Misión Imposible III (2006)

• Dirección: J.J. Abrams
• Año: 2006
• Género: Acción, thriller
• Interpretación: Tom Cruise, Philip Seymor Hoffman, Ving Rhames, Billy Crudup, Jonathan Rhys Meyers, Michelle Monaghan, Maggie Q, Laurence Fishburne, Keri Russell.
• Guión: Alex Kurtzman, Roberto Orci, J.J. Abrams
• Producción: Tom Cruise, Paula Wagner
• Música: Michael Giacchino
• Fotografía: Dan Mindel
• Montaje: Maryann Brandon, Mary Jo Markey
• Vestuario: Colleen Atwood
•  Diseño de producción: Scott Chambliss

SINOPSIS

Ethan (Tom Cruise) recibe un aviso de Musgrave (Billy Crudup) durante su fiesta de compromiso con Julia (Michelle Monaghan) para rescatar a una compañera del FMI (Keri Russell). Acompañado por Declan (Jonathan Rhys Meyers), Zhen (Maggie Q) y Luther (Ving Rhames), pero no lo logra y ésta muere. Pero esta situación sólo alimenta el ego de Owen Devian (Philip Seymor Hoffman).

CRITICA

Dentro de lo cabe, esta secuela es bastante aceptable con respecto a las otras dos anteriores; pero aún así flojea bastante a mitad de película y sólo hay acción por acción y para hacer de relleno en la película porque  la historia se ha agotado.

Por suerte (o por desgracia) en mi opinión se salva por los pelos, pero aún así aunque sea una película de acción podría no ser tan fantasiosa y el guión podría haber sido más sólido para que la acción que aparece no fuera innecesaria.

La verdad, es que después de las dos películas anteriores, es lógico que la acción y el transcurso de la historia fuera insulso y no fomentara casi ningún interés por el espectador.

La película empieza con una buena trama y con las dosis de acción en su justa medida, pero a medida que pasa la historia el argumento se queda cojo (no se sabe al final que es la "pata de conejo") y la acción no justifica lo que iba a ser una interesante película de acción.

También puede ser que muchas de las situaciones que acontecen a lo largo de la película pueden ser un poco surrealista provocando un aburrimiento extremo.

La verdad es que tengo poco más que decir sobre la película, ya que cuando me encuentre con una buena película de acción; mis perspectivas cambiarán. Pero aún así, el espectador puede pasar un rato de entretenimiento.

Calificación personal: 5.2

John Carter (2012)

• Dirección: Andrew Stanton. 
•  Año: 2012. 
•  Género: Acción, aventuras, ciencia-ficción, fantástico.
•  Interpretación: Taylor Kitsch, Willem Dafoe, Lynn Collins, Samantha Morton, Mark Strong, Ciarán Hinds, Dominic West, James Purefoy, Daryl Sabara, Polly Walker, Bryan Cranston, Thomas Haden Church.
• Guion: Andrew Stanton, Mark Andrews y Michael Chabon.
• Producción: Jim Morrison, Colin Wilson y Lindsey Collins.
• Música: Michael Giacchino.
• Fotografía: Dan Mindel.
• Montaje: Eric Zumbrunnen.
• Diseño de producción: Nathan Crowley.
• Vestuario: Mayes C. Rubeo.
• Distribuidora: The Walt Disney Company.

SINOPSIS

La película lleva a la gran pantalla una aventura épica que se desarrolla en el devastado planeta Marte, un mundo habitado por tribus guerreras y seres salvajes. John Carter, un veterano de la Guerra Civil americana, se ve inmerso en una nueva y misteriosa guerra con un extraño ejército de marcianos, entre los que se encuentran Tars Tarkas y la princesa Dejah Thoris.

CRITICA

La primera película de aventuras que no resulta un fiasco en años. Es cierto, que el espectador puede pensar que es una simpleza de película; pero el echo de que sea tan simple, provoca un entretenimiento y que cuando se acaba la película sale con una buena sensación y con ganas de que se filme un segunda entrega.

Siempre soy reacia a aquellas películas que suelen estar basadas en cómics, libros o historietas. Eso suele ocurrir porque desde mi punto de vista (si previamente me he leído la historia), no es una adaptación fiel o se suelen dejar en el tintero los temas más importantes de la historia. Aunque es cierto que en este caso no me he leído el libro, me ha resultado una película entretenida, divertida y sin demasiadas excentricidades; haciendo una película bastante amena.

Tampoco puedo decir que es una gran película, pero si la catalogamos dentro del género de Ciencia Ficción/ Aventuras, es una película buena. Es cierto que si nos fijamos bien, la película tiene muchos guiños a  Star Wars,o incluso a Avatar. Pero sería al revés, ya que esta película llevaba años parada mucho antes del estreno de Star Wars.

Si nos centramos a nivel técnico y artístico, los efectos visuales acompañan a la perfección con el desierto de Utah (en Estados Unidos) y con la espectacular fotografía del mismo. Aunque el reparto puede ser para algunos bastante desconocidos, puedo decir que todos y cada uno de los actores están de una manera elegante en sus personajes. Con respecto al guión, no vemos que profundice demasiado en la trama, ni siquiera genera una historia demasiado complicada. Esto hace, que el film sea entretenida y que en ningún momento el espectador pueda aburrirse.

Al ser una película de acción, no hay que entrar en demasiados detalles (ya que no es necesario). Pero si recomiendo a todo aquel que quiera pasar una tarde entretenida y no quiera ver una película dramática, le recomiendo que vea John Carter. Así mismo, no recomiendo a todos aquellos escépticos que, intenten buscarle un sentido lógico a la película, que vayan a verla.

