Furiosa (2024)

 

• Título original: Furiosa: A Mad Max Saga
• Año: 2024
• Género: Acción
• Dirección: George Miller
• Intérpretes: Chris Hemsworth, Anya Taylor-Joy, Tom Burke, Angus Sampson, Elsa Pataky, Nathan Jones, Daniel Webber.
• Guión: Nick Lathorious, George Miller
• Música: Junkie XL
• Fotografía: Simon Duggan
• Vestuario: Jenny Beavan
• Montaje: Eliot Knapman, Margaret Sixel
• Productora: Kennedy Miller Mitchell, Village Roadshow Pictures

SINOPSIS

Tras la caída del mundo, la joven Furiosa es arrebatada de "Lugar Verde de Muchas Madres" y cae en manos de Dementus (Chris Hemsworth) y por el camino se topa con la Ciudadela presidida por Inmortal Joe. En este camino, Furiosa debe de sobrevivir para poder regresar a su hogar.

CRITICA

Creo que todo espectador que haya visto alguna de las películas de la saga de Mad Max, sabe a la perfección que esta es la precuela de la película del año 2015 titulada Mad Max: Furia en la carretera, en la cual se presentaba al personaje de Furiosa y que, con esta película, se pretende que el espectador conozca los orígenes de dicho personaje y, como es lógico, era poco probable que apareciesen en el elenco tanto Tom Hardy como Charlize Theron.

Como todo personaje que se ha introducido en una franquicia, es necesario hacerle una introducción para ver sus orígenes como ocurre con Furiosa. Provocando que desde el principio ver en acción a la protagonista en esta película apocalíptica pero, lo que se puede encontrar el espectador es todo lo contrario puesto que, los primeros treinta minutos de la película es más una introducción de todo lo que rodea a la propia Furiosa en lugar de ver un profunda transformación. Lo que puede resultar un tanto chocante ya que tenía todos los antecedentes para estar alineada con su predecesora en cuento a persecuciones ultraviolentas, explosiones de gran magnitud y un rimo electrizante que, hay elementos que han fallado en su desarrollo para que esté a la altura de su predecesora.

A pesar de los esfuerzos por intentar que el espectador esté expectante ante el desarrollo de la trama, va perdiendo gas a medida que va avanzando. Si que es cierto que hay que destacar que toda la estética y las escenas de acción mantienen ciertos interés en toda la trama. Así como la interpretación de Chris Hemsworth que ayuda a verle más allá de Thor.

Calificación personal: 6

Venom: Habrá matanza (2021)

 

• Título original: Let there be Carnage
• Año: 2021
• Género: Cómics, acción
• Dirección: Andy Serkis
• Intérpretes: Tom Hardy, Woody Harrelson, Stephen Graham, Michelle Williams, Naomi Harris, Reid Scott, Peggy Lu.
• Guión: Kelly Marcel
• Música: Marco Beltrami
• Fotografía: Robert Richardson
• Montaje: Maryann Brandon, Stan Salfass
• Productora: Sony Pictures, Marvel Entertainment, Pascal Pictures

SINOPSIS

Eddie Brock (Tom Hardy) sigue sin levantar cabeza tras lo acontecido con Venom, el simbionte con el que comparte su cuerpo y del que las autoridades desconocen su existencia. En un intento de levantar su carrera periodística, visita a Cletus Kasady (Woody Harrelson) al que le quiere contar toda su historia antes de ser condenado a muerte. Pero, la situación se volverá en contra de Eddie.

CRITICA

Tras un periodo bastante extenso en el que he tenido que pausar parte de mis críticas, he conseguido retomarlas de nuevo. En este caso lo hago con la secuela de Venom, en la cual conocimos al personaje de Eddie Brock y la aparición del simbionte conocido con el mismo nombre. Como suele siempre ocurrir en Hollywood, cuando un personaje tiene una buena recepción, se decide explotar al mismo hasta la extenuación. En este caso, da como resultado esta segunda parte que es bastante aburrida y sin sentido con respecto a la primera.

En un intento por sacarle partido, esta secuela sigue parte de la estela de la primera en todo lo relacionado con el simbionte y con Eddie Brock en relación a ese humor negro-ácido que ha funcionado en la primera y que resulta repetitivo en esta segunda entrega. Por otro lado, introducir al personajes de Matanza de una forma un tanto histriónica, no termina por darle una cierta consistencia a la trama para poder salvar a la película.

Al final parece ser un film más enfocado en dos colegas que se reencuentran y tienen cuentas pendientes, sin llegar a darle más protagonismo a Matanza (interpretado por Woody Harrelson) y que realmente toda la trama se sigue enfocando en esa relación codependiente entre Eddie y Venom. Esperemos que con Venom: El último baile, sepan hacer un buen cierre de un villano mítico de la factoría de Marvel.

Calificación personal: 4

Educando a Rita (1983)

 

• Título original: Educating Rita
• Año: 1983
• Género: Drama
• Dirección: Lewis Gilbert
• Intérpretes: Michael Caine, Julie Walters, Michael Williams, Dearbhala Molloy, Jeananne Crowly, Malcom Douglas, Maureen Lipman, Philip Hurdwood.
• Guión: Willy Russell
• Música: Stephen Gilbert, David Hentschel
• Fotografía: Frank Watts
• Montaje: Josie McAvin
• Productora: Acorn Pictures, Columbia Pictures

SINOPSIS

Susan White (Julie Walters), que se hace llamar Rita, decide estudiar en la universidad. Para ello le asignan a un Frank (Michael Caine) un hombre ido a menos debido a su dependencia al alcohol. Aunque acepta a regañadientes, se convertirán en una pareja peculiar, ya que ambos se replantearán sus vidas y el rumbo que quieren tomar.

CRITICA

Creo que nunca he escondido que el cine europeo es uno de los mejores ya que es capaz de abarcar diferentes temática. Incluso aquellas que resultan un poco más peliagudas. Aunque no lo parezca, muchos de los actores y actrices británicas trabajan en Hollywood pero, sacan su mejor versión en papeles de su país de origen. Esta pequeña introducción la hago sobre todo porque, muy pocas veces he visto una película (o al menos no lo recuerdo) que trate el querer aprender y la educación.

