película Requiem por un sueño, sabe hacer buenas interpretaciones. Y creo, que es una película totalmente disfrutable.


Calificación personal: 7

Metrópolis (1927)

• Dirección: Fritz Lang
• Año: 1927
• Género: Ciencia Ficción
• Guión: The Von Harbou
• Intérpretes: Brigitte Helm, Alfred Abel, Gustav Frölich, Rudolph Klein-Rogge, Theodor Loss, Fritz Rasp, Heinrich George.
• Fotografía: Karl Freund, Günther Rittau
• Música: Bernd Schulteis, Gottfried Huppertz.
• Montaje: Channing Pollock
• Productora: UFA

SINOPSIS

En una megalópolis del siglo XXI, los obreros viven bajo tierra sin salir al exterior como en pequeños guetos. Estos obreros son el corazón de Metrópolis, la gran ciudad donde la opulencia, elementos exagerados y una vida lujosa evitan que los ciudadanos sepan que es lo que ocurre bajo tierra. Hasta que Feder (Gustav Frölich) se da cuenta de la realidad que hay bajo sus pies y decide poner una solución a la injusticia que se está produciendo.

CRITICA

Hoy en día, realizar una película de cine mudo (aunque ya se hizo con The Artist y Blancanieves) se palpa como algo lejano pero a la vez cercano, puesto que los medios y las posibilidades son mucho más amplias que antiguamente, pero el esfuerzo de que en el siglo pasado se le pudiese mostrar al espectador una realidad que no nos es ajena, da escalofríos.

Gracias a Metrópolis tenemos varios caminos para poder analizar la película, por un lado nos muestra ese expresionismo alemán que surgió en los años veinte, el cual mostraba las situaciones o los diferentes elementos de una forma un tanto exagerada. Y por otro lado, el análisis de la historia que es lo que pretendo centrarme.

Es fascinante el poder que tuvo Fritz Lang para imaginar un futuro que no dista mucho de la realidad que hoy en día vivimos: la gran distancia que separa a la clase obrera de la clase pudiente. Este contraste se observa desde el principio, cuando una serie de fotogramas (como la imagen que se muestra a la derecha) reflejan no sólo el sitio donde viven los trabajadores, sino también su forma de moverse y sus expresiones faciales y corporales. Se mueven como si fueran robots, todos sincronizados (donde la música juega un papel importante) andando al unísono, carentes de expresividad y que su vida se reduce únicamente a realizar un trabajo agotador, de muchas horas y sin ningún tipo de disfrute; mientras que de su sudor y su esfuerzo viven las clases más pudientes. No sólo eso, también no conocen lo que hay más allá de ese mundo subterráneo y si pueden esperar de su vida algo mejor.

Por otro lado muestra a las clases pudientes que viven ajenos a todo lo que sucede bajo tierra, ya que para ellos lo que realmente importa es seguir teniendo comodidades y lujos. Pero, el dueño de la megalópolis es el único (con muy pocos empleados) que están atentos a lo que ocurre abajo para que la ciudad no se venga abajo y, que los obreros no se amotinen y les hagan pensar que su mundo sigue siendo bajo tierra. Hasta que, se le escapa de sus manos cuando su único hijo descubre la realidad de esta gente a través de los ojos de una mujer que les da esperanza a los obreros.

Ante esta situación el jefe de la megalópolis ve perjudicial que su hijo haya simpatizado con sus trabajadores y le pide ayuda a un científico (cuyas intenciones no son muy buenas por cierto) para sembrar el caos entre los trabajadores a toda costa, sin pensar que SIN ELLOS su gran Metrópolis no funciona y la sumiría en un profundo caos. Pero, con tal de mantenerlos callados es capaz de hacer cualquier cosa porque ya habrá alguien que les sustituya. Esto, aunque no lo parezca ocurre en la actualidad, puesto que en un trabajo cuando estás a punto de jubilarte te sustituyen por otra persona, te reducen la jornada y contrata a alguien por menos dinero o incluso cuando se rebasa una edad parece que no se es válido para trabajar.

Si bien es cierto que esta película es una obra maestra del cine mudo, una de las pocas pegas que le pongo un poco las situaciones excéntricas de la creación del robot y todo lo que conlleva posteriormente; ahí es donde aparece con mayor nitidez el expresionismo alemán que comentaba anteriormente y, además el pensamiento adelantado sobre avances científicos.

Centrándome en otras facetas, Fritz Lang sólo hizo dos película en Alemania: Metrópolis y M: El vampiro de Düsseldorf, puesto que no estaba conforme con la ideología del nacional socialismo que se estaba imponiendo por aquel momento. Otra característica digna de mención, es que la película está basada en el libro que escribió su mujer. Los efectos especiales son los más cuidados que he visto en películas de esta época. También reseñar que esta película tuvo influencias en cineastas posteriores como fue el caso de Ridley Scott que se inspiró en la ciudad para hacer Blade Runner, Luc Besson que absorbió la idea de la cápsula para El quinto elemento o incluso George Lucas para dar base al androide C3PO en la mítica saga de Star Wars. Y una larga lista entre más películas y cantantes que se vieron influenciados tanto por el póster de la película como por los fotogramas.

Desde mi punto de vista, es una joya del séptimo arte que no debe de faltar en una lista de películas vistas, pero lo más importante es ver la versión entera y recuperada de 148 minutos porque permite entender bastante bien fragmentos de la historia que fueron cortados para su estreno es otros países fuera de Alemania. Disfrutad con una de las maravillas de la ciencia ficción.