Calificación personal: 6

Los Idus de Marzo (2012)

•  Dirección: George Clooney. 
• Año: 2011
•  Género: Drama.
•  Interpretación: Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Jeffrey Wright, Evan Rachel Wood, Max Minghella. 
• Guion: George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon; basado en la obra “Farragut North”, de Beau Willimon.
•  Producción: George Clooney, Grant Heslov y Brian Oliver.
•  Música: Alexandre Desplat.
•  Fotografía: Phedon Papamichael. 
• Montaje: Stephen Mirrione. 
• Diseño de producción: Sharon Seymour. 
• Vestuario: Louise Frogley.
•  Distribuidoras: Universal Pictures International Spain y Wide Pictures. 

SINOPSIS

En “Los idus de marzo” conoceremos a Stephen Meyers (Ryan Gosling), un idealista y brillante comunicador que es el segundo de a bordo de la campaña presidencial del gobernador Mike Morris (George Clooney), en quien confía ciegamente. Durante las primarias de Ohio, Tom Duffy (Paul Giamatti), el jefe de campaña del máximo oponente de Morris, ofrece a Meyers un puesto de trabajo. Al mismo tiempo, las negociaciones de Morris para conseguir el apoyo adicional de un senador de Carolina del Sur se estancan. Y la joven becaria Molly Sterns (Evan Rachel Wood) capta la atención de Stephen. Los republicanos guardan varios ases bajo la manga, Meyers puede haberse confiado en exceso y Molly guarda un secreto. ¿Qué es más importante: la carrera, la victoria o la verdad? 

CRITICA

La verdad y a pesar de todo, la película no me ha decepcionado nada en absoluto; es más, ha conseguido meterme de lleno en la historia sobre la corrupción política y, manteniendo de forma magistral el pulso de un logrado guión.

Es cierto que el espectador puede pensar, que se trata de una película más sobre política; pero no es así. Más bien, podría decirse que trata sobre el ascenso al poder en el mundo de la política y la cara oculta de la misma. Es decir, todo lo que nosotros (los votantes) no vemos cuando los políticos empiezan sus campañas; y sus tetras y mentiras que hacen para conseguir su objetivo: ser un alto cargo de la política.

Aunque, podríamos llegar aún más lejos: el objetivo de aquellos que están a cargo de la campaña política y como manejan todo el "cotarro" de la misma.

También intentan hacer una apología con el auguro el día de la muerte de Julio César: "César, ¡Guárdate de los Idus de Marzo!". Es decir, del 15 de Marzo; ya que en la película es el día trascendental en el que todo va a dar un giro por completo provocando que el protagonista, cambie por completo su forma de pensar y su método para llegar a lo más alto de la cumbre política.
Aunque el momento fundamental de la trama, se centra aproximadamente, casi una semana antes de que se celebren la elecciones; generándose una serie de acontecimientos que cambia por completo la forma de pensar del protagonista (principalmente por una serie de especulaciones que hacen que actúe de una manera vil y rastrera).

Intenta mostrar de una manera (lo más fidedigna posible) que, lo que suelen vender los políticos en su campaña, sus ideales y las reformas que quieren llevar a cabo; muchas veces son el intento de poder hacerse con el voto de los ciudadanos y poder así, seguir su ascenso en su carrera política sin importar los pactos que hagan ni con quien los hagan.
Así se puede ver, como cada uno de los personajes mira por su propio interés y los que no lo hacen, acaban corrompidos o manipulados por aquellos que tienen pensamientos contrarios a sus ideales.

Es cierto, que el comienzo de la película puede resultar un poco monótona para el espectador, aunque el objetivo de esa monotonía nos permite ubicarnos en las historia y llegar al clímax fundamental de la película; que está bien hilada, bien argumentada, con una gran puesta en escena y una increíble banda sonora que permite al espectador formar parte de la propia trama.

Película que recomiendo a todos aquellos que echen de menos una buena película de thriller, aunque no sea  como las de antes merece totalmente la pena. Podría contar más cosas, pero destriparía casi todo el argumento. Y como recuerda el eslogan de la película: "La ambición corrompe. El poder seduce".

Calificación personal: 7.4

Cinema Paradiso (1988)

• Dirección: Guiseppe Tornatore
• País: Italia
• Género: Drama
• Guión: Guiseppe Tornatore
• Reparto: Phileppe Noiret, Jacques Perrin, Salvatore Cascio, Aqnese Nano, Brigitte Fosey, Marco Leonardi, Antonella Attiu, Enzo Cannavale, Isa Danieli, Leo Gullota, Pupella Maqqio, Leopoldo Trieste.
• Música: Ennio Morricone
• Fotografía: Blasco Guirato
•  Producción:  Franco Cristaldi, Giovanna Romagnoli
• Productora: Les Films Ariane, TFI Films.

SINOPSIS

Cinema Paradiso es una historia de amor por el cine. La película narra la historia de un niño de un pueblecito italiano, en el que el único pasatiempo es disfrutar de las películas del cine Paradiso. Subyugado por las imágenes en movimiento, Salvatore cree ciegamente que el cine es magia, pero, un día, Alfredo, el operador, accede a enseñarle al pequeño los misterios y secretos que se ocultan detrás de una película. Salvador va creciendo y llega el momento en el que debe abandonar el pueblo y buscarse la vida. Treinta años después, recibe un mensaje, en el que le comunican que debe volver a casa.

CRITICA

Fascinante película que devuelve al espectador a la época de los cines antiguos donde la gente se pasaba las tardes de verano en esos pequeños locales donde, nuestros padres pasaban las horas muertas (y quizás también nuestros abuelos).

Pero al rememorar los viejos tiempos, también nos muestra una intensa relación de amistad entre el dueño del cine y el niño, que para olvidarse de los problemas de su familia, se refugia en el cine y todo lo que el encierra.

Entre la historia del dueño del cine y el niño, entrama una gran historia de amor, de amistad y de lealtad que a lo largo del tiempo, se va enfriando con el tiempo pero eso se debe a que las ganas de prosperar cuando el chico crece le hace plantearse dos situaciones: seguir en su pueblo natal y ser fiel a su amigo o, labrarse un futuro más allá de su vida pasada.

