Siempre a tu lado: Hachiko (2009)

• Título original: Hachiko: A dog’s story. 
• Dirección: Lasse Hallström.
•  Género: Drama.
•  Interpretación: Richard Gere, Joan Allen, Sarah Roemer, Cary-Hiroyuki Tagawa, Jason Alexander, Erick Avari, Davenia McFadden, Robbie Collier Sublett, Robert Degnan, Tora Hallström. 
• Guión: Stephen P. Lindsey. 
• Producción: Vicki Shigekuni Wong, Bill Johnson y Richard Gere. 
• Música: Jan A.P. Kaczmarek. 
• Fotografía:Ron Fortunato.
•  Montaje: Kristina Boden. 
• Diseño de producción: Chad Detwiller.
• Vestuario: Deborah Newhall. 
• Distribuidoras: Wide Pictures y Universal Pictures International Spain.

SINOPSIS

Narra la lealtad de un perro de raza Akita llamado Hachiko. Apodado “Hachi”, este perro acompaña a su amo, Parker (Richard Gere), a la estación de tren cada mañana para despedirse de él, y luego regresa cada tarde para darle la bienvenida. Pero su rutina se ve rota por una desgracia. La historia de Hachi nos muestra la devoción de un perro fiel a su amo y cómo el más simple de los actos puede llegar a ser el más grande gesto.

CRITICA

Tengo que decir que la historia es realmente conmovedora y cómo siempre, demuestra la lealtad de los animales hacia los seres humanos; mientras que nosotros solemos responderlos con maltratos.Pero ciñámonos dentro del contexto de la película.

Cómo bien se observa en la película, la historia gira en torno al perro y a la actitud con el protagonista.Es poco habitual que el protagonista sea un animal, si bien es cierto que hay películas cuyos protagonistas son los animales; pero seamos realistas, es poco frecuente.

Ciñéndome a la crítica, he intentando no irme por la ramas, la película es realmente conmovedora aunque puede ser que muchos espectadores la encuentren insulsa y con falta de historia y de diálogos. En este contexto, es donde radica la belleza y el encanto de la película. La belleza de esta película es el perro.

Mediante este peculiar personaje, la película nos intenta transmitir ciertos valores que el ser humano ha perdido pero que puede permanecer en los animales e incluso persistir en el ser humano a pesar del odio y la rabia que emana.

Los distintos fotogramas en los que aparece el perro muestran la lealtad y la amistad que siente éste sobre su dueño, y obviamente el perro no se percata del triste acontecimiento que ocurre en la vida de su dueño y sigue actuando como hace todos los días.

Esta persistencia por parte del animal, nos puede hacer pensar en cual es el verdadero valor de la amistad, su significado y todo lo que conlleva. También, hasta que punto somos capaces de luchar por todo aquello que amamos y que nos importa, y cuando es necesario dejar el pasado atrás. Pero sobre todo, cuando se pierde a alguien, saber que ya no está físicamente contigo pero si lo está en tu corazón.

En fin, no nos pongamos melodramáticos. Espero que el espectador disfrute, ya que a pesar de no ser una obra maestra del cine, si que transmite ciertos sentimientos y afectos que le hacen falta al ser humano, sobre todo en estos tiempos.


Calificación personal: 7

Alicia en el país de las Maravillas (2010)

• Título original: Alice in Wonderland. 
• Dirección: Tim Burton. 
• Año: 2009.
•  Género: Fantasía, aventuras. 
• Interpretación: Mia Wasikowska ,Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman , Anne Hathaway, Michael Sheen , Stephen Fry ,Timothy Spall, Crispin Glover, Christopher Lee, Matt Lucas. 
• Guión: Linda Woolverton
• Producción: Joe Roth, Jennifer Todd, Suzanne Todd y Richard D. Zanuck. 
• Música: Danny Elfman. 
• Fotografía: Dariusz Wolski. 
• Montaje: Chris Lebenzon.
• Diseño de producción: Robert Stromberg. 
• Vestuario: Colleen Atwood. 
• Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.

CRITICA

Alicia, una chica de 19 años, regresa al mundo mágico, donde se adentró siendo una niña, para reunirse con sus antiguos amigos: el Conejo Blanco, Tweedledee y Tweedledum,  la Oruga, el Gato de Cheshire y, por supuesto, el Sombrerero Loco. Alicia se embarca en un viaje fantástico para encontrar su verdadero destino y poner fin al reinado de terror de la Reina Roja.

SINOPSIS

Cómo siempre, toda película de Tim Burton lleva su sello inconfundible; pero a su vez en sus películas se preocupa más de mantener su sello que de mantener la credibilidad de los guiones. Que, al fin y al cabo son el alma y la esencia de la película.

Este pequeño comentario no me hace ser una detractora de Tim Burton, sino todo lo contrario. Su estilo cinematográfico me enamoró en el momento que vi Pesadilla antes de Navidad, pero he podido observar con el paso del tiempo, como sus ideas frescas e innovadoras se han ido perdiendo en detrimiento de nimias adaptaciones y flojos guiones (salvo excepciones).

La película muestra un mundo onírico, ya que la historia se desarrolla en un mundo irreal, en una fantasía creada por la propia Alicia; pero que a su vez intenta introducirse en el mundo real en el cual vive Alicia. De esta forma se intenta mantener una conexión entre los dos mundos llegando a entremezclarse los curiosos personajes que viven en el País de las Maravillas.

A pesar de intentar plasmar estas características concretas, el guión se queda a mitad del camino sin ofrecer una descripción clara o singular sobre la historia del personaje de Alicia. Quedándose aún más en punto muerto con una interpretación de Alicia bastante sosa, poco vivaz y poco creíble, que hace que la película se desarrolle de una manera más lenta y aburrida.