Calificación personal: 9

El perro de los Baskerville (1959)

• Título original: The hound of the Baskervilles
• Año: 1959
• Género: Terror, suspense
• Dirección: Terence Fisher
• Intérpretes: Peter Cushing, Christopher Lee, Andre Morell, Marla Landi, Ewen Solon, David Oxley, Frnacis de Wolf, Sam Kydd.
• Guión: Peter Bryan
• Música: James Bernard
• Fotografía: Jack Asher
• Montaje: Alfred Cox
• Productora: United Artists, Hammer Films

SINOPSIS

Basada en la aclamada novela de Arthur Conan Doyle, en este caso Sherlock (Peter Cushing) y su inseparable doctor Watson (Andre Morell) se enfrentan a una maldición que asola a todos los herederos de la familia Baskerville; quedando solo un heredero vivo: Sir Henry (Christopher Lee) al que protegerán para evitar que acaben con esta dinastía.

CRITICA

El concepto de terror que se tenía por el siglo XIX difiere bastante a como se piensa en la actualidad. Ya que antiguamente dicho concepto, era para crear ciertas dudas psicológicas y confusiones mentales para que así el lector y/o espectador (dependiendo del siglo) se generase su propia historia y llegase a sus propias conclusiones.

Al igual que me pasó al realizar la crítica de La caída de la casa Usher, no puedo ubicar a esta película en el género del terror. Aunque he de reseñar que a lo largo de mi corta vida (más bien desde que tengo uso de razón) he visto diversas adaptaciones cinematográficas de Conan Doyle y he de decir, que habiéndome leído el libro, desde mi punto de vista es la mejor adaptación que se ha hecho de esta novela al cine. No sólo por la elección del reparto, sino también porque es la adaptación más fiel al relato, salvo pequeños detalles que no son especialmente relevantes en el desarrollo de la historia.

Desde el comienzo de la película muestra todos los pasos que Sherlock va tomando y como va explicando al detalle cada una de las pistas y los razonamientos a los que va llegando, para que así el espectador no se vaya perdiendo en el transcurso de la historia. Un buen punto de partida que muestra la película es contar de que miembro parte la maldición y como se produjo para así poder tener una pequeña idea preconcebida de como puede acabar el último miembro de esta familia.

A lo largo de toda la película se van contrastando acontecimientos propios del cine gótico con elementos del cine policíaco, desde pequeños detalles como la daga, la falta de una bota, la desaparición de uno de los cuadros causantes de la maldición, etc; que poco a poco se van resolviendo en su justa medida y con los detalles oportunos.

En cuanto a la ficha técnica, el trabajo de la escenografía y la fotografía son bastante meritorios y muy bien logrados que permiten al espectador meterse de lleno en la atmósfera de la película. El reparto muy británico, pasando por el gran Christopher Lee que por una vez dejó de ser un "monstruo" y el gran Peter Cushing al que se le recuerda (desde mi punto de vista, por desgracia) por su papel del general Moff Tarkin en la saga de Star Wars, muy formal y cercano a la descripción del personaje.

Desde mi punto de vista, es una película que todo cinéfilo debería de ver y de disfrutar no solo por las grandes interpretaciones, sino también por lo bien llevado que está el hilo argumental y como (gracias a Dios) no va dejando cabos sueltos durante el desarrollo de la historia.

Calificación personal: 7

La pasión de Cristo (2004)

• Título original: The passion of the Christ
• Año: 2004
• Género: Drama, hechos reales
• Dirección: Mel Gibson
• Intérpretes: Jim Caviziel, Maia Morgensten, Rosalinda Celentano, Monica Bellucci, Hristo Jivkov, Francesco DeVito, Hristo Shopov.
• Guión: Mel Gibson, Benedict Fitzgerald
• Música: John Debney
• Fotografía: Caleb Deschanel
• Montaje: John Wright
• Vestuario: Mauricio Millenotti
• Dirección artística: Perfranco Luscri, Daniela Pareschi, Nazzareno Pianna
• Productora: Icon Productions

SINOPSIS

La película relata las últimas 12 horas de la vida de Jesucristo, desde la oración en el huerto de los olivos (Getsemaní) hasta su muerte en la cruz.

CRITICA

Siempre se comenta que sobre gustos no hay nada escrito y cada uno tiene preferencias o pensamientos que pueden ser contrarios a los de otros, pero ante todo lo que debe de primar es el respeto por el otro y por sus creencias. He tenido la licencia de escribir esto puesto que por mis creencias católicas, mi crítica puede estar enfocada de forma poco habitual a como lo hago con respecto a otras películas pero, también haré un análisis de la misma en cuanto a calidad y profundidad del guión.

De todas las películas que he visto sobre la vida de Jesucristo (sin desmerecer a ninguna) es la mejor y la que más me ha impactado. Es cierto que en su momento generó controversia por la dureza  crudeza de las imágenes pero, aunque en la actualidad no se utilizan esos métodos de tortura si se usan otros o se muestran a través de las noticias, películas o series de televisión.

Centrándome en lo que compete a esta entrada, desde mi punto de vista me parece una muestra continua de metáforas visuales que reflejan no solo el acompañamiento de Dios ante la inminente muerte de su hijo, sino también metáforas que van apareciendo por medio de otros personajes que de alguna forma pueden ayudar al espectador a entender el comportamiento. Y si se me permite, en algunos casos llegaré a escribir pequeños spoilers (cosa que odio) para trascender en lo profundo de esta historia que marcó a la humanidad. Desde mi punto de vista, yo creo que lo "más correcto" sería analizar las metáforas conjuntas con sus respectivos personajes, dejando eso sí a Jesucristo como colofón final.