Es una historia que profundiza en la vida de un pequeño pueblo de Italia donde el cine forma parte de la vida de todos los ciudadanos y donde la vida rural es una fiel reflejo de la Italia de aquella época. Además, la banda sonora llega a producir alguna que otra lágrima, sobre todo cuando el pequeño Salvatore va recordando el paso del tiempo, y como se siente atrapado en un pueblo sin futuro y tiene un remordimiento sobre si dejar toda su vida y poder seguir adelante.

Pero a su regreso, el recuerdo del pasado ve como va acechando a su actual vida y ve como la vida que antes había enriquecido al pueblo; se ha ido apagado lentamente y con el, el Cinema Paradiso. Es una película para recordar, evocar y revivir los acontecimientos del pasado que hicieron de nuestra vida lo que es hoy. 

Claro está, que aunque la película transcurre en Italia, siempre cada uno de nosotros podemos evocar de cualquier manera a nuestro pasado.

La estética costumbrista llama muchas veces la atención junto con la fabulosa fotografía y la espectacular banda sonora del inconfundible Ennio Morricone.Amén, de que nos hace recordar las mejores películas de los años veinte, treinta y cuarenta.

Lo único que tengo que comentar, para resumir, es que, si alguna vez, cualquier persona que lea esto, tiene la posibilidad de ver esta película; la acabará incluyendo entre sus diez películas favoritas y una de las mejores de la historia.

Por supuesto, para aquel que haya visto esta película, tendrá grabada en su memoria la siguiente frase: "No vuelvas, no escribas, no llames, hazme caso, hagas lo que hagas ámalo, como amabas la cabina de Cinema Paradiso".

Calificación personal: 8.4

Las Amistades Peligrosas (1988)

• Dirección: Sthephen Frears
• País: USA, Reino Unido
• Género: Drama
• Guión: Christopher Hampton
• Reparto: Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer, Keanu Reeves, Uma Thurman, Swoosie Kurtz, Mildred Natwick, Peter Capaldi, Valerie Gogan, Laura Benson
• Música: George Fenton
• Fotografía: Philippe Rousselot
• Vestuario: Nathalie Doux
• Maquillaje: Peter Owen
• Producción: Hank Moonjean, Norma Heyman
• Productira: Warner Bros, NFH Limited, Lorimar Entertaiment Film

SINOPSIS

Francia, siglo XVIII. La perversa y fascinante vida de la Marquesa de Merteuil (Glenn Close) planea vengarse de su último amante con la ayuda de su viejo amigo el Vizconde de Valmont (John Malkovich), un seductor tan amoral y depravado como ella. Una virtuosa mujer casada, Madame de Tourvel (Michelle Pfeiffer), de la que Valmont se enamora, se verá involucrada en las insidiosas maquinaciones de la marquesa.

CRITICA

Una vez más, la historia gira en torno a una época llena de vanidades y de diferentes lujos. Pero no me voy a meter en la época en concreto sino en los personajes ambientados en esa época tan truculenta.

Es un guión fascinante, perverso, retorcido y a la vez un fiel reflejo de aquella época en la cual, una persona podría estar en la cumbre de la sociedad y verse abocada al fracaso o al desprecio social en menos que cante un gallo.

Eso se ve reflejado (de una forma lo más fiel posible) de los deseos por llegar al poder mediante la destrucción de las personas, sin importar las diferentes maquinaciones que se pueden llevar a cabo. Por eso, este es el encanto de esta película en la que, no se llegará a aborrecer a los personajes sino que se les adorará cada vez más.

En el transcurso de la película, se puede observar como la lucha por ser el más "seductor" es una guerra abierta entre el personaje de Glenn Close y de John Malkovich y cómo su amistad se acaba deteriorando por las envidias generadas entre ambos y por alcanzar o mantener su estatus social.

También hay que destacar, que en aquella época el ser mujeriego o ser misógino era una forma de mantener el estatus pero a la vez, una forma de perderlo. Sobre todo porque como se refleja en la película, que las mujeres son las que más tenían que perder porque podrían ser destruidas y denigradas de mil maneras.

Eso se puede ver en el personaje de Glenn Close, como por el simple echo de ser mujer hace que invente una serie de tetras para excavar puestos en la sociedad, pero a su vez manipula tanto a hombre como mujeres llegando incluso, a quedarse sola y repudiada por la sociedad.

Aparte de un pequeño análisis sobre la sociedad del siglo XVIII, el guión es elaborado a la vez que frívolo y que mantiene al espectador expectante y que acabe adorando a los personajes aunque vayan creando una gran repulsión hacia ellos.

La puesta en escena, tanto a nivel de paisaje como de decorados, de vestuario y localizaciones así como una excelentes interpretaciones de todos y cada uno de los actores; sobre todo de John Malcovich y de Glenn Close que hacen fascinante y trepidante esta historia de celos, envidia, traición y ambición.

Calificación personal: 7.3

La Jungla 4.0 (2007)

• Dirección: Len Wiseman
• País: USA
• Año: 2007
• Género: Acción
• Interpretación: Bruce Willis, Justin Long, Timothy Olyphant, Maggie Q, Cliff Curtis, Mary Elisabeth Winstead, Cyril Raffaelli, Kevin Smith.
• Guión: Marck Bomback y David Marconi.
• Producción: Michael Fottrell
• Música: Marco Beltrami
• Fotografía: Simon Duggan
• Montaje: Nicolas de Toth
• Diseño de producción: Patrick Tatopoulos
• Vestuario: Denise Wingate

SINOPSIS

Es el inicio de las vacaciones, pero el detective John McClane (Bruce Willis), de la ciudad de Nueva York, no está de fiesta. Acaba de tener otra discusión con su hija adolescente, Lucy (Mary Elisabeth Winstead), y ha recibido una misión de rutina en la que debe detener a un joven hacker, Matt Farrell (Justin Long), para ser interrogado por el FBI. Pero para McClane, lo corriente tiene el hábito de convertirse en extraordinario, metiéndose abruptamente en el sitio equivocado en el momento equivocado. Con la ayuda de Farrell, McClane lentamente comienza a comprender el caos que acaba de iniciarse, y es que se está llevando a cabo un ataque a la vulnerable infraestructura de los Estados Unidos, deteniendo a toda la nación. Pero el personaje que está detrás del complot, Thomas Gabriel (Timothy Olyphant), va muchas jugadas por delante de McClane mientras pone en práctica sus increíbles planes.