Metiéndonos de lleno en el reparto, destacar como siempre al inconfundible e intrépido actor Johnny Depp, que resalta la faceta cómica de la película manteniendo la credibilidad de la misma, donde su interpretación camaleónica siempre nos deja boquiabierto. Fiel también Helena Boham Carter, ayudada por los efectos especiales, no deja indiferente con su locura. Por desgracia la joven Alicia (Mia Wasikowska) no acaba de alcanzar su faceta interpretativa que se ve desbordada y eclipsada por las criaturas hechas a ordenador de los personajes curiosos del País de las Maravillas. Comentar como pequeña anotación, que esta joven actriz se acabará pareciendo a Kristen Stewart, en lo que se refiere a calidad interpretativa.

Para finalizar con esta crítica, se que tendré muchos detractores al respecto ya que les haya encantado esta película; pero como siempre digo para gustos los colores. Me seguirá gustando Tim Burton y su particular visión pero, últimamente su películas me parecen un auténtico desperdicio. Empezando por esta misma y con esta misma y continuando con Dark Shadows y Frankeweenie.

Calificación personal: 4.7

The lovely bones (2009)

• Dirección: Peter Jackson. 
• Año: 2009. 
•  Género: Drama, fantástico. 
• Interpretación: Mark Wahlberg , Rachel Weisz, Susan Sarandon, Stanley, Saoirse Ronan , Michael Imperioli. 
• Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens y Peter Jackson.
• Producción: Carolynne Cunningham, Fran Walsh, Peter Jackson y Aimée Peyronnet
• Música: Brian Eno. 
• Fotografía: Andrew Lesnie.
• Montaje: Jabez Olssen. 
• Diseño de producción: Naomi Shohan. 
• Vestuario: Nancy Steiner. 
• Distribuidora: Paramount Pictures Spain.

SINOPSIS

“The lovely bones” cuenta la historia de Susie Salmon, una joven que ha sido asesinada y observa a su familia y a su asesino desde el cielo. Susie se debate entre saciar su sed de venganza y el deseo de que su familia se recupere.


CRITICA

Primera película intimista del director Peter Jackson, que deja atrás el género de aventuras que lleva abordando durante la última década, pero no acaba de convertir el género dramático como una de sus señas de identidad. Por desgracia, hace demasiado fantástico un guión donde se deben de abordar otras cuestiones más relevantes.

Si bien es cierto que no pienso llevar a cabo ningún spoiler, la historia se desarrolla en dos mundos: el real y el mundo de la protagonista. En esos dos mundos se intentan reflejar virtudes afectivas como el amor, la alegría, la esperanza; pero también se reflejan sentimientos más demoledores como el dolor, la muerte o la venganza. Todos estos sentimientos se ven reflejados en cada uno de los personajes.

Pero, muy a mi pesar esos sentimientos son tratados a pinceladas a lo largo de toda la película sin llegar a detenerse en ninguno de ellos o, sin profundizar en un sentimiento en concreto para poder establecer la conexión entre la protagonista (Saorise Ronan) y el resto del reparto.

Centrándome en el comentario anterior sobre que el director, no se ha evadido de su "rama" fantástica; es porque a la hora de crear el mundo de la protagonista es demasiado ilusorio y no acaba de definirlo totalmente y representar ese mundo.

Aunque el contrapunto de la película es que ésta se basa en el libro de Alice Sebold "Desde mi cielo". Con esto quiero decir, que el libro gusta más porque en la película no se plasman todos los detalles pero muchas veces, las películas distorsionan la historia "real" del libro.

En cuanto al reparto, son actores que están a una gran altura pero ese look de los años setenta no les favorece demasiado. Para mi gusto habría destacado más la presencia de Susan Sarandon (la abuela) y Rachel Weisz (la madre); y que Mark Whalberg hiciera una interpretación más creíble. Por supuesto, destacar a Stanley Tucci que se mimetiza con cada personaje.

Ante una película basada en un libro, creo que los bloggeros sabrán mi opinión al respecto: la mejor historia, es la escrita sobre el papel y sin confusiones ni mezclas.


Calificación personal: 5.2

Las aventuras de Tintín (El secreto del Unicornio) (2011)

• Título original:The adventures of Tintin: The secret of the Unicorn.
•  Dirección: Steven Spielberg. 
•  Año: 2011. 
• Género: Animación,aventuras. 
• Interpretación: Jamie Bell, Andy Serkis,Daniel Craig, Simon Pegg , Nick Frost,Toby Jones, Mackenzie Crook, Daniel Mays, Gad Elmaleh, Joe Starr. 
• Guion: Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish. 
• Producción: Peter Jackson, Kathleen Kennedy y Steven Spielberg. 
• Música: John Williams. 
• Montaje: Michael Kahn.
•  Dirección artística: Andrew Jones y Jeff Wisniewski. 
• Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

SINOPSIS

El curioso e insaciable joven periodista Tintín y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un gran secreto. Arrastrado por un misterio centenario, Tintín se encuentra en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine, un diabólico villano que cree que Tintín ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero con la ayuda de su perro Milú, el mordaz y cascarrabias capitán Haddock y los torpes detectives Hernández y Fernández, Tintín viajará por medio mundo, siempre yendo un paso por delante y siendo más astuto que sus enemigos en una persecución para hallar el lugar donde finalmente descansa “El Unicornio”, un navío hundido que puede contener la clave de una cuantiosa fortuna… y de una antigua maldición.