Por un lado, es una crítica (de una forma un poco más novelada) la diferencia cultural entre aquellas personas que no tienen estudios y aquellas que si los tienen aunque, muchas veces solo hay una pequeña línea que realmente los separa porque, realmente tener muchos estudios no te hace ser una persona educada y, ser una persona con pocos estudios te hace ser una persona más educada. en este caso, Rita (interpretada por una grandísima Julie Walters) es una peluquera de un barrio londinense y se da cuenta de que las conversaciones de sus clientas no son profundas y se replantearse parte de su vida y decide estudiar para poder acceder a la universidad. A medida que va pasando el tiempo, Rita va adquiriendo conocimientos y mejorando su dicción. Esto provoca que su entrono más cercano no esté de acuerdo con esta nueva perspectiva que está tomando Rita ya que, parece que se avergüenza de su vida. Todo lo contrario: solo quiere ser alguien mejor sin despreciar de donde viene, ya que se sigue un tiempo trabajando como peluquera y luego como camarera.

En el otro lado tenemos a su profesor (interpretado por Michael Caine) que a pesar de ser una persona muy docta en literatura, se siente muy infeliz y bebiendo a todas horas (es decir, es alcohólico) y que no se siente realizado hasta que conocer a Rita, que le permite reavivar su amor por la literatura y, porque también ve a Rita a alguien natural, sin ningún tipo de artificios. Ya que sus círculos cercanos viven todos de las apariencias.

Dentro de lo cabe (ya que el guión flojea bastante), muestra otro aspecto de la sociedad en donde la educación es un factor muy importante en el crecimiento de una persona y como ser un individuo con capacidad para pensar y razonar dentro de esta jungla a la que llamamos sociedad. Porque, como bien decía la ilustres escritora Iris Murdoch: "La educación puede ser el medio que nos permite descubrir que somos felices, nos abre los ojos, nos dice donde hay placeres ocultos, nos muestra que tan solo hay una libertad que tiene verdadera importancia: la de la mente". Con esto, queda todo dicho el destacar la buena educación para tener ideas propias.

Calificación personal: 7

Esta tierra es mía (1943)

 

• Título original: This land is mine
• Año: 1943
• Género: Drama
• Dirección: Jean Renoir
• Intérpretes: Charles Laughton, Maureen O'Haara, George Sanders, Walter Slezak, Kent Smith, Una O'Connor, Philip Merivale, Thurston Hall, George Coulorious.
• Guión: Jean Reonoir y Dudley Nichols.
• Música: Lothar Perl
• Fotografía: Frnak Redman
• Montaje: Frederic Knudtson
• Productora: RKO Pictures

SINOPSIS

Albert Lory (Charles Laughton) es un profesor en un colegio en una pequeña población de Francia. Es bastante tímido, bastante cobarde y que está enamorado en secreto de su compañera Louise (Maureen O'Haara), la cual intenta impedir la opresión de los alemanes. cuando Albert es acusado injustamente de asesinato, sacará a la luz lo que siente realmente y cuales son sus ideas.

CRITICA

La Segunda Guerra Mundial fue un acontecimiento que sacudió al mundo entero y, durante los años que duró el conflicto (e incluso un par de décadas después), mediante el cine se reivindicaba la libertad que no se había tenido. Con la película Esta tierra es mía, reivindica sobre todo la libertad de expresión, la libertad de prensa y la libertad cultural.

Estos elementos se ven claramente reflejados en los personajes que van apareciendo a lo largo de la película, sobre todo en el personaje de Albert Lory (interpretado por magnífico Charles Laughton) cuya vida siempre ha estado dictada y/o controlado por su madre y que parece que nunca ha tenido capacidad de elección viviendo con su progenitora y que, se ha ido extendiendo aún más con la llegada del ejército nazi a Francia. Ese contrapunto lo tendrá su compañera profesional Louise (interpretada por Maureen O'Haara) que lucha contra la injusticia.

A lo largo de esta película se observa la evolución de los personajes pero especialmente el de Albert. Puesto que de una forma bastante clara refleja como es una persona invadida por el miedo, la incertidumbre e incluso que no se tiene aprecio por si misma: una persona con aplomo. Por lo que, su evolución refleja de una forma muy clara que hay que intentar las cosas, trabajarlas y lucharlas para tener la sensación de que no se ha fracasado sino que al menos, se ha intentado. La forma de reflejar esa valentía, es el alegato final que hace Albert (no se hace spoiler) sobre la libertad: "Todos los hombres nacen libres y permanecen libres". Extraído de la Declaración de Derecho Humanos. Lo que nos lleva a la conclusión de que, por mucho que queramos cumplirlo, el ser humano es tan hipócrita que prefiere dinamitar esa libertad. Por lo que el hombre no será libre al cien por cien.

Calificación personal: 8

La envidiosa (1950)

 

• Título original: Harriet Craig
• Año: 1950
• Género: Drama
• Dirección: Vincent Sherman
• Intérpretes: Joan Crawford, Wendell Corey, Lucile Watson, Allyn Joslyn, William Bishop, K.T. Stevens.
• Guión: Anne Froelich, James Gunn
• Música: George Dunning
• Fotografía: Joseph Walker
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

Harriet Craig (Joan Crawford) es una mujer fría y calculadora que vive en su mundo en el que quiere proteger su casa y a su marido (Wendell Corey). Cuando su estabilidad puede verse tambaleada por un cambio en su hogar, decide probar una artimaña para evitar esa situación.

CRITICA

Con el paso del tiempo, cada vez que he visto una película de Joan Crawford me ha producido una cosa: angustia vital. Representa a una mujer perfeccionista, neurótica, con inclinación a la falsedad y a la mentira; creando un mundo que en realidad no existe, provocando que incluso las personas de su alrededor se cuestionen incluso su propia realidad.

La imagen que muestra Harriet (Joan Crawford) es una mujer entregada a su marido y a su casa, por lo que intenta evitar a toda costa que las personas que entran de alguna forma en su vida no alteren mucho su estilo de vida y que no se relacionen con su marido. Por ello, cada vez que encuentra una situación "peculiar", genera una mentira para hacer sentir mal a otras personas y que ella sea la víctima real de todo lo que ocurre.