CRITICA

Una vez más, Hollywood no sorprende para nada. Con la fábrica de las ideas frescas y renovadoras de los guiones agotadas, echa mano de uno de los clásicos de acción de los 80, explotado previamente tres veces (y con una quinta explotación en marcha).

Como ya ocurrido con anterioridad con otras franquicias (véase las de Sylvester Stallone con Rambo o Rocky), el personaje de Bruce Willis recae en sus viejas costumbres como un héroe atípico (y a la vez poco creíble) que intenta rescatar la esencia de lo que fue en el pasado; pero que acaba siendo otro "payaso" más de las resurrecciones de las franquicias.

El simple echo de recuperar a este personaje, es debido a que después de tantos años, la gente ya no se acuerda de él, han nacido nuevas generaciones que no tenían ningún conocimiento al respecto o simplemente lucrarse por medio de una historia sin fundamento.

Podemos decir que la idea del guión es bastante fresca, pero no llega ha eclosionar ya que, las situaciones en las que se desenvuelve el personaje son imposibles y sin ningún tipo de razonamiento lógico; que hace que el espectador en vez de centrarse en una historia con cierto halo de "impacto"o entretenimiento, acabe por hacer comentarios sobre las escenas de acción.

Al lector, puede extrañarle mi forma de la crítica sobre una película bastante floja tirando a mala y muchas veces no profundizar en una buena película. Pues para seguir con mis viejas costumbres, sólo decir que es una película que raya lo absurdo y con personajes bastante histriónicos; decir que la explotación de cierta franquicias (a no ser que sea la adaptación de un libro o de algún otro tipo de escrito), no merece la pena explotarlas.

Porque lo que puede llegar a ocurrir (o como siempre suele ocurrir), los sucesivos argumentos de las secuelas, pierden el hilo argumental, la esencia de la historia y lo que es más importante, lo que de verdad hizo interesante o entretenida a la película.

En fin cinéfilos, no sé para que sigo viendo películas de acción. El día que encuentre una digna de mención, le haré una buena crítica.

Calificación personal: 3.7

American History X (1998)

• Dirección: Tony Kaye
• Año: 1998
• Género: Criminal, Drama
• Reparto: Edward Norton, Edward Furlong, Beverly D'Angelo, Avery Brooks, Jennifer Lien, Ethan Suplee, Stacy Keach, Fairuza Balk, Elliott Gould, Guy Torry.
• Guión: David McKenna
• Fotografía: Tony Kaye
• Música: Anne Dudley
• Montaje: Alan Heim, Gerald B. Greenberg
• Vestuario: Ángela Núñez, Doug Hall, Lisa Parmet, Marisa Aboitiz, Ulker Irazat, Yvette Ammon
• Productora: New Line Cinema, Turman-Morrissey Company, The, Savoy Pictures
• Distribuidora: Líder Films

SINOPSIS

Derek Vyniard (Edward Norton) es un joven perteneciente a un grupo de ideología nazi que es encarcelado por asesinar a dos jóvenes afroamericanos que estaban robando su vehículo. En la cárcel se encuentra con una serie de neonazis que se relacionan con bandas de otras razas. Poco a poco se dá cuenta de que todo lo que creia es falso y es traicionado por los skins de la prisión. Años después, cuando sale de prisión, descubre que su hermano menor Danny (Edward Furlong) está siguiendo sus mismos pasos. Dándose cuenta de que puede correr su misma suerte, Derek intentará no sólo enmendar los errores del pasado, sino alejar a su hermano de ese peligroso mundo...

CRÍTICA

Debo reconocer, que esta es la quinta vez que veo esta película. En su momento, la vi con los ojos de una persona, que pensaba que el nazismo era el peor movimiento que hoy día sigue perdurando y acarrea muchos problemas en una sociedad, que le cuesta adaptarse a los cambios.

Pero, cuando se suele hacer un segundo visionado de una película (si es una buena película), en el trasfondo que tiene, una simple expresión, un cierto decorado..; que hace que descubras el verdadero mensaje. Esto ocurre exactamente con American History X, donde se observa, tres transformaciones que acaban demostrando dos conceptos del ser humano muy claros: el primero, el ser humano es manipulable; y el segundo, que el ser humano puede cambiar.

Esto es lo que le ocurre al personaje (interpretado magistralmente por Edward Norton) al cual, pasa de ser un niño modelo, a ser un joven nazi, para después transformarse de nuevo en un joven que ha sido capaz de cambiar. Claro está, que estos cambios tan drásticos afectan de una manera bastante triste, a la gente que le quiere y/o odia.

Durante ese período de transformación, se puede ver en el personaje que justifica su "pensamiento" nazi provocándole una desgracia que acabará con su vida entre rejas. Y viendo el otro lado, tendrá que refugiarse en todos aquellos a los que ha odiado (los negros) y tomando como enemigos a todos aquellos que consideraba sus amigos.

Lo que demuestra claramente, que cuanto más manipulable es una persona, más control tienes; pero en cuanto ves que empieza a "razonar", tienes que buscar otras formas para conseguir tus propósitos. Eso es lo que le llega a ocurrir al hermano del protagonista, ya que después de haber seguido los pasos de su hermano, su amor por él es tan grande que al final su mente es "manipulada" con buenos actos, confianza, respeto y amor a los demás.

La verdad, es que podría hacer una crítica bastante amplia y detallista sobre el fantástico guión. Pero prefiero que el espectador (si alguna vez tiene oportunidad de verla), pueda llegar al trasfondo de esta maravillosa película. La cual va combinando los acontecimientos del día a día, con los flashbacks en blanco y negro del joven Skinhead (decir, que los flashbacks en blanco y negro, pueden interpretarse como acontecimientos pasados, que le han echo cambiar en el presente).