Por un lado está Judas, que refleja arrepentimiento por haber entregado a Jesucristo al sacerdote y no encuentra con que paliar su dolor y su arrepentimiento. Estos dos sentimientos (dolor y arrepentimiento) se reflejan en forma de niños demoníacos que le persiguen más allá de los muros de Jerusalén, en lugar de arrepentirse acercándose en el momento de la muerte de Jesús a suplicar su perdón (como hizo uno de los ladrones en la cruz), prefiere acabar con su vida puesto que no es merecedor del perdón del verdadero Mesías.

Por otro lado tenemos a los personajes de María Magdalena y del apóstol Juan que no sólo acompañan a la Virgen María en su dolor sino que de alguna forma la "ayudan" a que ella en ciertos momentos del camino pueda encontrarse con Él ante esa muerte inevitable, al igual que en su momento, Jesús se acercó a María Magdalena para evitar que la apedreasen por adulterio y Jesús le tiende la mano en ese maravilloso flashback.

Por otro lado está la figura (indiscutible) de Poncio Pilato y de su mujer Claudia en donde se enfrenta la verdad (la de Jesús por parte de Claudia) y el raciocinio de Pilato que se encuentra en la disyuntiva entre lo que le dice su mujer, lo que le dicta la ley de Roma y lo que le reclama el pueblo judío. De ahí el signo de lavarse las manos para no hacerse responsable de lo que le ocurra a Jesús, y de alguna forma lavar su conciencia y su imagen como representante de Roma. De echo, en algunos planos se puede observar como no está muy conforme por el trato que se le da a Jesús y, como al mirar a su mujer Claudia se ve reflejado el dolor de ella al ver que Pilato no hace nada para evitar esa injusticia.

Ahora entra uno de los platos fuertes: el demonio. Interpretado magistralmente por Rosalinda Celentano a la que maquillaron con un aspecto "hermafrodita" y practicaba una voz grave. Por un lado en la Biblia siempre se ha reflejado al demonio como la serpiente y, cuando Jesús está en el huerto de los olivos sufriendo, le saca una serpiente y como Él, la pisotea. Por otro lado, la metáfora durante la flagelación cuando se encuentra entre los "asistentes" con un engendro de hijo como diciéndole a Jesús: "Yo cuido de mi hijo, ¿quién cuida de tí?". Por otro lado como intenta distraer a María durante el trayecto hacia el monte Calvario para que Ella pierda la estela de su hijo. Y como punto culminante, cuando Cristo muere, como el demonio grita porque no ha conseguido vencer ni a Dios ni a Jesús.

Otro plato fuerte sería la figura (pero sobre todo el rostro) de la Virgen María que sufre por la terrible muerte que va a sufrir su Hijo; pero en ese tránsito hay momentos de encuentro entre ambos aunque sea de manera fugaz. Un ejemplo es cuando Jesús está encerrado en la cárcel, no se oye nada pero como ella le siente hasta que se arrodilla en el suelo y pone la oreja y el plano termina como Jesús mira hacia arriba sabiendo que su madre está ahí. Cómo tras la flagelación con los paños recoge con mimo y cuidado la sangre de su Hijo. Por otro lado, cuando le sigue por la multitud y tiene un momento de flaqueza y siente que no puede seguir, ve a lo lejos como su Hijo se cae y tiene un recuerdo de la infancia de Él y sale hacia su encuentro y le dice: "Hijo mío, estoy aquí", a lo que el responde: "Lo ves madre, yo hago nuevas todas las cosas". Entonces, esas palabras te dejan sin respiración.

Y lo más espectacular, son todas las metáforas que aparecen en torno a Jesucristo (seguro que al terminar la crítica, me faltarán un montón de cosas). Está la escena en la que se presenta por primera vez ante Pilato y mientras está haciendo su discurso, Jesús alza la vista al Cielo y ve una paloma blanca, a la que mira durante un rato, simbolizando el Espíritu Santo. Segundo, en la primera parte de los latigazos al ver a su madre, le da fuerzas porque sabe que no le ha abandonado y se levanta a pesar del dolor (por cierto, el primer latigazo con la vara de madera fue real que le dejó al actor una cicatriz de 35 cm). Tercero, cuando le entregan la cruz antes de partir la abraza de tal forma que indica una señal de amor incondicional a lo que va a ser su sufrimiento. Cuando le dicen a Simón de Cirene que le ayude, hay un plano en el que Jesús no sólo se abraza a la cruz sino también al brazo de Simón. Cuando ya llegan al monte Calvario, hay unos segundos de miradas entre ellos que penetran hasta lo más fondo del alma donde Simón "descubre" que Jesús es el Mesías. Y por último, cuando Jesús da su última respiración, cae una gota de agua del Cielo representando la lágrima de Dios y como la tierra se estremece.

Se que la cantidad de spoilers han sido numerosos, pero ahora tocan los momentos de las anécdotas. El actor que interpreta a Jesús (Jim Caviezel) dejó de recibir ofertas, además de someterse a 7 horas diarias de maquillaje (incluso a veces dormía con el). En el momento de la crucifixión se le dislocó un hombro y le cayó un rayo. La película se rodó íntegramente en latín, hebreo y arameo y, para que los actores no perdiesen la fluidez, se realizaba una misa todos los días. Y, el actor que interpreta a Barrabás se convirtió al catolicismo.