CRITICA

Una vez más nos llega la adaptación de un cómic al cine, en este caso el personaje creado por el dibujante belga Hergé; pero donde el encanto y la belleza del cómic se ve suplido por la técnica stop-motion para recrear la historia de este intrépido personaje. Para nada estoy denigrando esta técnica, sino que los actores que interpretan la película no se asemejan físicamente a los del cómic.

Aún así, esa estética de querer mantener fiel el estilo del personaje, provoca una evasión total sobre qué actor/actriz se encuentra detrás del personaje. Porque mantiene intacto ciertos aspectos que caracterizan al personaje de Tintín (en concreto su pelo) o a otros personajes como Hernández y Fernández (sus bastones y sus bombines).

A decir verdad, es una historia que no tiene desperdicio; donde la sencillez del guión permite seguir la historia de principio a fin y mantiene entretenido al espectador. También guarda la esencia de todos los personajes y les dota a cada uno de ellos de su esencia proveniente del cómic.

Al ser una historia muy sencilla, enfocada sobre todo a un público infantil, y con una estética muy currada, mi crítica no va ir más allá del desarrollo visual de la misma. Dentro de la estética formal del guión, lo que más rabia me da de esta película es que de manera íntegra se ha rodado con efectos especiales perdiendo, para mi gusto, todo atractivo visual.

Desde mi punto de vista, el atractivo de la película no se basa en los efectos especiales, sino en la historia y en las emociones y sentimientos que puedan transmitir los actores. Pero cuando se trata de Steven Spielberg y de Peter Jackson sus películas se hacen grandilocuentes pocas veces por sus buenas historias, y muchas otras por la exclusividad de sus efectos especiales.

Si el espectador, dejando atrás sus prejuicios, decide pasar un buen rato con una película entretenida y dinámica, merecerá la pena ver Tintín; porque más que nada es evocar un recuerdo de un personaje que nació en un cómic y al que los espectadores recordarán de su infancia.


Calificación personal: 6.2

El vuelo (2013)

• Título original: Flight. 
• Dirección: Robert Zemeckis.
•  Año: 2012.
•  Género: Drama. 
• Interpretación:Denzel Washington, Kelly Reilly, Don Cheadle , Bruce Greenwood , Brian Geraghty, Melissa Leo, John Goodman, Nadine Velazquez , Tamara Tuni, James Badge Dale, Garcelle Beauvais.
•  Guion: John Gatins.
•  Producción: Laurie MacDonald, Jack Rapke, Robert Zemeckis, Steve Starkey y Walter F. Parkes. 
• Música: Alan Silvestri.
• Fotografía: Don Burgess.
•  Montaje: Jeremiah O’Driscoll. 
• Diseño de producción: Nelson Coates. 
• Vestuario: Louise Frogley. 
• Distribuidora: Tripictures.

SINOPSIS

Whip Whitaker (Denzel Washington) es un experimentado piloto de avión que consigue realizar un milagroso aterrizaje forzoso salvando a casi todos los pasajeros de un vuelo. Después del accidente, Whip se convierte en un héroe, pero según se va desarrollando la investigación, van surgiendo muchas preguntas sobre lo que sucedió exactamente.

CRITICA

Película demoledora que critica el fallo mecánico, pero que puede ir acompañado del fallo humano y como el ser humano negará siempre los errores que comete y como eludirá la culpa y los fallos que le corresponde, independientemente de si a su paso arrolla emocionalmente y psicológicamente a todo ser humano que se encuentre.

Como he mencionado, muestra dos facetas: la humana y la conciencia. La humana se ve reflejada a través del accidente aéreo y del piloto que estaba al mando del avión y; de las posteriores secuelas que provoca que el personaje de un cambio radical en su vida. Estas dos facetas se ven reflejadas en la enfermedad del piloto: el alcoholismo.

Anteriormente he mencionado, que el ser humano tiende a negar sus errores cuando más claros están, para evitar de esta forma hacerse cargo de sus culpas. En el caso del piloto, el achaca el accidente a un fallo mecánico (que realmente es así) pero con cierta incertidumbre de que hubiese pasado si no hubiese sido un fallo mecánico.¿Y si realmente la culpa del accidente es del piloto debido a su enfermedad?

A medida que se va desarrollando el argumento, se intenta dejar de lado el accidente e introducir al espectador en la naturaleza del ser humano y como puede llegar a tal inmundicia y mediocridad para no hacerse cargo de su culpabilidad. La reflexión a posteriori del personaje sobre el alcohol, no debe inducir a error al espectador, es decir, dando sensación y lástima; sino todo lo contrario. Ya que siendo plenamente conscientes del acontecer diario y de las responsabilidades (y en este caso vidas) su enfermedad no debe ser una justificación de atrocidades.

Como contrapunto al piloto, nos encontramos a la drogadicta, cuya situación es parecida pero en este caso con las drogas. Cómo se ve reflejada en el alcoholismo del piloto y ve que su vida es autodestructiva y perjudicial para cualquier persona desconocida, ya que en una hipotética situación de "mono" podría cometer una atrocidad.

Lo cierto es, que la película tiene un profundo análisis (no confundir con tema profundo y obra maestra) el cual, acompañado de fotogramas, la atmósfera solitaria, una buena interpretación actoral (sobre todo Denzel Washington) marca el ritmo de la película (que en ciertos momentos decrece) y que permite al espectador verse reflejado en el personaje con ciertas actitudes en su vida cotidiana (no me refiero al alcohol) y que se realice diferentes preguntas.