Por eso todo aquel que pueda, se la recomiendo y a lo que añado, que el final el espectador no se lo espera para nada (además de que da que pensar).

Calificación personal: 8.3

Drive (2011)

•  Dirección: Nicolas Winding Refn.
• Año: 2011.
• Género: Drama, thriller.
• Interpretación: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Christina Hendricks, Bryan Cranston, Oscar Isaac,Albert Brooks, Kaden Leos, James Biberi. 
• Guion: Hossein Amini; basado en la novela homónima de James Sallis.
• Producción: Marc Platt, Michael Litvak, Gigi Pritzker, Adam Siegel y John Palermo
• Música: Cliff Martinez. 
• Fotografía: Newton Thomas Sigel. 
• Montaje: Mat Newman
• .Diseño de producción: Beth Mickle. 
• Vestuario: Erin Benach. 
• Distribuidora: Buena Vista International Spain.

SINOPSIS

El protagonista es un conductor especialista de cine (Ryan Gosling) por el día y un conductor para fugas por la noche. Pero no importa el trabajo que tenga que hacer porque él se siente siempre a gusto detrás del volante. Shannon (Bryan Cranston) es mentor de este joven conductor a la vez que su jefe. Desde que se dio cuenta de su talento al volante, Shannon le busca directores de cine y televisión para sus películas o criminales que necesiten al mejor para sus fugas, llevándose una comisión en ambos casos. Pero el mundo de este chico cambia el día que se encuentra con Irene (Carey Mulligan).

CRITICA

Película que intenta retomar aquella parte thriller-noir que caracterizó a las películas de los años 80. Capta la esencia, pero tiene una ausencia de dinamismo total; haciendo que ese recuerdo a ese género se quede en nada.

Debido, a que el gusto del espectador puede ser muy variado; destacando sobre todo dos tipos de gustos; uno de los cuales sería que es una película monótona, aburrida, sin argumento, floja, y todo tipo de adjetivos que se le pueda dar a una película (siendo ésta mi sensación); y la otra parte que dirá que será la próxima película de culto y que mantiene la tensión a lo largo de toda su duración.

Desgraciadamente, desde mi punto de vista, esperaba más dinamismo y argumentación de una película que acaba por desesperar, esperando en algún momento que "comience" de verdad la acción del argumento; pero eso no ocurre.
Intentando salvar lo insalvable, lo que puede mantener viva la trama, es la actuación del actor. Aunque llegado el momento, hasta el propio actor llega a aburrir; y llegando a pensar que ni siquiera su personaje tiene sentido.

La verdad, es que me desagrada realizar una crítica negativa sobre una película de la esperaba mucho, aunque también puede ser, que el tráiler suele ser un motivo de engaño para que el espectador vaya a ver la película; llegándose a encontrar con una decepción.
Aunque, al menos lo bueno que tiene la película es la banda sonora, pegadiza con la estética de la película y cada una de las escenas. Amén de la interpretación de Ryan Gosling, que a pesar de no articular palabra; crea un personaje con un halo de misterio mezclado con una pequeña repulsión.
También, el mensaje (aunque no sea muy adecuado), de como una persona puede cambiar a otra y darse cuenta de lo mísera que era su vida.

La verdad es que ésta película creará polémica en cuanto a la opinión, porque habrá gente que le parecerá espectacular, a otros les parecerá indiferente y a otros lo más aburrido que han visto nunca.

Calificación personal: 3.5

La Dama de Hierro (2012)

• Dirección: Phyllida Lloyd.
• Año: 2011. 
• Género: Biopic, drama.
• Interpretación: Meryl Streep, Jim Broadbent , Richard E. Grant , Iain Glen, Anthony Head , Roger Allam, Alexandra Roach , Harry Lloyd .
• Guion: Abi Morgan.
•  Producción: Damian Jones.
• Música: Thomas Newman.
• Fotografía:Elliot Davis. 
• Montaje: Justine Wright.
•  Diseño de producción: Simon Elliott. 
• Vestuario:Consolata Boyle. 
• Distribuidora: Wanda Visión. 

SINOPSIS

“La Dama de Hierro” es una película sobre la vida de Margaret Thatcher, ex primera ministra británica. Ahora, a sus 80 años de edad, se encuentra desayunando en su casa de Chester Square en Londres. A pesar de que su marido, Denis, falleció hace un par de años, la decisión de deshacerse finalmente de su ropa, provoca en ella recuerdos convulsos.

CRITICA

Cómo ya sabrá el espectador, este film relata los años en los que estuvo como congresista Margaret Thatcher, contado en forma de flashbacks; para que así el espectador pueda ubicar de alguna manera esta biografía.

Aunque, cabría destacar que la película resume el gobierno de Margaret Thatcher en pequeños fragmentos, durante los cuales muestra con ciertas pinceladas temas muy importantes, que en su época fueron cruciales o incluso que desataron la polémica. Pero por desgracia, si se hubieran metido en profundidad durante todo su gobiernos; la película sería mortalmente larga.

Ya de por sí, carece de un dinamismo, propio de todos aquellos biopics que no tratan sobre personajes musicales (ya que la música en sí, llega a hacer la película más dinámica); recayendo (cómo es lógico) todo el peso de la película sobre un único personaje. Aún así, al realizar las biografías de personajes públicos, se tiende muchas veces a reflejar los sentimientos del personaje, sin conocer nada en absoluto, los sentimientos del mismo. Provocando muchas veces, que el propio espectador reclame más, sobre su vida pública, que como su persona.

Independientemente de eso, el guión se ve bastante reforzado con toda la estética propia de la Inglaterra de Margaret Thatcher, cuidando hasta el mínimo detalle todos y cada uno de los elementos (ya sea a nivel de personajes, como de decoración).