Yo creo que con todo lo que he desarrollado, es más que suficiente. Sólo como puntualización, hay que ver más allá de la sangre y las escenas cruentas, sino el mensaje y todo lo que esta gran historia de la salvación de la humanidad, nos quiere contar. Y ante todo, esperar, tener fe y esperanza.



Calificación personal: 10

Las brujas de Eastwick (1987)

• Título original: The Witches of Eastwick
• Año: 1987
• Género: Comedia
• Dirección: George Miller
• Intérpretes: Jack Nicholson, Cher, Susan Sarandon, Michelle Pfeiffer, Richard Jenkins, Veronica Cartwright, Carel Struycken.
• Música: John Williams
• Guión: John Updike
• Fotografía: Vilmos Zsigmond
• Montaje: Hubert C. de la Boulliere
• Productora: Barris Industries

SINOPSIS

Tres mujeres de una pequeña ciudad de Rhode Island, Alex (Cher), Jane (Susan Sarandon) y Sukie (Michelle Pfeiffer) con vidas aburridas descubren que tienen poderes mágicos pero en pequeña cantidad hasta que convocan al diablo Daryl Van Horne (Jack Nicholson) que les hará ampliar sus poderes.

CRITICA

La premisa con la que parte la película tiene un buen enganche: tres mujeres con poderes que desean encontrar al hombre perfecto para que así no se encuentren solas, y dicho hombre aparece en escena e intenta (y lo consigue) encandilar a las tres mujeres. Pero, en el transcurso del guión se van sucediendo una serie de acontecimientos que acaba generando confusión en el espectador.

Al final acaba oscilando entre una comedia descabellada y el fantástico turbio. Cómo he comentado en el párrafo anterior, la premisa es original y prometedora, pero acaba degenerando en muecas grotescas del protagonista masculino que encarna a un diablo un tanto patético.

Otra de las cosas que me desconcertó es como muchas veces el deseo de tener algo (ojo con lo que se desea) se puede hacer realidad, pero al ser un hombre las tres mujeres se ponen a los pies del mismo casi al comienzo de la película como si les fuese a resolver su vida y sus problemas, ya que a cada una les falta de una referencia masculina en su vida, aunque eso parece ser que cambia en el momento en el que se dan cuentan que viven "enganchadas" a Daryl y a sus encantos. Eso se refleja perfectamente tanto en el cambio de actitud del trío femenino protagonista, como en su vestimenta, el ponerse maquillaje, el peinado e incluso la propia seguridad en sí mismas para hacer frente a todo lo que se propongan (y además, son buenas en sus diferentes trabajos y labores domésticas). Porque es importante tener en cuenta que llevar las riendas de su vida, no tiene porqué ser una sumisión al sexo masculino.

Si es necesario destacar algo positivo (después de todo lo negativo) que el trío protagonista femenino está muy bien compenetrado y muestran de forma clara y sin tapujos el carácter de cada uno de sus personajes. En cuanto a Jack Nicholson, también está espléndido ya que es capaz de hacer un personaje dramático profundo como un personaje al que aborrecer totalmente. Pero en definitiva, no es una película en la que pararse mucho ni ponerla en la lista de imprescindibles.

Calificación personal: 4

Mi querida cofradía (2018)

• Dirección: Marta Díaz de Lope Díaz
• Año: 2018
• Género: Comedia
• Intérpretes: Gloria Muñoz, Pepa Aniorte, Juan Gea, Joaquín Núñez, Manuel Morón, Rosario Pardo, Rocío Molina, Alejandro Albarracín.
• Guión: Zebina Guerra, Marta Díaz de Lope Díaz
• Fotografía: Vanesa Sola
• Música: Javier Rodero
• Productora: Movistar +, TVE, Canal Sur Andalucía, Sacromonte Films, La zanfoña. Escac Films.

SINOPSIS

Carmen (Gloria Muñoz) lleva más de treinta años dedicándose a la hermandad de la cofradía de su pueblo de Málaga, y su sueño es convertirse en hermana mayor de la misma; pero hasta el momento ninguna mujer lo ha conseguido por lo que tendrá que luchar con Ignacio (Juan Gea), por el puesto.

CRITICA

Yo, una vez más reivindico el papel del cine español en nuestra sociedad puesto que está un poco denostado a la vez que mal visto por no crear historias de calidad o con cierto entretenimiento. Pero, Mi querida cofradía nos mete en esa vorágine de la Semana Santa andaluza y de lo que se cuece entre bastidores, con un toque de humor negro.

Dentro del género cómico, van apareciendo tópicos que aunque no lo parezca siguen todavía arraigados en la mentalidad de nuestro país, como la posibilidad de que una mujer pueda desempeñar un papel que antiguamente los hacía un hombre o, todas las normas establecidas que hay al final las han impuesto los hombres hacia las mujeres y eso se ve claramente en la posición que ocupa cada sexo.

El acontecimiento que desemboca en la situación desastrosa a la que se le presenta a la protagonista es su oportunidad de hacerse hermana mayor de la hermandad (ya que todos los hombres se dan cuenta de que sin ella, las cosas no pueden salir adelante) pero todo eso se lo impide la llegada de su hija que no soporta al marido, la vecina que no tiene ni idea de como hacer torrijas y la montaña rusa de acontecimientos que van surgiendo.