Calificación personal: 7.3

Cleopatra (1963)

• Dirección: Joseph L.Mankiewicz
• Año: 1963
• Género: Biográfico,drama
• Intérpretes: Elisabeth Taylor, Rex Harrison, Richard Burton, Martin Landau, Pamela Brown, George Cole, Hume Cronyn.
• Guión: Joseph L.Mankiewiz
• Música: Alex North
• Producción: Walter Wanger
• Maquillaje: Alberto De Rossi, Robert J. Schiffer.
• Diseño de producción: John  DeCuir

SINOPSIS

Julio César (Rex Harrison), se ve obligado a viajar a Egipto para evitar la guerra civil que se desencadenaría por las desavenencias entre el rey Ptolomeo y su hermana Cleopatra (Elisabeth Taylor). Julio César se queda prendado de la belleza y el portento de Cleopatra (se acabará convirtiendo en reina de Egipto), con la que acabará casándose y teniendo un hijo, Cesarión; cambiando el rumbo de Egipto.

CRITICA

Ante todo, hay que recordar que esta película se pensó en lo fastuosa que debía ser para poder salvar los estudios de la Twenty Century Fox y que al final, se acabó convirtiendo en un reclamo para la productora y por supuesto, una de sus películas más caras y más adoradas de la historia del cine.

Dejando a un lado la fastuosidad del maquillaje y los efectos especiales, la película destaca por la presencia de tres actores que marcaron un hito con esta película: Elisabeth Taylor, Rex Harrison y Richard Burton. Mucha gente se preguntará si realmente, todo lo que se desarrolla en la película es verdad y si ocurrió. Según data la historia, si, pero como siempre en Hollywood le da su sello personal y al final sólo identificas la historia con la película.

También hay que añadir, que para alargar el mito de la belleza de Cleopatra con la presencia de Liz Taylor y de un Marco Antonio interpretado por Richard Burton que parece idiota y estúpido, amén de un completo borrachuzo y un inepto; sin saber si se adapta a la realidad.

Es cierto que se ciñe a la vida y reinado de Cleopatra, pero estos periodos se ven eclipsados por el maquillaje, el vestuario, el atrezzo y los efectos especiales; que provoca que el espectador pierda el interés y sólo se fije en los decorados y al final; la película le parezca lo más aburrido del mundo.

Tengo que decir, que dentro del elenco de actores, la interpretación más creíble de todas es la Rex Harrison (Julio César), que dota a su personaje de fuerza, vigorosidad y poderío. Mientras que Liz Taylor y Richard Burton, hacen que sus personajes sean pusilánimes y dotados con cierto infantilismos que (desde mi opinión) no crean unos personajes fuertes y regios. Menos mal, que con el paso del tiempo, ambos actores mejoraron sus carreras cinematográficas y llegaron a ser buenos actores.

Es una película demasiado antigua y puede ser que los espectadores de hoy en día no estén acostumbrados a ver películas antiguas. Pero dentro de la pusilanimidad de la película, lo cierto es que se captó bastante bien la esencia del antiguo Egipto sin dejar indiferente a nadie y catalogándolas como una de las 50 mejores películas de la historia del cine. Para gusto los colores, pero ante todo es un película imprescindible en la filmografía de todo buen cinéfilo que se precie.


Calificación personal: 7

Al final del camino (2009)

• Dirección: Roberto Santiago
• Año: 2009
• Género: Comedia
• Intérpretes: Malena Alterio, Fernando Tejero, Ana Milán, Javier Gutiérrez, Alberto Jo Lee, Diego Peretti, Cristina Alcázar, Jorge Monje, Luis Callejo.
• Guión: Javier Gullón y Roberto Santiago.
• Música: Ana Villa, Juanjo Valmorisco
• Montaje: Ángel Armada
• Vestuario: Cristina Rodríguez
• Fotografía: Juan Ignacio Castaño.

SINOPSIS

Nacho( Fernando Tejero) es fotógrafo, Pilar (Malena Alterio) periodista, se odian. Se tendrán que hacer pasar por una pareja para hacer un reportaje sobre un gurú que mejora las relaciones (Diego Peretti). Para ello realizan el Camino de Santiago, donde conocerán a más parejas en crisis; y se verán envueltos en una serie de situaciones dramáticas, absurdas y cómicos.

CRITICA

¿Quien dice que el cine español no sabe hacer comedias? Bueno, a lo mejor le falta madurez a las comedias pero si llegan a crear situaciones graciosas que llegan a soltar más de una carcajada al espectador. Y sobre todo, con el humor y carácter español.

La diferencia con las comedias americanas, es que las situaciones son más hilarantes y tiene sentido entre los diferentes fotogramas. Aunque la mayoría de los chistes y de las situaciones graciosas están casi al principio del metraje y van flojeando a lo largo de toda la historia y los gadgets van flojeando y pierden fuelle.

Lo que da mucha vida a la película y a las diferentes situaciones son los actores que hacen que la película no decaiga, ya que sus gestos y la forma de hablar te generan unas cuantas carcajadas. Además el propio paisaje español y todo lo que nos caracteriza.

Hay veces, que las críticas más complejas de realizar son las de las comedias; porque no suelen transmitir un mensaje y sólo te hacen pasar un buen rato (aunque muchas veces pueden llegar a aburrir porque no hacen ninguna gracia). A pesar de todo, y para no andarme con rodeos, es una comedia sencilla y a la vez entretenida y que te hace reír y pasar un buen rato. Por eso, poco a poco el cine español crecerá y hará buenas comedias.