Generando esta tremenda confusión, Harriet trata mal a aquellos a los que están cerca de ella porque es capaz de pensar de que perderá todos sus privilegios ya que, como ella ha sufrido injurias y una vida penosa junto a su madre, devuelve mal por mal ya que de alguna forma, el mundo le debe un favor.

La historia lleva un ritmo vertiginoso y dinámico, provocando que el espectador no pierda la mirada en Joan Crawford que hace suya la escena y también la propias historia (puesto a que la actriz venía también de un ambiente muy turbio: padre alcohólico, abandono familiar, trabajar en sitios de mala muerte). Además del vestuario. Cuando está sola con su marido, toda su vestimenta es más recatada y, cuando llegan invitados sus vestidos son más llamativos dando a entender que hay libertad en su mundo pero lo disimula con el extremo cuidado en todas y cada una de las habitaciones.

Siempre se comenta que la envidia es muy mala (incluso de una forma muy jocosa) pero, con esta película se muestra en cierto modo, como esa palabra es una verdad absoluta y que destruye todo aquello que toca y lo acaba pudriendo todo.

Calificación personal: 9

La caja de música (1989)

 

• Título original: Music Box
• Año: 1989
• Género: Drama
• Dirección: Costa-Gavras
• Intérpretes: Jessica Lange, Armin Mueller-Stahl, Frederic Forrest, Lukas Haas, Donald Moffat, Cheryl Lynn Bruce, Michael Rooker.
• Guión: Joe Eszterhas
• Música: Philippe Sarde
• Fotografía: Patrick Blossier
• Montaje: Joële Van Effenterre
• Productora: Caracolo Pictures, Tristar Pictures

SINOPSIS

Anne Talbot (Jessica Lange) es una prestigiosa abogada de Chicago en la cual ha crecido también a nivel personal junto a su familia. Hasta que un día, llegan noticas de Europa, acusando a su padre Michael Lazlo (Armin Mueller-Stahl) de haber cometido crímenes contra la humanidad en Hungría al haber sido colaborador con los nazis. Cuando el gobierno húngaro solicita su extradición, Anne defenderá a su padre.

CRITICA

Es importante destacar entre una buena película y una obra maestra. Porque, al final, ¿qué es lo que diferencia un aspecto del otro? Simplemente, la capacidad de plasmar una historia que remueva al espectador y que no deje indiferente a nadie; más allá de múltiples aspectos artísticos. Pero, sobre todo, es una historia de denuncia en donde los buenos no son tan buenos y lo malos no son tan malos. Eso es lo que tiene el gran director Costa-Gavras y lo que denuncian sus películas.

Desde mi punto de vista, parece que desde el principio se vaticina realmente lo que va a ocurrir o lo que sucederá al final de la película, pero, lo que realmente importa es todo ese proceso de descubrimiento de los diferentes personajes, los cuales se cuestionan (no de una forma directa) si el camino que están tomando es el correcto y si realmente conocen toda la verdad de la gente que les rodea. Especialmente Anne, que defiende a su padre no solo por el simple hecho de serlo, sino porque piensa que hay grietas en el juicio. Durante todo el transcurso, hay algo que Anne necesita descubrir: la verdad. De esta forma, empieza realmente a preguntarse si su padre es realmente ser quien dice ser.

Este dilema se le plantea directamente al espectador, no solo por hacerle partícipe del juicio contra Michael Lazlo, sino también le hace partícipe para juzgarle y que no pierda un solo detalle sobre su inocencia o su culpabilidad. Este es el efecto que produce la película del director griego Costa-Gavras, el cual siempre ha estado comprometido políticamente a lo largo de toda su vida y es un aspecto que se refleja en todas sus películas. Porque lo que refleja es la criminalidad del ser humano y como muchos de ellos salen indemnes de actos muy aberrantes. Por otro lado, utiliza acontecimientos de la historias para la realización de sus películas. Para La caja de música se basa en el criminal de guerra John Demjanjuk (antiguo miembro de la SS que huyó a Estados Unidos y más tarde se le juzgó de crímenes de lesa humanidad) y de la Revolución húngara de 1956.

Lo que lleva a una conclusión clara es que, si alguien que ha cometido unos crímenes tan atroces si puede realmente rehacer su vida y poder dejar de lado su antigua vida criminal. Si realmente las personas son merecedoras de segundas oportunidades incluso, cuando han cometido actos tan viles. Es un dilema que siempre ha estado y estará en la humanidad, debido a todos lo conflictos bélicos que se han ido sucediendo a lo largo de la historia.

Calificación personal: 9

Wish: El poder de los deseos (2023)

 

• Título original: Wish
• Año: 2023
• Género: Animación
• Dirección: Chris Buck, Fawn Veraasunthorn
• Doblaje original: Chris Pine, Ariana DeBose, Alan Tudyk, Evan Peters, Angelque Cabral, Victor Garber, Natasha Rotwell, Harvey Guillén, Ramy Youssef.
• Guión: Jennifer Lee, Alison Moore
• Música: David Metzger, Matías León
• Montaje: Jeff Draheim
• Productora: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Asha, es una joven de diecisiete años que desea convertirse en la aprendiz del rey de la ciudad de Rosas. Y al no conseguirlo, pide un deseo a las estrellas. Hasta que una de ellas se materializa y ayudará a salvar a la ciudad de Rosas.

CRITICA

Sabemos que muchas veces ni el público ni los críticos hacen justicia con las películas y, cuando pasan bastantes años se van convirtiendo en clásicos de culto o incluso, tienen una mayor popularidad cuando ya han abandonado las salas. Digamos que es un poco lo que le ha pasado a Wish: El poder de los deseos, mediante la cual Disney quería rendir homenaje a sus cien años de historia. Pasó sin pena ni gloria por los cines (siendo un fracaso en taquilla) pero, tras su nominación a los Globos de Oro a mejor película de animación, volvió a cundir la esperanza en esta película.

El guión de la película es bastante sencillo, ya que la idea principal emana de esas primeras historias de Disney en donde el bien siempre triunfa y el mal acaba siendo vencido. Porque como bien refleja la historia hay que luchar por los sueños y deseos, aunque eso nos lleve a veces a encontrarnos piedras en el camino. Es decir, que siempre habrá alguien o algo que quiera impedir que el bien triunfe.