Las situaciones cómicas que van apareciendo, es cierto que generan cierta risa en el espectador, pero determinados gags quedan sin fuelle; pero esa descompensación se ve claramente resuelta con los momentos cómicos. Lo que también destaco es que para una película de bajo presupuesto española, haya conseguido aguantar muy bien el envite en la cartelera con grandes superproducciones de Hollywood y, para pasar un rato entretenido y sin tener que pensar, esta puede ser la película idónea.

Calificación personal: 6.5

Número 9 (2009)

• Título original: 9. 
• Dirección: Shane Acker.
• Año: 2009.
• Género: Animación, aventuras, ciencia-ficción, fantástico. 
• Doblaje original: Elijah Wood, John C. Reilly, Jennifer Connelly, Crispin Glover, Martin Landau, Christopher Plummer, Fred Tatasciore, Alan Oppenheimer, Tom Kane. 
• Guión: Pamela Pettler.
• Producción: Tim Burton, Timur Bekmambetov, Jim Lemley y Dana Ginsburg.
• Música: Deborah Lurie, Danny Elfman 
• Montaje: Nick Kenway. 
• Diseño de producción: Robert St. Pierre y Fred Warter. 
• Distribuidora: Universal Pictures International Spain. 

SINOPSIS

Aventura post-apocalíptica protagonizada por nueve muñecos de trapo que deberán enfrentarse a unas máquinas gigantes si quieren preservar el futuro de la civilización.

CRITICA

El cine de animación (más bien el poco convencional) no siempre tiene que estar dirigido al público más pequeño y además es una forma de remover también conciencias. Ya que esta película es una alegoría de tono apocalíptico, pacifista y ecologista sobre la decadencia del género humano (aunque no hace mucha falta presentarlo en un futuro tan distópico, para ver lo que ocurre hoy en día). Llegando a ser interesante y con gran imaginación, así como unos muñecos de texturas cuidadas y que están dotados de expresividad e inocencia asombrosas.

La guerra y la ambición sin límites del ser humano es lo que la ha llevado a su destrucción y la única esperanza de la misma son nueve muñecos de trapo que poseen cierta "alma" del científico que les creó y son el último vestigio para volver a tener una raza humana, si la máquina que fue creada por el ser humano no les destruye primero. Al final acaba mostrando como se debe de prevenir del cientificismo orgulloso y que se encuentra al margen de la ética, así como el progreso sin valores humanos de por medio.

Desde el principio, se marca cual es el objetivo que tienen estos muñecos de trapo y es, destruir a la máquina que destruyó a la humanidad. Pero, es todo ese hilo narrativo no aparece la historia sólida o el porqué más profundo de estos personajes, aunque si bien es cierto que los muñecos de trapo 3 y 4 (son gemelos) muestran como se produjo ese apocalipsis que además, hace una alusión bastante clara a la época del nazismo de la Segunda Guerra Mundial. Pero al final, el espectador se plantea una serie de preguntas: ¿queda algún ser humano?, ¿quién va a repoblar a la raza humana?, ¿cuál es el objetivo de estos pequeños de trapo?

Por otro lado de una manera no muy sutil, muestra el reflejo de la obra de G.H. Wells La guerra de los mundos, las cuáles se quieren adueñar de la tierra a costa de la humanidad y que mejor forma que hacerlo que yendo tras ellos porque realmente son un estorbo.

En definitiva, cuando el espectador acaba por "despertarse" del impacto de la terrible belleza estética de la película, desea que la misma se despida con un McGuffin que resuelva todas las preguntas que le iban surgiendo a lo largo de la historia. Pero hay que reconocer a Número 9 con mucho mérito, el riesgo de este tipo de animación que no se enfoca al público infantil y que se sale de las líneas convencionales de dicho cine y que al fin al cabo, siempre le deja al espectador pensando en qué se puede trabajar para que el ser humano no acabe con su propia raza.

Calificación personal: 6.3

La verdad sobre el caso Savolta (1979)

• Dirección: Antonio Drove
• Año: 1979
• Género: Drama
• Intérpretes: José Luis López Vázquez, Charles Denner, Omero Antonutti, Alfred Lucchetti, Ovidi Montllor, Stefania Sandrelli, Ettore Manni, Alfredo Pea
• Guión: Antonio Drove, Antonio Larreta
• Música: Egisto Macchi
• Fotografía: Gilberto Acevedo
• Productora: Filmmapha, NEF Difusión, P.C. Domingo Pedret

SINOPSIS

El enfrentamiento entre el proletariado de los trabajadores de la fábrica de armas de Savolta y lo dueños, decide terminarse cuando la familia decide contratar asesinos a sueldo para acabar con las revueltas y así ocultar las transacciones ilegales que realizan con Alemania.

CRITICA

¡Qué bien le sienta a una, poder ver una buena película española en una de las épocas doradas del cine español! Pero no sólo por eso, sino también porque se tanto la novela como la película se estrenaron en una época donde en España no había censura y se podían tratar todos los temas con total libertad y mostrar como se vivía tiempo atrás (y tampoco muy lejano).

Desde mi punto de vista, es una película cuyo argumento puede ser estudiado desde diferentes ángulos y desde perspectivas diferentes, pero vayamos una a una para no crear una confusión en el lector. Por un lado tenemos el proletariado y/o clase trabajadora que siempre se ha visto oprimida durante siglos por el trato por parte de sus patronos no solo por su analfabetismo, sino porque tuvieran su propia conciencia y pudieran luchar por unos derechos más justos, porque al fin y al cabo, sin ellos no saldría la producción adelante y sus patronos no podrían vivir con esa opulencia.