Calificación personal: 6.3

La última primavera (2004)

• Dirección: Charles Dance
• Año: 2004
• Género: Drama
• Título Original: Ladies in Lavender
• Intérpretes: Judi Dench, Maggie Smith, Daniel Brühl, Natascha McElhone, Freddie Jones, David Warner, Mirian Margoyles.
• Guión: Cahrles Dance
• Música: Nigel Hess
• Producción: Nicholas Brown, Elisabeth Karlsen
• Distribución: Lakeshore production

SINOPSIS

Dos señoras mayores (Maggie Smith y Judi Dench) salvan la vida a un violinista náufrago (Daniel Brühl). Lo alojan en su casa y descubrirán su profesión. Una pintora le oirá tocar y le propondrá ir a Londres a tocar en el Royal Hall, lo que supondrá un duro golpe para las señoras; ya que con la presencia de este joven han evocado sus recuerdos y sus sueños.

CRITICA

Película muy modesta cuyo guión no rebosa la fuerza necesaria para enganchar al espectador y que se sienta fascinado y admirado por los personajes ancianos que poseen un hermoso fondo. Muy a mi pesar, dos grandes actrices, que ofrecen una gran interpretación, no consiguen brillar ya que el guión no ahonda en los sentimientos de los mismos.

A pesar de quedase en una película "delicada", los propios gestos y los paisajes y recuerdos, hacen que el espectador pueda imaginarse la vida que han llevado la ancianas, y el porqué del título de la película. Evocando de esta manera a la última vez en la que las señoras se sintieron jóvenes y apasionadas de la vida, y cómo no han aprovechado el tiempo hasta que ha aparecido el joven polaco que es la evocación de su recuerdo pasado.

La aparición de la pintora, es la yuxtaposición a las señoras, ya que ella es todo aquello que las señoras fueron y que ya no poseen, lo que tuvieron en algún momento (belleza, juventud) y que ya no tienen. Aunque más concreto, el personaje de Judi Dench es la soñadora ante esta situación; mientras que Maggie Smith es la que intenta mantener a su hermana con los pies en el suelo y despertarla de este sueño y hacerla regresar a la realidad.

Lo que puede enganchar de la película es la hermosa fotografía que compone la película acompañada con una armoniosa y dulce banda sonora, que atrapa el alma del espectador. El reparto es muy limitado, pero intenso sobre todo los personajes de Maggie Smith y Judi Dench que aportan la veteranía en la película, Daniel Brühl que se abre paso a Hollywood (aunque no me acaba de encandilar) y dirigido por un buen actor británico, Charles Dance, que hace del famoso Tywin Lannister en Juego de Tronos.

Para todos aquellos que evoquen su juventud y sus sueños robados y pasados, pero con la esperanza de volver a tenerlos algún día y que por muy mayor que se sea, también hay tiempo para seguir siendo joven.

Calificación personal: 6

El río de la vida (1992)

• Título Original: A river runs through it
• Dirección: Robert Redford
• Año: 1992
• Género: Drama
• Intérpretes: Craig Sheefer, Brad Pitt, Tom Skerritt, Brenda Blethyn, Emily Lloyd, Susan Taylor, Rob Cox, Joseph Gordon-Levitt.
• Guión: Richard Friedenberg
• Música: Mark Isham
• Fotografía: Phillipe Rouselot

SINOPSIS

Dos hermanos (Brad Pitt y Craig Sheefer) crecen bajo la mano dura de su padre, pastor baptista (Tom Skerritt), y enseñándoles la pesca con mosca. Esa actividad provoca la unión de los dos hermanos, pero con rencillas y rencores que les provoca un distanciamiento, hasta que uno de ellos se marcha de la ciudad. Al cabo del tiempo regresa, se acerca a su hermano pero con los recuerdos del pasado siempre al acecho.


CRITICA

Se podría decir que el título de la película viene a ser una metáfora del curso que hacemos que tome nuestra vida, en detrimento de lo que realmente debería de ser nuestra vida hasta el final inevitable de todo ser humano: la muerte. Por eso, de manera resumida podemos decir que es una elegía a la hora de escoger el camino adecuado.

En la película nos muestra a dos hermanos, que pese ha haber recibido el mismo tipo de educación, que han tomado caminos totalmente opuestos pero que el amor parental que se procesan y; el amor por la pesca, les hace despojarse a cada uno de su "indumentaria" diaria y verse tal cual son. Ya que muchas veces, sólo con la mirada entre ambos saben lo que piensan y como el hermano menor (interpretado por Brad Pitt) sabe que su vida no ha llevado el rumbo adecuado.

Esas rencillas que acosan a los personajes desde que son pequeños, siempre han estado en su interior y nunca se han reprochado nada a la cara; simplemente con la mirada (cómo ya comenté en el párrafo anterior) se decían todo pero sin llegar a enfrentarse a la verdad. Lo que provoca que los padres estén ciegos ante la situación y crean que sus dos hijos son iguales.

De esta forma, podemos decir que los dos hermanos son como dos ríos que nacen del mismo lugar, pero cuyos cauces son diferentes: uno es turbulento (el hermano pequeño) y el otro tranquilo (el hermano mayor) y que dentro de sus cauces, frente a un temporal no saben hacer frente a las situaciones ni demostrarse amor/ odio. Terminando con un acontecimiento trágico (el cual no voy a desvelar) que provocará que ciertos personajes se arrepientan de haber estado ciegos y de no haber dicho las cosas adecuadas antes de la desembocaduras del "río de sus vidas".

Es una película que recomiendo bastante y que posee matices muy enriquecedores de la vida, que hacen que pensar y cuyas metáforas y paralelismos no dejan indiferentes a nadie. Robert Redford compone una gran película (a pesar de ciertos fracasos que el mismo dirigiría más adelante como La Leyenda de Bagger Vance) con un reparto sin precedentes, con una banda sonora magnífica y una fotografía espléndida.

A todos aquellos que alguna vez amaron las películas de Robert Redford y las apologías a la vida: esta es una de ellas.