Pero, lo que mantiene en pie a la película, es la espectacular interpretación de la siempre magnífica Meryl Streep; que cómo hace año tras año, nos demuestra con total convicción que ningún personaje se le resiste, (ya sea acompañado o no de maquillaje) y haciendo creíble al mismo. Provocando a su vez, que los déficits propios de la película, se solventen con su maravillosa interpretación.

Recomiendo la película, a todos aquellos que quieran saber más sobre el gobierno de esta mujer, que cambió la forma de vida de los ingleses. Aunque el público joven no se vea atraído por estos temas, debido a lo mejor a su lejanía. Sin embargo, con sólo ver a la Meryl Streep actuando, la película en sí; merece la pena; ya que encumbra una gran actuación. Pero si usted no es de ir al cine a ver películas por el actor; sólo decir, que este actriz, está sublime en otras mejores películas.

Calificación personal: 5.7

La vida de los otros (2006)

• Dirección y guión: Florian Henckel von Donnersmarck.
• Año: 2006.
• Género: Drama.
• Interpretación: Martina Gedeck, Ulrich Mühe, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Herbert Knaup.
• Producción: Quirin Berg y Max Wiedemann.
• Música: Gabriel Yared y Stéphane Moucha.
• Fotografía: Hagen Bogdanski.
• Montaje: Patricia Rommel.
• Dirección artística: Silke Buhr.
• Vestuario: Gabriele Binder.

SINOPSIS

El capitán Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) es un oficial extremadamente competente de la Stasi, la todopoderosa policía secreta del régimen comunista de la antigua República Democrática Alemana. Pero, cuando en 1984 le encomiendan que espíe a la pareja formada por el prestigioso escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) y la popular actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck), no sabe hasta qué punto esa misión va a influir en su propia vida.

CRÍTICA

Cada vez que se estrena una película de cine europeo, recibe elogios y alabanzas, debido a su fiel retrato sobre la realidad y por su cuidado y esmerado guión; el cual siempre aborda diferentes temas desde distintos puntos de vista.

Estos aspectos se reflejan a la perfección en La vida de los otros, donde el director (que a la vez es el guionista) retrata con sumo detalle la vida en la Alemania comunista y cómo cada uno de los personajes, de alguna que otra forma se sienten prisioneros no sólo en el país donde viven; sino también de sus verdaderas emociones y sentimientos. Refleja a la perfección como, a través de las persecuciones que llevaba a cabo la Stasi provocando que las personas no fueran capaces de reconocerse a sí mismas y verse encerrados en una vida donde sus sueños se iban difuminando en el olvido.

Pero a pesar de todo esto, los distintos personajes llegaban a reflejar una halo de bondad. Eso ocurre por ejemplo con el comandante de la Stasi ante su obsesión de la lealtad y perseguir a todo aquel que no comulgase con los ideales comunistas, acaba viendo como los protagonistas necesitan desesperadamente que su vida de un cambio y que puedan vivir sin miedo a ningún tipo de repesalia y que más allá de los ideales está el respeto a la libertad de expresión; pero sobre todo a la vida humana.

En cuanto a detalles sobre la ficha técnica, para el espectador, el reparto será desconocido pero destacando que son un gran elenco de actores; y que a nivel europeo son muy relevantes y solicitados en diferentes países. El director, después de triunfar en los Oscar de 2006 recogiendo el Oscar a la mejor película de habla no inglesa; llevó a cabo el remake de la gran película francesa El secreto de Anthony Zimmer, llamado The Tourist (el cual fue un auténtico bodrio); del reparto destacar que la protagonista fue la encantadora cocinera de Deliciosa Martha, el escritor frustado trabajó en la película Sin identidad de Jaume Collet-Serra.

Como pequeño detalle morboso, el actor Ulrich Mühe fue hallado muerto en su domicilio después de regresar a Alemania tras la gala de los Oscar.

Por último decir, que recomiendo a todo el mundo que vea esta fantástica película que no dejará indiferente a nadie, y donde apreciará una buena película europea; pudiendo ver que posee un guión sólido, que no es aburrida y que no es monótona ni pesada. Por lo tanto, si la ven, que la disfruten.

Calificación personal: 8

En el valle de Elah (2007)

• Dirección: Paul Haggis.
• Año: 2007.
• Género: Drama, thriller.
• Interpretación: Tommy Lee Jones, Charlize Theron, Frances Fisher, Susan Sarandon, James Franco, Jonathan Tucker, Jason Patric, Josh Brolin , Wes Chatham , Jake McLaughlin, Mehcad Brooks.
• Guión: Paul Haggis; basado en un argumento de Paul Haggis y Mark Boal.
• Producción: Paul Haggis, Patrick Wachsberger, Steven Samuels, Darlene Caamaño Loquet y Laurence Becsey.
• Música: Mark Isham.
• Fotografía: Roger Deakins.
• Montaje: Jo Francis.
• Diseño de producción: Laurence Bennett.
• Vestuario: Lisa Jensen.

SINOPSIS

Hank Deerfield (Tommy Lee Jones), veterano de guerra americano, debe investigar la desaparición de su hijo Mike, soldado destinado en Iraq que se ausenta sin permiso de su base. Con la ayuda de la detective Emily Sanders (Charlize Theron) y de su mujer (Susan Sarandon), irá reviviendo las experiencias del muchacho en Iraq. Lo que descubre le hará incluso cuestionarse su propia carrera militar.

CRITICA

Una vez más, otra película que realza los valores patrióticos de los americanos y la crudeza de la guerra y las consecuencias que de ella derivan en los soldados que regresan (o no) unido a los trastornos que se generan en la propia familia.
Tema que se aborda de manera excepcional en la película, aunque en la mayoría de la película el espectador pretenda, que la película le pueda mostrar un poco más a fondo, el dolor que se produce al volver de la guerra.