En segundo lugar están los patronos, es decir, los ricos los que se benefician económicamente a través del trabajo de la clase trabajadora y, cuya única visión es seguir siendo más ricos a costa de los más pobres y no retribuir económicamente esas horas de trabajo de más, ya que no podrían seguir viviendo con opulencia (cómo me recuerda eso a la crisis económica del año 2008 donde los ricos eran más ricos y los pobres, más pobres).

En tercer lugar tenemos al que podríamos llamar "el trepa" que goza de una gran posición en la empresa y que puede verla en peligro ya que pueden salir a la luz numerosos escándalos donde se descubre el ansia de poder y de que no le quiten esa vida lujosa que "se ha ganado". Eso se ve muy bien reflejado en su mente manipuladora con todo aquel que le rodea, con el momento de la fiesta de máscaras de Nochevieja (que evoca a un acontecimiento histórico). Pero hay alguien al que no puede comprar ni controlar: un periodista.

Por eso, en cuarto lugar se presenta el periodista, dispuesto a sacar a la luz todos los tejemanejes que se trae entre manos la fábrica de armas de Savolta, así como las condiciones infrahumanas en las que viven los trabajadores. Esto le trae unos cuantos problemas a posteriori donde le importa más la verdad que el comer y que los trabajadores puedan tener una vez en la sociedad con su ayuda.

Y por último el "mediador" entre la clase pudiente y la clase trabajadora, viéndose claramente como le llaman ambos lados pero no sabe a que lado decantar la balanza, y prefiere "vivir en la ignorancia" y no dar su opinión que ha expresarla y, que al final de la película se verá por cuál lado se inclina. En definitiva, al final nuestros ideales, nuestra forma de pensar o simplemente el convencimiento de nuestra ideas, van cambiando con el paso del tiempo y, cuando nos miramos al espejo a veces ni nos reconocemos y buscamos a ese yo primigenio que alguna vez estuvo en nuestro interior. Porque al final, el mensaje de la película (aparte del político) es no olvidar nunca quienes somos y lo que nos identifica como personas con humanidad.

Calificación personal: 8

Bambi 2: El príncipe del bosque (2006)

• Dirección: Brian Pimental
• Año: 2006
• Género: Animación
• Doblaje original: Patrick Stewart, Andrea Bowen, Alexander Gould, Brendon Berg, Nicky Jones, Keith Ferguson, Brian Pimental.
• Guión: Alicia Kirk, Brian Pimental
• Música: Bruce Broughton
• Productora: Walt Disney Pictures, DisneyToon Studios.

SINOPSIS

La historia retoma el momento en el que a la madre de Bambi se la llevan los cazadores y él tienen que empezar a valerse por si mismo pero; antes tendrá que estar una pequeña temporada con su padre, que no lleva muy bien lo de los niños.

CRITICA

Como ya comenté con El libro de la selva 2, las primeras películas siempre serán las míticas y por muchas segundas partes que hagan, ninguna superará a la primera. Pero si es cierto que permite al espectador que no es tan niño poder volver a su infancia.

Se supone que esta película sería todo el tiempo que transcurre hasta que Bambi se hace un ciervo adulto y en este período, de alguna forma muestra pequeños valores que pueden ser útiles para muchos y eliminar pequeños prejuicios como que sólo la madre se tiene que encargar de los hijos o que al principio de su vida, los niños necesitan de un pequeño aprendizaje para saber enfrentarse al mundo que les rodea.

Cómo bien sabrán mis lectores que este tipo de críticas soy bastante escueta, si es cierto que la historia empieza con una pequeña fuerza pero se acaba desvaneciendo con el transcurso de la misma. Pero lo que al final encandila, es recordar a esos animalillos de nuestra infancia.

Calificación personal: 4

Las aventuras de Priscilla, reina del desierto (1994)

• Título original: The adventures of Priscilla, queen of the desert
• Año: 1994
• Género: Comedia
• Dirección: Stephan Elliott
• Intérpretes: Terence Stamp, Hugo Weaving, Guy Pearce, Bill Hunter, Alan Dargin, Sarah Chadwick, Mark Holmes
• Guión: Stephan Elliott
• Música: Guy Gross
• Maquillaje: Angela Conte
• Montaje: Sue Blainey
• Fotografía: Brian J. Breheny
• Vestuario: Tim Chapel, Lizzy Gardiner.
• Productora: PolyGram Filmed Entertainment

SINOPSIS

Anthony, Adam y Bernadette; dos gays y un transexual que trabajan como transformistas y drag queens, atraviesan el desierto australiano para realizar una actuación en un hotel; y lo hacen en un autobús al que bautizan como "Priscilla".

CRITICA

Desde su estreno, la película no estuvo exenta de polémica y hoy en día se la considera una película de culto donde, muestra sin ningún tapujo los estereotipos gays, travestis y transexuales sin ridiculizarlos ni caricaturizarlos. Los personajes, de echo, no son antisociales, pecadores, malvados, perfectos, mártires o lastimeros, sólo un grupo de amigos ganándose la vida.