Calificación personal: 8

Django desencadenado (2013)

• Título original: Django unchained.
• Dirección y guion: Quentin Tarantino.
• Año: 2012.
• Género: Western.
•  Interpretación: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Walton Goggins, Dennis Christopher, Don Johnson, James Remar, James Russo, Franco Nero. 
• Producción: Pilar Savone, Stacey Sher y Reginald Hudlin. 
• Fotografía: Robert Richardson. 
• Montaje: Fred Raskin. 
• Diseño de producción: J. Michael Riva. 
• Vestuario:Sharen Davis. 
• Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

SINOPSIS

El Dr. King Schultz es un cazarrecompensas de origen alemán que sigue la pista de unos asesinos: los hermanos Brittle. Para lograr su objetivo busca la ayuda de un esclavo llamado Django (Jamie Foxx). El poco ortodoxo Schultz se hace con Django bajo la promesa de dejarlo en libertad una vez que hayan capturado a los Brittle, vivos o muertos. El éxito que obtienen en su cometido hace que Schultz libere a Django, pero ambos deciden no separarse y seguir juntos su camino. Django perfecciona su destreza como cazador con un único objetivo: encontrar y rescatar a Broomhilda, la esposa que perdió hace tiempo en el mercado de esclavos. La búsqueda de Django y Schultz finalmente los lleva hasta Calvin Candie, propietario de la infame plantación Candyland. Django y Schultz exploran las instalaciones y despiertan las sospechas de Stephen, el esclavo de confianza de Candie.

CRITICA

¿Qué hace el cine de Tarantino que nos guste cada día más? Mucha gente tendrá un única palabra en mente: violencia.Aunque sea un cine violento, la violencia no está justificada pero sus diálogos van acordes con la historia que cuenta, embelesándonos aún más.

En realidad, no sabría donde clasificar esta película y que análisis subjetivo puedo hacer; así que voy a ser lo más fidedigna posible a mis ideales cinematográficos. Si bien es cierto, las películas de Tarantino no suscitaron en mí ningún tipo de interés hasta que vi Reservoir Dogs.

El estilo de Tarantatino es demasiado directo pudiendo dañar la sensibilidad del espectador, a la vez que es demasiado fantasiosa. Eso se ve reflejado, cuando un personaje dispara a otro y sale en volandas de forma exagerada o incluso la violencia por la violencia acompañada de una cantidad de improperios y palabras obscenas.

Dejando a un lado la etimología del lenguaje, la historia resulta entretenida y muy sagaz; resultando una película muy fresca y provocando el interés por parte del espectador. La presencia y la descripción milimetrada de todos sus personajes genera puntos de unión entre todos ellos y un cruce de historias con un único nexo de unión: la violencia.

Aunque sus historias sean muy violentas siempre crea historias nuevas y nos introduce en sus propias "paranoias" creando confusión en el espectador. A su vez, al crear historias nuevas no nos introduce en la monotonía de esas historias aburridas y "poco originales" a las que nos tiene acostumbrados Hollywood.

Por muy pequeños que sean los personajes, les acaba dando relevancia a todos ellos sometiéndolos a situaciones inverosímiles y jactanciosas. Eso sí, sus últimas películas tienen una duración un tanto excesiva, llegando a provocar somnolencia.

En cuanto al reparto, siempre consigue un elenco que está a la altura de  las expectativas del guión.Si bien es cierto, que los personajes son muy medidos y estudiados para sacarles el máximo partido. Aunque, Jamie Foxx no consigo calarle y su aspecto de negro paleto no es muy agradable. Christoph Waltz está de nuevo sublime (tras la colaboración con Tarantino en Malditos Bastardos), pero que ganase un segundo Oscar no era tan merecido. Y Leonardo Di Caprio está brillante, hilarante y asombroso; y cuyo reconocimiento cinematográfico no es muy valorado.

Recomiendo la película a aquellos que les guste la violencia y sobre todo el "universo Tarantino". Recomiendo unas películas de su filmografía: Reservoir Dogs, Pulp Fiction, Death Proof, Malditos Bastardos, Kill Bill y Django desencadenado.


Calificación personal: 7

El lado bueno de las cosas (2013)

• Título original: Silver linings playbook.
• Dirección: David O. Russell.
• Año: 2012.
• Género: Comedia dramática, romance.
•  Interpretación: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Chris Tucker, Julia Stiles, Shea Whigham, John Ortiz. 
• Guion: David O. Russell
•  Producción: Bruce Cohen, Donna Gigliotti y Jonathan Gordon.
•  Música: Danny Elfman. 
• Fotografía: Masanobu Takayanagi. 
• Montaje: Jay Cassidy y Crispin Struthers.
• Diseño de producción: Judy Becker. 
• Vestuario: Mark Bridges. 
• Distribuidora: eOne Films Spain.

SINOPSIS

El profesor Pat (Bradley Cooper) vuelve a casa con sus padres después de una estancia en una institución mental, e intenta reconciliarse con su ex mujer. Las cosas se vuelven más desafiantes cuando Pat conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con sus propios problemas.

CRITICA

Por más que intento tener una fe ciega, en que las películas románticas/comedia románticas estadounidenses, ratifica el refrán: "el hombre es el único animal que tropieza dos veces con la misma piedra". Porque siempre que veo una de estas películas, salgo completamente decepcionada.

Lo que podría ser una bonita historia de amor entre dos personas, con dos trastornos mentales que intentan buscar un hueco en la sociedad, amar a alguien y ser amados; se acaba convirtiendo en una comedia almibarada sin orden ni concierto. Resultando decepcionante de principio a fin.