Para poder desarrollar esta premisa, Disney se vale de sus clásicos más famosos para que la historia pueda adquirir su forma. Por ejemplo, los exteriores de la ciudad recuerdan a La Bella Durmiente, los animales del bosque entre Bambi y Los siete enanito, la capa que utiliza Asha (la protagonista) es la de La Cenicienta, la propia estrella recuerda a Peter Pan, el nombre de la ciudad (ciudad de Rosas) a La Bella y la Bestia; y así, de forma interminable sacaríamos mil y una referencias.

Nunca es tarde para recordar la infancia o seguir teniendo ilusiones en la vida por aquello que en parte nos anima a mejorar y a ser una mejor de nosotros mismos. Solo hay que creer y saber que esos sueños luchados, trabajados y esforzados, alguna vez se cumplirán.

Calificación personal: 8

Barbarella (1968)

 

• Dirección: Roger Vadim
• Año: 1968
• Género: Cómics, ciencia ficción
• Intérpretes: Jane Fonda, Ugo Tognazzi, John Philip Law, Anitta Pallenberg, Milo O'Shea, Marcel Marceau, Claude Dauphin, Véronique Vendell, Giancarlo Cobelli.
• Guión: Terry Southern, Roger Vadim
  
• Música: James Campbell, Bob Crewe, Charles Fox, The Glitterhouse
• Fotografía: Claude Renoir
• Vestuario: Paco Rabanne, Jacque Fonteray
• Productora: Dino de Laurentiis, Cinematografica, Marianne Productions

SINOPSIS

Barbarella (Jane Fonda) es un intrépida soldado del espacio que aterriza en un extraño planeta para devolver a un humano a la tierra y así, impedir que use un arma mortal. En la búsqueda, Barbarella descubrirá todo tipo de placeres. peligros y aventuras.

CRITICA

Creo que todo el mundo sabe que el "éxito" de esta película fue básicamente por una persona: Jane Fonda. La cual fue convertida a mito sexual por la intro de los créditos iniciales en los cuales se queda desnuda (un escándalo para aquella época) y eso supuso el mayor atractivo de la película. Más allá de eso, la historia no es muy relevante en lo que se refiere a la trama pero, lo que la salva en mayor medida es la estética futurista poco habitual en los años sesenta (si bien es cierto, que Fritz Lang revolucionó esa estética con Metrópolis en los años veinte).

A medida que la historia va evolucionando se observa que no tiene ni pies ni cabeza en toda su duración. Pero, el simple hecho de ver como se va desarrollando, ver los escenarios, el vestuario, los efectos especiales, las situaciones surrealistas pero sobre todo, ver a la maravillosa Jane Fonda, hace que el espectador pase un rato entretenido.

Realmente es una película surrealista en donde los personajes masculinos no salen bien parados, la erótica de los personajes femeninos se palpan a cada fotograma en las que aparecen (esa tensión entre Anita Pallenberg y Jane Fonda, jugando a esa erótica del poder es maravillosa) y, el momento de la tortura con los pájaros y ver que son periquitos, momento muy hilarante.

Simplemente hay películas que pasan a la historia, no por su elevada carga dramática o por su guión perfectamente escrito, sino por revolucionar una época y un género. Ese fue el efecto que produjo Barbarella y que sigue intacto hoy en día, gracias a una estupenda Jane Fonda.

Calificación personal: 5

El mundo según Garp (1982)

 

• Título original: The world according to Garp
• Año: 1982
• Género: Comedia dramática
• Dirección: George Roy Hill
• Intérpretes: Robin Williams, Glenn Close, John Lithgow, Mary Beth Hurt, Hume Cronyn, Swoosie Kurtz, Peter Michael Goetz, Mark Soper, Jessica Tandy
• Guión: Steve Tesich
• Música: David Shire
• Fotografía: Miroslav Ondricek
• Vestuario: Ann Roth
• Productora: Warner Bros Pictures

SINOPSIS

Jenny (Glenn Close) es una enfermera que decide tener un hijo, por lo que se convierte en madre soltera. Su hijo, T.S. Garp (Robin Williams) vive gran parte de su vida bajo la sombra de su madre y de los éxitos de esta. Por lo que intentará dar un giro a su vida.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he comentado en mi blog que, cuando se habla de una película al final pica tanto la curiosidad que se termina por ver. Pero, cuando llega el momento, suele decepcionar bastante. Que es lo que me ha pasado con El mundo según Garp en la cual, sigo intentando averiguar de que es lo que trata realmente y que pretende transmitir.

La premisa de la que parte es vida que va teniendo Garp a medida que va creciendo y como está siempre bajo la sombra de su madre, ya que ésta se convierte en una defensora de la moral pero a la vez es un emblema dentro del feminismo (lo que choca bastante y resulta contradictorio). En toda la evolución del personaje resulta un poco infantil. Al final lo que pretende hacer es una radiografía de los nuevos valores familiares que se estaban instaurando ya por aquel entonces. Dichos valores abarcaban desde la crianza de una madre soltera, la aparición del feminismo y la libertad sexual.

A lo largo de todo el metraje, va divagando en los temas ya mencionados y en otros tantos intentando abordarlos de forma cómica a la par que trágica pero no alcanza el cenit en ningún caso. Ya que los personajes llegan a caer un poco en la caricatura. Por desgracia, no es una película que llame especialmente la atención, sobre todo si se quiere ver algún film de los protagonistas, destacando que tienen mejores obras en su filmografía.