A pesar de contar una historia dramática y triste suponen una inyección de positividad y fuerza como esta película. Uno de los alicientes que tiene Las aventuras de Priscilla, reina del desierto es el trío protagonista, ya que consiguen a la perfección mimetizarse con personas gays (Hugo Weaving y Guy Pearce) y de un transexual (Terence Stamp) totalmente contenido en donde los excesos y los coloridos llaman más la atención. La película se basa en la sencillez de su planteamiento para ir dejando paso al humor, al brillo y a los tacones. En contraposición aparecen personajes secundarios que no son tolerantes, no solo a las excentricidades, sino tampoco a este tipo de personas que al fin y al cabo son igual que ellos en todo menos en la orientación sexual.

El guión es sencillo pero no tiene demasiados adornos y florituras, lo que hace que la película no sea pesada, así como los chistes y comentarios graciosos puntuales, que fluyen de forma natural. Si a eso le unimos la interpretación de los tres actores que están metidos de lleno en sus personajes, creo que se podría decir que se pasa un buen rato viéndola, así como la forma de ver otro tipo de espectáculo.

Calificación personal: 7

Que baje Dios y lo vea (2018)

• Dirección: Curro Velázquez
• Año: 2018
• Género: Comedia
• Intérpretes: Karra Elejalde, Joel Bosqued, Macarena García, Juan Manuel Montilla "El Langi", Alain Hernández, Tito Valverde, Joaquín Núñez.
• Guión: Curro Velázquez
• Música: Fernando Velázquez
• Fotografía: Unax Mendía
• Productora: Morena Films, Turanga Films, RTVE Films.

SINOPSIS

Un monasterio en quiebra cuya única forma de salvarse y que no lo conviertan en un parador, es jugando la "Champions Clerum", sólo para religiosos europeos. Por eso el sacerdote Salvador (Alain Hernández) ayudará a los novicios en la preparación para ganar el torneo.

CRITICA

Sabemos que el género de la comedia no da mucho de si para hacer una crítica muy extensa ni para hacer un análisis profundo de la historia, sino para que el espectador pueda pasar un buen rato y a la vez, pueda echarse alguna que otra carcajada.

En este caso plantean el fútbol como un medio para que los religiosos (además de llevar su vida monástica) no estén ajenos a lo que pasa en el mundo y que, sin olvidar cual es su función dentro de la Iglesia, puedan encontrarle un sentido a su vocación y a la vez disfrutar de cosas pequeñas que no les puede hacer ningún daño. Esa apertura al mundo, se la dará un sacerdote que ha estado de misión en África y que ha observado que para poder transmitir la palabra de Dios  y lo que ella contiene, muchas veces hay que ser valiente y arriesgarse (aunque sea un poco) por ayudar a los demás aunque sea en las inquietudes que les ronda por la cabeza.

Por otro lado, refleja como muchas veces para evadirnos de nuestros problemas y/o responsabilidades, tomamos determinadas decisiones que no son las adecuadas para nosotros y que al final no hacen estar insatisfechos y no haber encontrado nuestro camino. Y que, el hierro a base de golpearlo, se acaba moldeando.

Desde mi punto de vista es una película que hace que el espectador pase un rato entretenido, donde los toques de humor están presentes pero que a su vez decae a mitad de la película, pero se acaba recuperando. No es una súper comedia, pero sí una comedia muy nuestra: a la española.

Calificación personal: 5

Una mujer difícil (2004)

• Título original: The door in the floor
• Año: 2004
• Género: Drama
• Dirección: Tod Williams
• Intérpretes: Jeff Bridges, Kim Basinger, Elle Fanning, Mimi Rogers, Jon foster, Bijou Phillips, Larry Pine, John Rottman
• Guión: Tod Williams
• Música: Marcelo Zarvos
• Fotografía: Terry Stacey
• Vestuario: Eric Daman
• Productora: Focus Pictures

SINOPSIS

Ted (Jeff Bridges) y Marion (Kim Basinger) deciden separarse durante un verano tras no poder superar la muerte de sus dos hijos mayores. Ambos se encuentran en sus quehaceres diarios sin tenerse en cuenta, hasta que aparece el joven Eddie (Jon Foster), que revolucionará sus vidas.

CRITICA

Desde el principio se parte con una buena premisa para la historia: como superar la muerte de un hijo (en este caso dos) y como hacerlo juntos como matrimonio y evitar que la relación decaiga y el apoyo mutuo, sin olvidar el momento de luto (y la forma) en la que cada persona lo lleva y dejando un espacio para la recuperación. Pero no llega a profundizar en ese contexto para hacer un buen drama.

A pesar de que el peso de las interpretaciones recae (obviamente) sobre dos grandes veteranos y se muestra su absoluta complicidad, los personajes no llegan a tener el carisma necesario para esta categoría de actores, ya que los sentimientos solo se quedan en la superficie y con la falta de comunicación, se pasa a una total falta de respeto entre el matrimonio y, pensando más en las carencias sexuales que en las afectivas. Lo que descompensa bastante el carácter emocional de la propia historia.

Aunque como ya he comentado antes, ciertos temas de las parejas si que se abordan de manera superficial pero, indican el momento en el que la relación se encuentra rota y es más fácil de hablar sobre temas banales que enfrentarse a una realidad que (a pesar de ser muy dolorosa) les permita volver a establecerse como matrimonio y pensar en la única hija que les queda y poder transmitirla unos buenos valores.

A simple vista puede parecer una película de la que no se puede profundizar mucho pero, han decidido centrarlo más en el despertar sexual del joven asistente del protagonista y el propio deseo del sexo para tapar de esta forma las grandes y graves carencias emocionales de la familia.