Intentando sacar algo positivo de la película, creo que escaseo de los rasgos positivos, puesto que lo que más se ve en la película son conversaciones donde todos los personajes están constantemente gritando y con ciertos diálogos que pueden llegar a rayar lo absurdo.

A lo largo de todo el metraje, el espectador está esperando a que ocurra algo con los dos protagonistas (eso se ve reflejado al final de la película), pero sin que sus conversaciones no tengan sentido o incluso que puedan tener conversaciones profundas.

Lo único bueno que pude ver en la película fue dos momentos puntuales de Robert de Niro intentando ayudar a su hijo para que pueda cambiar su vida. La madre del personajes (Jackie Weaver) que, desde mi punto de vista, es la única que muestra algún cariz interpretativo y la gran banda sonora.

En cuanto al reparto, Bradley Cooper tendrá que mejorar muchísimo; porque ni siquiera su trabajo era digno de una nominación al Oscar. Robert de Niro, ya no es el que era y nunca recuperará su caché. Y Jennifer Lawrence, se llevó el Oscar a la mejor actriz este año en los Oscar; no hace una mala interpretación, pero Emmanuelle Riva por Amor era sobrecogedora.Y desde mi punto de vista, no es buena darle a una actriz joven un Oscar, ya que su carrera podría ir en picado.

Y que decir del director David O. Russell, porque todas sus películas son aburridas y decepcionantes: Tres Reyes, Extrañas coincidencias; o incluso la biografía de The Fighter que se hizo muy lenta y no acababa de ahondar en los personajes.

En resumen, siempre esto es desde mi humilde opinión (aunque puede ser un poco brusca), pero queridos lectores, si que os doy un consejo: nunca os fiéis de las películas nominadas a los Oscar. No suelen ser lo que escriben de ellas.

Calificación personal: 4

FIN (2012)

• Dirección: Jorge Torregrossa. 
•  Año: 2012.. 
• Género: Drama, ciencia-ficción. 
• Interpretación: Maribel Verdú, Daniel Grao, Clara Lago, Blanca Romero, Carmen Ruiz , Miquel Fernández, Antonio Garrido, Andrés Velencoso, Eugenio Mira. 
• Guion: Jorge Guerricaechevarría y Sergio G. Sánchez.
•  Producción: Fernando Bovaira, Enrique L. Lavigne, Mercedes Gamero, Belén Atienza y Mikel Lejarza. 
• Música: Lucio Godoy. 
• Fotografía: José David Montero.
• Montaje: Carolina Martínez Urbina. 
• Dirección artística: Isabel Viñuales. 
• Vestuario: Irene Orts y Manolo Bonillo. 
• Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

SINOPSIS

Tras años sin verse, un grupo de amigos se reúne en una casa en la montaña durante  el fin de semana. Parece que nada haya cambiado entre ellos, pero entre risas y anécdotas se oculta un turbio episodio del pasado que les sigue atormentando. De repente, un extraño incidente altera sus planes, quedando completamente aislados y sin posibilidad de comunicación con el exterior. Deciden salir y buscar ayuda, pero en el camino el grupo se irá desintegrando, mientras lo que parece un nuevo orden natural se impone ante sus atónitos ojos.

CRITICA

No sólo el cine estadounidense vive de buenos thrillers. Aunque, tengo que reconocer que este en concreto, esté todavía un poco más verde. No muestro mi desavenencia con esta película, sino que no ha llegado a unas altas expectativas que había puesto sobre ella.

Independientemente, de que su impulso por ser un gran thriller se halla quedado por el camino, si que hay que destacar y resaltar ciertos aspectos fuertes de la película. El primero de ellos es el riesgo por demostrar la valía del cine español; año tras año nos va sorprendiendo con buenas películas.

Los siguientes puntos están centrados en la gran puesta en escena, aunque si concreto mucho más, del excelente montaje, la perfecta fotografía y la atmósfera de suspense que rodea a toda la película. Sin embargo, el reparto no es demasiado brillante.

Si bien es cierto, que el guión es la adaptación de la novela, que el título iba a ser un aliciente para encontrarnos con una película pos-apocalíptica y vibrante (amén de un final sagaz y sorprendente); acaba siendo una película de supervivencia con extrañas desapariciones e insospechados acontecimientos. Pero no acabando de brillar con luz propia.

A pesar de tener un reparto conocido y con cierto caché interpretativo (la mayoría de los actores son habituales en series de televisión), no tienen ninguna convicción frente a otros papeles que han ido interpretando a lo largo de sus carreras.

A pesar de mis pésimas críticas, si que hubo momentos de máxima tensión; y de los cuales no me arrepiento de haber visto esta película, porque sé que el cine español vale mucho y se está haciendo un gran hueco en las carteleras.

Calificación personal: 6.4

Platoon (1986)

• Dirección: Oliver Stone
• Año: 1986
• Guión: Oliver Stone
• Intérpretes: Charlie Sheen, Tom Berenger, Willem Dafoe, Forest Whitaker, Johnny Depp, Kevin Dillon, Mark Moses, John C. McGinley.
• Música: Georges Delerue
• Montaje: Claire Simpson
• Fotografía: Robert Richardson

SINOPSIS

En el año 1968, el recluta Chris Taylor (Charlie Sheen) es reclutado para combatir en los conflictos que se están librando en Camboya y Vietnam. Lo que parecía una lucha por su país, se acaba convirtiendo en una lucha encarnizada con los vietnamitas y con sus propios compatriotas, llegando a un punto donde la distinción del bien y del mal ya no se distingue.

CRITICA

Yo creo, que el público ya se ha dado por aludido sobre un acontecimiento bélico absurdo: la Guerra de Vietnam. Pero, aunque tenga un punto de vista completamente distinto a todas las películas anteriores (e incluso posteriores) sobre los diferentes conflictos bélicos.