Calificación personal: 4.5

Barbie (2023)

 

• Dirección: Greta Gerwig
• Año: 2023
• Género: Comedia
• Intérpretes: Margot Robbie, Ryan Gosling, America Ferrara, Will Ferrell, Kate McKinnon, Michael Cera, Rhea Perlman, Issa Rae, Alexandra Shipp, Scott Evans, Simu Liu, Emma Mackey, Kingsley Ben-Adir, Ncuti Gatwa, Ariana Greenblatt, Helen Mirren
• Guión: Greta Gerwig, Noah Baumbach
• Música: Mark Ronson
• Fotografía: Rodrigo Prieto
• Vestuario: Jacqueline Durran
• Montaje: Nick Houy
• Productora: Lucky Chap Entertainment, Warner Bros Pictures

SINOPSIS

Barbie (Margot Robbie) lleva una vida idílica en Barbieland a pesar de que Ken (Ryan Gosling) está todo el día detrás de ella para ser su novio. A pesar de esa vida soñada, Barbie se pregunta por la muerte, lo que provoca una serie de acontecimientos extraños que la hacer ir en la búsqueda de la verdad

CRITICA

Desde el momento en el que terminé de ver la película y escribir la crítica, se que me van a llover varapalos por todos lados. Primeramente eso si, que una película que no sea una secuela, no esté adscrita a los superhéroes ni sea un reboot, consiguiese llevar a tantos espectadores al cine junto con Oppenheimer (ver crítica en este blog); pero, las expectativas que planteaba se queda muy por debajo de lo que realmente pretende: ser un alegato feminista a través de una muñeca tan icónica.

Se puede decir que la película refleja dos realidades: el mundo de Barbieland en que están todas las Barbies y los Kens y, el mundo real. Cuando ambos confluyen debido a que Barbie estereotipo  (Margot Robbie está sublime en su interpretación) piensa en la muerte y todo se viene abajo. En ese momento se da cuenta de que su mundo no es tan perfecto como pensaba y las implicaciones que tiene el ser extremadamente perfecta que es en lo que primeramente se basó la creación de Babie y a las que todas las niñas se querían parecer cuando simplemente era una muñeca. Esto perfectamente se ve reflejado en el poderoso monólogo que hace la actriz America Ferrera en la película, que resumen lo que es realmente ser mujer:

"Es literalmente imposible ser mujer. Eres tan guapa y tan lista y me revienta que no sepas lo que vales. Siempre tenemos que ser extraordinarias, pero no sé cómo siempre lo hacemos mal.

Tienes que estar delgada, pero no demasiado y no puedes decir “quiero estar delgada”, tienes que decir “quiero estar sana”, pero también tienes que estar delgada. Tienes que tener dinero, pero no puedes pedir dinero porque eso está mal. Tienes que ser jefa, pero no mala. Tienes que liderar, pero no machacar las ideas del otro. Se supone que tiene que encantarte ser madre, pero no puedes hablar todo el día de tus hijos. Tienes que ser profesional, pero también cuidar siempre de otros. Tienes que responder por el mal comportamiento de los hombres y si dices algo te echan en cara que te quejas. Tienes que estar guapa para los hombres, pero no demasiado como para tentarles o para amenazar a otras mujeres, porque debes ser parte de la hermandad. Pero tienes que destacar y estar siempre agradecida. Pero sin olvidar que el sistema está amañado así que debes, aún sabiéndolo, estar agradecida. No puede envejecer, ni ser maleducada, ni fanfarrona, ni egoísta, ni derrumbarte, ni fracasar, ni mostrar miedo, ni salirte de lo establecido. ¡Es demasiado difícil! Es demasiado contradictorio y nadie te da una medalla ni te da las gracias. Y, de hecho, resulta que no sólo lo haces todo mal, sino que además todo es culpa tuya".

Pero, en cuanto al resto de la película hay momentos de sin sentido que no se sabe bien que es lo que quiere tratar realmente. Si quiere hablar del patriarcado, del feminismo, el papel de la mujer, la búsqueda de la propia identidad, de las grande corporaciones, del paso de la niñez a la adolescencia y de ahí a la edad adulta. En definitiva, una mezcolanza que lleva un poco a la confusión y que no se sabe bien, que es lo que pretende conseguir. Si que me gustaría concluir que todo lo referente al vestuario y los decorados, emulan a la perfección esos complementos y accesorios que nos comprábamos.

Calificación personal: 5

¡Quiero vivir! (1958)

 

• Título original: I want to live!
• Año: 1958
• Género: Historias reales
• Dirección: Robert Wise
• Intérpretes: Susan Hayward, Simon Oakland, Virginia Vincent, Theodore Bikel, Wesley Lau, Philip Coolidge, Lou Krugman, James Philbrook.
• Guión: Nelson Gidding, Don Mankiewizc.
• Fotografía: Lionel Lindon
• Música: Johnny Mandel
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Barbara Graham (Susan Hayward) es una prostituta con muy mala reputación. Cuando dos conocidos suyos comenten un crimen, culpan a Barbara de haberles delatado, por lo que la inculpan y es condenada a muerte por medio de la cámara de gas.

CRITICA

La muerte tenía un precio. Si bien es el título de una película, en este caso es aplicable a esta trágica historia de una mujer que, cuando intenta enderezar su vida se ve truncada cuando la acusan de formar parte del asesinato de una anciana. A pesar de reconocer que su vida no ha sido muy recta, Barbara se reafirma en que no ha asesinado a esa anciana. Al encontrarse presa, ve como su vida y el poder salir de prisión se torna bastante complicado.

Desde el principio, nos muestra al espectador la vida de desenfreno que lleva Barbara y, como quiere cambiar su modo de actuar o incluso dejar su pasado atrás. Pero no le va a resultar fácil, sobre todo si no tiene el dinero suficiente como para salir adelante y también, cuidar de su hijo. Por lo que decide tomar caminos poco honrosos (de nuevo) para no vivir en la miseria. Pero, por desgracia termina en la cárcel donde su destino se torna bastante aciago y que, desde mi punto de vista, no tuvo una defensa justa ni legítima.

En cierto modo, con esta película se pretende mostrar al espectador como muchas veces, el sistemas judicial es poco creíble y no se basan en pruebas fehacientes sino en meras especulaciones. Lo que ha llevado a más de una persona a ser condena a pena de muerte cuando realmente no era culpable. Por otro lado, lo que realmente llega poner los pelos de punta es el momento en el que están preparando toda la cámara de gas, con que planos refleja todo ese proceso para que el espectador no se pierda ninguno de los detalles que debe de tener en cuenta con este proceso.

Película altamente recomendable con una espectacular Susan Hayward y que fue predecesora de película como Ejecución inminente o Pena de muerte (ver crítica en este blog) y, que nos haga pensar realmente en que nadie tiene derecho a quitarle la vida a otra persona sea de la forma que sea.