Aunque el espectador vea que es otra película más sobre la guerra de Irak, no va mal desencaminado, aunque su objetivo no es mostrar la guerra como tal, sino sus consecuencias y como el ser humano puede llegar a sufrir una transformación tan atroz, que no sea capaz de reconocerse a sí mismo y no puede buscar ayuda ni consuelo en ninguna parte.
Llegados a un punto de la película, vemos que muestra ese dolor (a través de la historia del soldado desaparecido) pero siendo necesaria la profundización en el mismo tema, que muchas veces queda muy confuso y difuso sin saber a que punto se pretende llegar.

Eso muchas veces se suple, con el semblante de los personajes, los cuales pretenden mostrar cada uno a su manera, como siente su propio dolor o como lo ve reflejado en la cara de los demás, muchas veces llegando a una espiral de autodestrucción (como se ve en un soldado) donde su única escapatoria es la muerte; para poder así tener la conciencia tranquila.

En cuanto a la ficha técnica, destacar al director Paul Haggis que (como ya se mencionó en otra película de este blog), sorprende con cada película que realiza, a pesar de que este film en concreto flojea en la profundidad del guión, siempre sabe tocar la fibra sensible (de alguna manera) del espectador, acompañada de una lágrima.
Con respecto al reparto, como hacen siempre, hacen interpretaciones magistrales en las cuales demuestran su calidad que va mejorando con el paso del tiempo, o que se afianza. Es el caso de Susan Sarandon, que nos brinda una interpretación (aunque breve) grandiosa de madre sufridora, Tomy Lee Jones hace lo propio pero sin exteriorizar sus sentimientos y Charlize Theron, que en cada interpretación se identifica con el personaje. Amén de un gran elenco de actores secundarios, que siempre destacan por sus importantes interpretaciones (James Franco, Jason Patric, Josh Brolin...).

Película no demasiado importante para recomendar, pero si el espectador quiere ver el tema de la guerra desde otro punto de vista, sería una decisión acertada, aunque se quedaría con ganas de más y de que ahondase un poco más en el argumento.

Calificación personal: 5.8

Diamante de sangre (2006)

• Dirección: Edward Zwick.
• Año: 2006.
• Género: Drama, acción.
• Interpretación: Leonardo DiCaprio, Jennifer Connelly, Djimon Hounsou, Michael Sheen, Arnold Vosloo , Kagiso Kuypers, David Harewood, Basil Wallace , Jimi Mistry , Anthony Coleman, Benu Mabhena.
• Guión: Charles Leavitt; basado en un argumento de Charles Leavitt y C. Gaby Mitchell.
• Producción: Paula Weinstein, Edward Zwick, Marshall Herskovitz, Graham King y Gillian Gorfil.
• Música: James Newton Howard.
• Fotografía: Eduardo Serra.
• Montaje: Steven Rosenblum.
• Diseño de producción: Dan Weil.
• Vestuario: Ngila Dickson.

SINOPSIS

Historia sobre el tráfico ilegal de diamantes. En 1999, Sierra Leona vive una terrible guerra civil. Un contrabandista (DiCaprio) especializado en la venta de piedras preciosas, cuyos beneficios sirven para financiar tanto a los rebeldes como al gobierno, conoce a un pescador nativo (Djimon Hounsou) que enterró un enorme diamante cuando trabajaba como esclavo para los rebeldes.

CRITICA

Una vez, película que nos muestra una historia desgarradora de ese continente olvidado llamado África, en concreto en un acontecimiento que sucedió que fue la guerra civil de Sierra Leona, donde se cometieron verdaderas atrocidades; y hacia donde el resto del mundo no quería mirar porque veían sus intereses económicos atacados.

Si nos metemos un poco más a fondo en los problemas trascendentales de la película, podemos ver que ese tema no está muy alejado de nuestra realidad hoy en día, ya que continuamente se nos informa sobre el continente africano, pero miramos a nivel mundial hacia otro lado porque nos atormenta lo que allí acontece y por eso nos negamos ante la evidencia de los echos. Pero tampoco podemos culparnos a los países mundiales, porque el gobierno de los propios países africanos hacen la vista gorda pidiendo ayuda internacional para luego quedarse ellos con el dinero que el resto del mundo les aporta.

Intentaré no meterme en temas de políticas, ya que se desvía de nuestro tema (el cual intentamos abordar) que es que Hollywood (cómo viene haciendo en los últimos años), realiza películas de concienciación social para que el resto de la gente que vaya a ver la película se sienta culpable por las tragedias que ocurren a su alrededor. Pero el espectador debe saber, que no debe de ser Hollywood que le inculque esa concienciación social; y que muchas veces ésta misma industria (y otras muchas) mueven cantindades ingentes de dinero y que muchas veces es el propio ciudadano de a pie, más que las personas con mayor poder adquisitivo las que intentamos contribuir de manera positiva a la sociedad.
Y que el poder, la codicia, la ambición es posible aunque sea a costa de los demás, destruyendo todo lo que hay a tu paso y sin remordimientos; rebajando al ser humano a lo peor de su naturaleza.

En cuanto a la ficha artística, vemos que el reparto es conocido por el espectadro, destacando sobre todo el papel de Leonardo DiCaprio, en el cual nos demuestra desde hace unos años, que ya no es ese niño inmaduro que hizo Titanic; y cuyo registro se ha ido ampliando desmostrando que es un buen actor y uno de los mejores de los últimos años. También destacar el papel de Djimon Hounsou, que a pesar de ser siempre un actor secundario, siempre resalta como si fuera un actor principal. Mencionando además sus merecidas nominaciones a los Oscar, ya que la música y la fotografía merecen también una destacada mención.

Para resumir, tendría mucho que comentar al respecto del tema tratado por la película sobre los diamantes, los niños soldados y los conflictos en el continente africano; pero recordándole al espectador que no es más feliz el que más tiene, sino el que menos necesita; y con lo poco que se da; muchas veces se consigue mucho. Devuelto con una gran sonrisa.