Antes de nada, tengo que decir que las películas bélicas nunca han sido mi fuerte; generalmente porque el tema a tratar me produce escalofríos, algunos directores se han recreado más en las matanzas que, en el intentar de elaborar una buena historia con este telón de fondo.

En esta película intenta mantener de una forma equitativa la historia con la violencia. Me explico: mientras el protagonista principal va contando su experiencia desde que ingresa en el ejército, intenta a su vez las tácticas militares, el comportamiento de sus compañeros e incluso un aumento de la violencia; que se acaba traduciendo en bombardeos constantes y, que la guerra no tenga ningún sentido.

Estas características fueron las que me llamaron la atención de la película, reflejándose con bastante dramatismo en el pensamiento de todos los soldados: cuando su primera idea es defender a Estados Unidos de los vietnamitas y luego, como quieren volver y que la guerra es absurda y no saben contra quién luchan. Ese punto de locura, les hace cometer actividades atroces contra sus compañeros y a empezar a consumir heroína (el consumo de esta droga empezó, al regreso de los soldados a Estados Unidos y la transportaban en el lateral interior de los féretros de los soldados fallecidos).

Esto no cambia nada mi concepción sobre películas bélicas, ya que les dan mucho bombo y al final resultan ser otra película más sobre las guerras estúpidas y sin sentido en las que interviene Estados Unidos malgastando la vida de soldados que no saben porqué luchan. Pero si al menos puede tener una buena historia, la película se puede visionar (a excepción de Apocalypse Now, a la cual dieron demasiados méritos y premios; siendo para mí unas de las peores películas que he visto).

En cuanto a la ficha técnica, un reparto bastante variopinto cuyas carreras han tenido altibajos. Detrás de la cámara, el siempre polémico Oliver Stone, que siembra cizaña allá por donde va sin dejar indiferente a nadie, sobre todo en su película Nacido el 4 de Julio, que muestra la crudeza de la post-guerra (ya que Oliver Stone fue veterano de la guerra del Vietnam).

Si les gusta el cine bélico, yo recomiendo que se empiece con esta película; ya que es una de las más fieles reproducciones sobre estos acontecimientos.


Calificación personal: 6

El cuerpo (2012)

• Dirección: Oriol Paulo.
• Año: 2012.
• Género: Thriller, suspense. 
• Interpretación: Belén Rueda, José Coronado, Hugo Silva, Aura Garrido, Juan Pablo Shuk, Cristina Plazas , Oriol Vila, Patricia Bargalló, Mia Esteve, Montse Guallar. 
• Guion: Oriol Paulo y Lara Sendim. 
• Producción:Joaquín Padró, Mar Targarona, Mecedes Gamero y Mikel Lejarza. 
• Música: Sergio Moure. 
• Fotografía: Óscar Faura. 
• Montaje: Joan Manel Vilaseca. 
• Dirección artística:Balter Gallart. 
• Vestuario: María Reyes.
• Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

CRITICA

El vigilante nocturno de un depósito de cadáveres es atropellado tras abandonar su puesto de trabajo en estado de pánico. Cuando la policía se presenta para investigar, descubre que el cadáver de una mujer recién fallecida ha desaparecido de la morgue. Sin ninguna pista que aclare el extraño suceso, el inspector Jaime Peña (José Coronado) recurre a Álex Ulloa (Hugo Silva), el viudo de la mujer desaparecida. Juntos, durante el transcurso de una noche intensa, intentarán descubrir la verdad sobre las misteriosas causas de la muerte de la mujer y la desaparición de su cuerpo…

SINOPSIS

Un adjetivo que define a esta película es: ESPECTACULAR. Desde hacía bastante tiempo no había visto una película de suspense tan brillante y con un buen argumento que hace que el espectador no se levante de su asiento.

Es una película vibrante desde principio a fin, y con un buen hilo argumental donde no queda ningún cabo suelto y por lo tanto, no aburre. Además del hilo argumental, cabe destacar la atmósfera sombría y tenebrosa que se desarrolla a lo largo del todo el film, manteniendo aún más la tensión hasta el final.

Destacar de forma primordial la conexión que se establece entre los diferentes acontecimientos y los diferentes "flashbacks" para explicar ls diferentes tipos de pruebas que van apareciendo sobre el caso, y como la sombra de la sospecha se cierne sobre el viudo y, cómo su plan se va desmoronando.

Podría resultar una historia normal, donde el final es totalmente predecible y donde se sabe desde el primer momento quien es el asesino. Pero, las diferentes conexiones que van rodeando al personaje de Hugo Silva y a la muerte de su mujer, deja un agujero de incertidumbre que se ve rellenado por la culpabilidad del reciente viudo por buscar una salida.

Esta crítica va a ser un poco más corta de lo habitual. Porque intentar contar lo más relevante, sin meter la mata para no desentramar toda la historia, es harto complejo. Por eso mi punto de vista (de la crítica) será bastante escueto.

En cuanto a la ficha técnica, todo el reparto interpreta de forma creíble a sus personajes; sobre todo el veterano José Coronado y la actriz revelación Aura Garrido. Realizando papeles más que convincentes. El debutante, Oriol Paulo, nos vuelve a sorprender tras su escalofriante guión de Los ojos de Julia; demostrando su fuerza arrolladora tras la cámara.

Muy a mi pesar, ésta película sólo recibió una nominación a los Goya (mejor dirección novel) en esta pasada gala, y que desde mi punto de vista tendría que haber recibido más nominaciones. Al menos, batió records importantes para el cine español. Y esta vez, con total convicción: es una película imprescindible.


Calificación personal: 10