Calificación personal: 8

Los amigos de Peter (1992)

 

• Título original: Peter's friends
• Año: 1992
• Género: Comedia
• Dirección: Kenneth Brannagh
• Intérpretes: Kenneth Brannagh, Emma Thompson, Hugh Laurie, Imelda Staunton, Stephen Fry, Alphonsia Emmanuel, Phyllida Law, Rita Rudner, Alex Lowe.
• Guión: Rita Rudner
• Fotografía: Roger Lanser
• Montaje: Andrew Marcus
• Productora: Film 4 Productions

SINOPSIS

Tras la muerte de su padre, Peter (Stephen Fry) invita a cinco amigos suyos a los que no ve desde hace unos cuantos años. El reencuentro parece perfecto con las vidas de cada uno, pero, a medida que van pasando las horas, todos ellos empiezan a sacar su peor y su mejor versión.

CRITICA

Una de las peculiaridades del cine británico es que está imbuido por la esencia del resto del cine europeo (puesto que el Reino Unido forma parte de Europa y no de la Unión Europea) y tiene elementos muy característicos en cuanto a la estética y a la esencia de mostrarte en una misma película la parte cómica y la parte dramática (sin llegar a ser una dramamedia).

Si bien es cierto que el argumento es interesante puesto que, ninguno de los protagonistas saben por qué Peter (interpretado por Stephen Fry) les ha invitado a pasar los últimos días del año en casa. Llevan unos cuantos años sin verse pero, a pesar de las vidas ajetreadas que llevan deciden verse. Por otro lado, quieren reflejar que llevan una vida más o menos perfecta pero, cuando se juntan los seis amigos, realmente muestran como se encuentran realmente y que todo era un poco mejor cuando trabajaban juntos y se veían más a menudo y que cada uno, observa las carencias que tiene en su vidas.

Todos estos momentos tristes tienen el contrapunto con momentos graciosos pero, a pesar de todo esto no consigue enganchar del todo al espectador ya que los altibajos son tan continuos que provoca la pérdida de atención unido a esa pérdida de chispa británica. Sin embargo, si que quiero destacar el eje central de la película: la amistad. Habla de esas amistades que a pesar de que pase el tiempo, siempre son duraderas, que siempre hay un amigo que hace que el resto del grupo se mantenga unido y que, cada uno se muestre como realmente es y que lo importante que es seguir siendo uno mismo y no renunciar a esas amistades de verdad.

Calificación personal: 5.5

Elemental (2023)

 

• Dirección: Peter Sohn
• Año: 2023
• Género: Animación
• Doblaje original: Leah Lewis, Mamadou Athie, Ronnie del Carmen, Shila Ommi, Wendi McLendon-Covey, Joe Pera, Catherine O'Hara, Matt Yang King
• Guión: Branda Hsueh
• Música: Thomas Newman
• Montaje: Stephen Schaffer
• Productora: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios

SINOPSIS

En Ciudad Elemento conviven agua, tierra, agua y fuego. Candela, una chica de fuego trabaja en la tienda de su padre, que algún día será suya. Hasta que se topa en su camino Nilo, un joven de agua que hará que Candela tenga otra visión del mundo.

CRITICA

Una vez más, Pixar no decepciona. A pesar de que en los últimos 6 años (tirando a la baja) no ha tenido éxitos muy sonados pero, si han conseguido tocar el terreno emocional de la forma que solo el estudio de animación sabe hacer. Destacar (antes de entrar en materia con la crítica) que fue un fracaso injusto de taquilla, a pesar de tener un repunte durante el verano y que, de alguna forma se ha visto recompensada con nominaciones a mejor película de animación en la temporada de premios. 

A pesar de todos los obstáculos que ha tenido que pasar Elemental, sabe jugar a la perfección con ese toque propio de las comedias románticas de los años noventa, los elementos infantiles y tocar aspectos emocionales. Para ello utiliza a los cuatro elementos (aire, fuego, tierra y agua) para crear su propia esencia y dejar un mensaje claro: la diversidad enriquece a la sociedad.

Claramente desde el principio muestra "Ciudad Elemento" en donde conviven los cuatro elementos, eso si, en barrios separados y sobre todo, intentando no entrar en contacto con nadie de fuego, ya que a su paso todo lo destruye. Pero, ¿qué pasa cuando dos "elementos" opuestos se juntan? Pues que ni uno es tan malo ni tampoco tan bueno y que, lo que equilibra esas relaciones amorosas, de amistad, familiares e incluso (se podría decir) entre países es esa diversidad que enriquece al planeta tierra y que, a pesar de esta rica variedad, siempre se antepondrán los prejuicios y las dudas para abrir esa puerta a la que llamamos convivencia. Esto se ve claramente reflejado entre los personajes de Candela (fuego) y de Nilo (agua) puesto que, si ella se acerca le evapora a él y, si él se acerca a ella, la puede terminar por apagar. Lo que es una contradicción en si misma a pesar de que ambos quieren estar juntos. Por otro lado, refleja lo que pueden hacer cada uno de los elementos y todos los beneficios que con eso conlleva y lo que culmina con una reivindicación clara a esa diferencia y diversidad para destruir todos esos prejuicios.

Aunque está muy bien que a través de la cultura se nos recuerden aspectos morales, todavía andamos lejos de esa realidad libre de esos ya mencionados prejuicios y que nos hace desconfiar del ser humano. Pero siempre que haya alguien que luche a favor de esa diversidad y plurarlismo y poder mirar más allá de la persona, esos elementos no serán tan diferentes y podrán unirse sin ningún problema.

Calificación personal: 8

Pobres criaturas (2023)

 

• Título original: Poor things
• Año: 2023
• Género: Comedia fantástica
• Dirección: Yorgos Lanthimos
• Intérpretes: Emma Stone, Willem Dafoe, Mark Ruffalo, Ramy Youssef, Jerrod Carmichael, Christopher Abbott, Kathryn Hunter, Hanna Schygulla, Margaret Qualley, Suzy Bemba.
• Guión: Tony McNamara
• Música: Jerskin Fendrix
• Fotografía: Robbie Ryan
• Montaje: Yorgos Mavropsaridis
• Vestuario: Holly Waddington
• Productora: Film 4 Productions, TSG Entertainment, Element Pictures

SINOPSIS

Bella Baxter (Emma Stone) es una joven revivida por el poco ortodoxo científico Godwin Baxter (Willem Dafoe). Bajo su protección, Godwin no puede evitar el ansia de conocer el mundo por parte de Bella. Lo que hace que la joven conozca el mundo que hay más allá de las cuatro paredes en las que ha vivido una parte de su vida.