Desde mi punto de vista, no me ha dejado con buen sabor de boca, no porque no sea una historia sólida, sino por la falta de profundización en los temas más relevantes y las emociones necesarias y que se deben de sacar al exterior para que no se enquisten y que de alguna forma (aunque sea de manera ligera) se pueda vivir con una mayor paz de espíritu.

Calificación personal: 4.8

Los niños del Brasil (1978)

• Título original: The boys from Brazil
• Año: 1978
• Género:Drama
• Dirección: Franklin J. Schaffner
• Intérpretes: Gregory Peck, Laurence Olivier, James Mason, Lilli Palmer, Uta Hagen, Steve Guttenberg, Bruno Ganz, Rosemary Harris, Michael Gough.
• Guión: Heywood Gould
• Música: Jerry Goldsmith
• Sonido: Derek Ball
• Fotografía: Henri Decaë
• Montaje: Robert Swink
• Vestuario: Anthony Mendlenson

SINOPSIS

El doctor Josef Mengele (Gregory Peck), conocido miembro del partido nazi alemán, se refugia en Brasil y, con la colaboración de unos jóvenes afines al partido decide continuar con sus aberrantes experimentos. Mientras, Ezra Liebermann (Laurence Olvier) le sigue los pasos para descubrir el plan de Mengele.

CRITICA

Este tipo de películas son buenas a la vez que perturbadoras, no solo porque trata temas un tanto espinosos sino también, porque en cierto modo es una película (eso sí, basada en una novela) atemporal donde se demuestra que el plan del ser humano por llegar a ser Dios, es una idea que no termina nunca.

Por otro lado muestra lo que se lleva intentando desde hace mucho tiempo: la clonación de los seres humanos. Pero claro, ahí entra un dilema moral y religioso: si el hombre tiene alma, cada alma por lo tanto es única por lo que es imposible que se pueda crear un ser humano idéntico; y por otro el lado moral ya que lo que se pretende es crear una persona no sólo con las mismas características físicas sino también las psíquicas, por lo que se podría volver a tener a una persona malvada de nuevo.

En ciertos momentos, la película decae en su ritmo por las excesivas explicaciones que se realizan sobre la clonación (aunque no está de más conocer un poco el proceso) así como ciertos planos inverosímiles donde los efectos especiales son poco creíbles así como la pelea entre los dos actores más veteranos. Desde el principio se ve como el personaje de Mengele y Liebermann parecen tener e control de la situación e ir por delante uno del otro, pero siempre consiguen de alguna forma cada uno se va adelantando a los pasos del otro.

El objetivo es mantener la raza aria por encima de todo y que un plan que podría ser factible con los avances científicos en lo relacionado a la clonación sino por el aire de ciencia ficción que se desarrollan a lo largo de toda la atmósfera en la película. Hay que destacar que los dos actores veteranos, Gregory Peck y Laurence Olivier, mantienen un pulso donde el punto de locura y cordura  mantienen ese pulso. Es una película de cine clásico que es imprescindible por el simple hecho de poder reflexionar cuando el ser humano no se respeta entre ellos mismos y cuando se pretende jugar a ser Dios. Y que el poder y la ciencia puede ser un arma de doble filo.

Calificación personal: 7

Cantando bajo la lluvia (1952)

• Título original: Singin' in the rain
• Año: 1952
• Género: Musical
• Dirección: Gene Kelly, Stanley Donen
• Intérpretes: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Rita Moreno.
• Guión: Betty Comden, Adolph Green
• Música: Lenny Hayton
• Fotografía: Harold Rosson
• Montaje: Adrienne Fazan
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Don Lockwood (Gene Kelly) es un actor del cine mudo que tiene que adaptarse al cine sonoro con la ayuda de su amigo de la infancia Cosmo (Donald O'Connor) y una joven bailarina Kathy (Debbie Reynolds). Estos tres amigos, conseguirán salvar el estudio de cine donde trabaja y la película.

CRITICA

Cantando bajo la lluvia supuso una revolución en el cine musical de los años 50 por la estética de los bailes, los decorados, las canciones así como el ritmo cómico y agradable que generaba la película, ya que creaba una película dentro de otra película y con esas ideas refrescantes para salvar su carreras y su película a ritmo de buen baile.

La revolución musical de este brillante canto al séptimo arte vino de la mano de unos números musicales concebidos para provocar en el público una agradable sensación de sonrisa y ganas de bailar al mismo tiempo. Las canciones y todos los temas se encuentran ensamblados en el guión con una perfección tan equitativa como aparentemente espontánea. Consagrada como una de las mejores comedias de todos los tiempos, se abrió paso a taquillazo limpio por el público de la época, insaciable del cine-espectáculo, y sigue siendo hoy en día la favorita incluso de reputados detractores del cine musical. Está llena de una magia que es difícil de concretar en un instante de su magnífico relato.

Además de todas las anécdotas que surgieron durante el rodaje como la escena de la lluvia que no fue realizada con mezcla de agua y leche, sino gracias a las cámaras dispuestas en diferentes angulaciones, así como Gene Kelly rodó esa escena durante tres días con fiebre. Gene Kelly ayudó a bailar a Debbie Reynolds y sus pies acabaron sangrando. Por otro lado, la actriz que realmente canta las canciones del personaje de Debbie, es la voz de la antagonista.

Estrenada la película se convirtió en todo un icono de la época y una de las mejores películas de la historia del cine así como el baile mítico de Gene Kelly y, además por ella parecen que no pasen los años y que cualquier cinéfilo debería de verla al menos una vez en la vida.

Calificación personal: 8