Calificación personal: 7.3

El expreso de medianoche (1978)

• Año: 1978
• Género: Drama
• Director: Alan Parker
• Reparto: Brad Davis, John Hurt, Bo Hopkins, Irene Miracle, Randy Quaid, Paolo Bonacelli
• Guión: Oliver Stone
• Música: Giorgo Moroder
• Productor: David Puttnam
• Fotografía: Michael Seresin
• Montaje: Gerry Hambling
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

Billy Hayes (Brad Davis), un joven estadounidense, es detenido en el aeropuerto de Estambul cuando se dispone a subir a un avión con varios paquetes de hachís. Acusado de uno de los delitos más graves en Turquía, Billy es condenado a cuatro años de cárcel, donde sufrirá terribles penalidades en un sistema penal brutal e inhumano.

CRITICA

Película sobrecogedora, que muestra de una forma bastante fiel a la novela con el mismo nombre, el trato que reciben delicuenttes extranjeros en las cárceles de oriente; mostrando sin ningún tipo de tapujos las continuas vejaciones a las que son sometidas los presos (conduciendo a más de uno a la locura).

Es la primera vez, que en mucho tiempo veo una película en la cual, el protagonista, al haber cometido un delito (en este caso tráfico de marihuana), muestra la clara disitinción entre los presos según el caso que les haya imputado; dando más relevancia a aquellos que han traficado o robado, en vez a aquellos que han cometido otro crimen de mayor calibre (abusos sexuales o asesinato).
A pesar de que el protagonista, tuviera merecido la cárcel (por unos cuantos años) por tráfico de drogas; se observa que, da igual el crimen cometido o la crudeza del mismo; ya que muestra que los presos son basura y que su condición humana se esfumó en el momento en el que ellos cometieron el acto delictivo.

A pesar de todo, tengo que decir que en general, la película es bastante impactante (desde su banda sonora hasta las localizaciones) ya que deja al espectador un poco confuso debido, a que no sabe si apoyar la condena impuesta al preso o apoyar al propio preso debido al trato que está recibiendo, llevándole al borde de la locura y de la desesperación.

Decir también, que todo el elenco de actores hace un papel muy importante y relevante, ya que cada uno de ellos transmite su correspondiente sensación (comprensión, pena, asco...) que se mantiene a lo largo de la película. Eso sí, todo esto apoyado en un firme guión del impecable Oliver Stone (sigo sin entender porqué últimamente hace filmes tan desastrosos) basado eso sí, en la autobiografía del personaje. También querría recalcar, la gran banda sonora que acompaña a cada imagen y a cada situación; amén del paisaje y de la excelente fotografía, todo eso unido a un imponente decorado.

Diría mucho más acerca de esta película, pero lo más recomendable sería que, se leyesen la autobiografía de Bill Hayes o bien que vean la película para que puedan ser críticos desde su punto de vista y reflexionar sobre, si de verdad se comete un crimen; es necesario maltratar a las personas, o en general, si cualquier atrocidad contra el ser humano está justificada.

Calificación personal: 7.8

The Artist (2011)

• Película: The artist.
•  Dirección:  Michel Hazanavicius
•  Guion: Michel Hazanavicius.
• Año: 2011.
•  Género: Drama, comedia, romance
• .Interpretación: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman , James Cromwell, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell, Ed Lauter.
• Producción: Thomas Langmann y Emmanuel Montamat.
•  Música: Ludovic Bource
• .Fotografía en blanco y negro: Guillaume Schiffman. 
• Montaje: Anne-Sophie Bion y Michel Hazanavicius.
•  Diseño de producción: Laurence Bennett.
•  Vestuario: Mark Bridges. 
• Distribuidora: Alta Classics

SINOPSIS

Hollywood, 1927. George Valentin es un célebre actor del cine mudo al que todo le sonríe, pero la llegada del cine sonoro marca el final de su carrera y le lleva a caer en el olvido, mientras la joven extra Peppy Miller empieza a ser propulsada hacia el firmamento de las estrellas.

CRITICA

Impresionante película que rinde un gran homenaje a las grandes películas y grandes actores del cine mudo, rememorando lo que hizo grande el cine de verdad y de calidad. Pero en este caso el mérito no hay que dárselo a Hollywood, sino al gran cine europeo (en este caso el francés).

Es totalmente fascinante, increíble y fiel al gran estilo del cine mudo, que se ve reflejado de manera impresionante; acompañada por una excelente fotografía en blanco y negro, una música espectacular. Acompañada de un firme guión, una gran historia y unas excelentes interpretaciones que hace que el espectador no se pierda en un solo momento y que; a pesar de ser una película muda, es bastante dinámica y con una frescura que se adapta a la perfección a las muy diversas películas y técnicas que se utilizan en el cine hoy día.

Al principio, el espectador puede mostrar cierta reticencia sobre el echo de que sea una película muda y que no encaja en esta época en la que todas las películas se hacen con espectaculares efectos especiales; pero la verdad, es que esta caída al vacío por parte del director que ha resultado ser su gran paracaídas, donde minuto a minuto mantiene al espectador con ganas de saber que va a pasar y como la música acompaña a cada imagen y a las expresiones faciales de los actores.

A pesar de que los actores son desconocidos para aquellas personas que no ven cine europeo, los actores  merecen una dedicada mención, ya que sus interpretaciones son magistrales, porque no hace falta que la película fuera sonora; porque sin necesidad del sonido los actores transmiten a la perfección mediante sus gestos (y acompañados con una excelente banda sonora); haciendo una composición totalmente creíble y muy compleja y demostrando una completa compenetración entre ambos.

También hay que destacar (de manera secundaria), al acompañante canino del protagonista que da su toque cómico y servicial por parte del mismo.

Para resumir, ésta fantástica película cuenta con seis nominaciones a los globos de oro de este año (muy merecidos por supuesto); y que como siempre ocurre, los actores conseguirán una gran fama internacional y Hollywood captará la atención de los mismos. Siendo como siempre de gran valía los actores europeos cada vez en alza.

Por supuesto, hay que destacar el gran papel del director (a la vez es guionista y montador) que hace una composición onírica de las mejores películas de todos los tiempos.

Calificación personal: 9