CRITICA

Desde mi punto de vista, ni todos los géneros son para todos los gustos, ni tampoco los directores. Sobre todo aquellos que tienen una visión un tanto perturbadora de las personas y de la propia vida. Aunque, a veces esa visión del mundo no es para nada descabellada. Es lo que ocurre un poco con Pobres criaturas, basada en la novela homónima escrita hace treinta años y que es capaz de reflejar la sociedad decante en la que vivimos.

Como le puede ocurrir a muchos espectadores, con lo que se van a quedar cuando han terminado la película es con las abundantes escenas de sexo (las cuales son numerosas) pero, reflejan muchos de los comportamientos de los personajes así como su propia evolución. Empezando por Bella Baxter (brillantemente interpretada por Emma Stone) que muestra a una mujer con una actitud un poco infantil (se descubrirá el por qué de ese comportamiento) de la cual algunos de los personajes masculinos que aparecen intentan aprovecharse de dicho comportamiento para tenerla bajo su control; pero, cuando Bella empieza a "pensar por si misma" y a se consciente de todo lo que hay en el mundo y a su alrededor, empiezan los menosprecios pero que a la par, reflejan como son realmente en su interior.

Es fácil de verlo en el personaje de Godwin Baxter (interpretado por Willem Dafoe) que hace de doctor Frankenstein al crear a Bella y de alguna forma, no errar en la experimentación que hizo su padre con él. Duncan Wedderburn (interpretado por Mark Ruffalo), un hombre mujeriego que atrae a las mujeres para que caigan en sus encantos pero, Bella no lo consigue y el cae rendido ante esa liberación sexual empoderamiento de ella (más que de su propia belleza). Ver también como a través de ese viaje surrealista, victoriano y futurista del mundo, es una visión que tiene Bella de ir adquiriendo una mentalidad más adulta y dejar atrás esa mentalidad infantil. Tomar más consciencia de lo que es la vida, de su propio cuerpo y de ese mundo en el que es necesario que la mujer se reivindique con su total y absoluta libertad.

El resultado es una película perturbadora porque es capaz de ahondar en todo aquello que el ser humano piensa o que en algún momento ha pensado (ya lo demostró el director en otras películas como Canino, Alps o El sacrificio de un ciervo sagrado) pero, no lo ha verbalizado. A veces, el cine hace que el espectador disfrute, pero también, le puede hacer pensar.

Calificación personal: 8

Cualquiera menos tú (2023)

 

• Título original: Anyone but you
• Año: 2023
• Género: Comedia romántica
• Dirección: Will Gluck, 
• Intérpretes: Sydney Sweeney, Glen Powell, Alexandra Shipp, GaTa, Michelle Hurd, Hadley Robinson, Dermot Mulroney, Rachel Griffiths, Darren Barnet, Bryan Brown, Charlee Fraser.
• Guión: Will Gluck, Ilana Wolpert
• Música: Este Haim, Christopher Stracey
• Fotografía: Danny Ruhlmann
• Montaje: Tia Nolan
• Productora: Sony Pictures, Fifty-Fifty Films, RK Films.

SINOPSIS

Bea (Sydney Sweeney) y Ben (Glen Powell) tienen un primer flechazo en una cafetería y, tras pasar una noche juntos, la situación empieza a torcerse entre ambos. Tanto es así, que terminan odiándose y tienen que fingir que son pareja en una boda a la  que ambos han sido invitados.

CRITICA

¡Por fin puedo decir que una comedia romántica es buena! No creo que Cualquiera menos tú sea el descubrimiento del año en este género, pero si que puedo pensar que es la película que puede revitalizar este género. Desde mi punto de vista, se estaba muriendo poco a poco y necesitaba aparecer una película que lo sacase a flote y, puede ser el comienzo de una bonita amistad.

A pesar que desde el principio refleja el tópico del enamoramiento de este género, a los quince minutos de haber empezado la película, lo derriba por completo. Es decir, esa primera chispa que sienten entre los dos protagonistas se convierte en odio cuando ambos se empiezan a odiar por haber pensado que el otro y/o otra pasaba olímpicamente. Hasta que, por una situación inesperada, se van encontrando de manera casi continua en donde su odio no para de crecer. Todo ese odio se refleja bastante bien en el tira y afloja de insultos y situaciones cómicas que provocan bastante el interés del espectador.

A medida que aparecen los momentos cómicos y los insultos, aparecen las inseguridades de ambos que muchas veces se ven marcadas por los aspectos familiares, el entorno o la sociedad que les hace no tener cierta libertad. Y creo, que el espectador se hace una idea de como acaba la película porque, a pesar de ser una comedia romántica sin una historia profunda, lo que tiene que genera es interés y entretenimiento. Y lo consigue bastante bien. Esperemos que las próximas comedias románticas vayan mejorando progresivamente y no sean el tostón de antaño.

Calificación personal: 8

El color púrpura (1985)

 

• Título original: The color purple
• Año: 1985
• Género: Drama
• Dirección: Steven Spielberg
• Intérpretes: Whoopi Goldberg, Danny Glover, Oprah Winfrey, Margaret Avery, Willard E. Pugh, Laurence Fishburne, Akosua Busia, Desreta Jackson, Adolph Ceaser.
• Guión: Menno Meyjes
• Música: Quincy Jones
• Fotografía: Allen Daviau
• Montaje: Michael Kahn
• Productora: Amblin Entertainment, Warner Bros.

SINOPSIS

Celie (Whoopi Goldberg) tras haber sido violada por su padre y haberse visto obligada a dar a sus hijos en adopción, se casa con Albert Johnson (Danny Glover), el cual la maltrata de forma continua. Celie sobrevivirá con la esperanza de volver a reencontrarse con su hermana Nettie.

CRITICA

Llevaba bastantes años deseando ver esta película y, ya lo he conseguido. La verdad es que a pesar de haber oído hablar de ella durante mucho tiempo y no me ha decepcionado en absoluto, ya que mostraba no solo la vida de los negros en una época en donde el racismo estaba en un punto culmen, sino también la vejación y la desdicha que sufrían las mujeres de color.

A pesar de su extensa duración y estar basada en la novela de Alice Walker que publicó en el año 1982, no está exenta de polémica por alguno de los temas que va tratando a lo largo de la película. Uno de esos elementos es la violencia y el desprecio del hombre hacia la mujer y como debe de ser su esclava para todos y cada uno de los aspectos domésticos y, para evitar que la mujer sufra no puede ceder ni un ápice, sobre todo en el periodo en el que se desarrolla la historia, en la cual la esclavitud está recién abolida y a los negros se les mira con lupa.

Esta violencia es la que establecerá la columna vertebral de toda la película en todos y cada uno de los personajes, como una forma de manifestar que, esa opresión a la que estuvo reprimida la raza negra, se pone de manifiesto y en contra de las mujeres. Por otro lado, el personaje de Celie (el mejor papel que ha interpretado Whoopi Goldberg) nos muestra que el problema no está en la familia, sino en como está instituida la misma. Es decir, de una forma muy clara se ve como Celie y Nettie tienen una hermosa relación pero, entre Celie y su esposo o incluso con padrastro, es mala, no por culpa de ella; sino por como la usan y el concepto que tienen sobre la mujer. Ese concepto se ve totalmente desvirtuado con la aparición de Sofía (extraordinaria Oprha Winfrey) y de Shug Avery, dos mujeres que deciden reivindicarse como mujeres y que no se van a someter a los roles de la sociedad y, como su propia comunidad las dan de lado y es la propia Celie, las que las "rescata", aunque ella también es "rescatada" por estas dos mujeres.

Al final, lo que muestran estas tres mujeres es el cariño y afecto que son capaces de ver y dar a pesar de sus penurias. Esto hace que el final sea el que se merece y refleja que incluso en los días más grises, es posible la alegría. Indagando un poco más en la novela homónima, ésta se prohibió durante varios años en los colegios puesto que mostraba la crudeza de la violencia y cierto reflejo de la homosexualidad pero que, gracias a Steven Spielberg, la volvió a poner en el radar del público americano (a pesar de haber sido vilipendiada por la Academia de Hollywood al no llevarse ninguna de las once nominaciones) y, actualmente se ha grabado una versión musical. Soy sincera, no me gustan para nada los remakes, no suelen aportar una visión fresca.

A modo de conclusión podemos decir que la violencia no distingue de razas ni color de piel, el maltrato a la mujer tampoco y que a veces, esas estructuras tan antiguas lo que provoca es destruir al ser humano en lugar de establecer uniones fraternales. Pues como decía Hobbes: "El hombre es un lobo para el hombre". Siempre.

Calificación personal: 8

La sociedad de la nieve (2023)

 

• Dirección: Juan Antonio Bayona
• Año: 2023
• Género: Hechos reales
• Intérpretes: Enzo Vogrincic, Matías Recalt, Agustín Pardella, Felipe González Otaño, Luciano Chatton, Valentino Alonso, Francisco Romero, Agustín Berrut, Andy Pruss, Manuela Olivera, Simón Hempe, Juan Caruso.
• Guión: Juan Antonio Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques, Nicolás Casariego.
• Música: Michael Giacchino
• Fotografía: Pedro Luque
• Montaje: Jaume Martí
• Productora: Misión Audaces Films, El Arriero Films, Netflix

SINOPSIS

En el año 1972, un avión de una compañía de vuelo uruguaya se estrella en medio de los Andes. De los 45 pasajeros, solo 29 de ellos consiguen sobrevivir ante las duras inclemencias meteorológicas en una zona totalmente desangelada.

CRITICA

Quizás a muchos de nosotros le pille algo lejano o incluso desconozcan esta historia tan dolorosa como esperanzadora y, como gracias al cine se ha vuelto a recuperar y descubrir como la verdadera unión entre los supervivientes hizo posible su rescate y una historia que ha merecido ser contada de nuevo. Si bien es verdad que en la década de los noventa se había rodado ¡Viven!, esta película no deja indiferente a nadie que la haya pasado por su retina. 

Como es lógico, tras los primeros quince minutos de haber empezado la película, el espectador sabe perfectamente lo que va a ocurrir y cual es el desenlace de la mayoría de ellos pero, lo que realmente llama la atención es el comportamiento de todos ellos: desde esa capacidad de unión hasta no forzar al otro para que se alimente de los cadáveres de aquellos que han fallecido; también de esa capacidad de ayuda, esa capacidad de escucha y de recordarlo mejor de cada uno.

Otro de los aspectos que me llamó especialmente la atención es el cuidado y el respeto cuando los superviviente deciden alimentarse de los cadáveres, es decir, practicar el canibalismo; como con mucho respeto no se recrea en ese acontecimiento tan doloroso para muchos de ellos sino el entender esa forma de sobrevivir como último recursos. Otro motivo por lo que la película deja sin respiración es, sobre todo, por como trata a todos y cada uno de los personajes: sus momentos de angustia, de desesperanza, de pequeñas risas que son acompañados por esa impresionante fotografía que sumerge de lleno en ese desolado paisaje.

Muchas veces, ante situaciones difíciles hay que elegir una situación que uno empieza a vivir y las decisiones que a veces hay que tomar y que no se elige y que cualquier situación traumática te cambia la vida. La cuestión es saber como enfrentarse a ella y saber que, a pesar de que te cambie por dentro y por fuera, habrá algo que te ayude a levantarte.

Calificación personal: 9

El padre (2020)

 

• Título original: The father
• Año: 2020
• Género: Drama
• Dirección: Florian Zeller
• Intérpretes: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Potts, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss.
• Guión: Florian Zeller, Christopher Hampton
• Música: Ludovico Einaudi
• Fotografía: Ben Smithard
• Montaje: Yorgos Lamprinos
• Productora: F comme film, Trademark Film, Film4, Canal+

SINOPSIS

Anthony (Anthony Hopkins) es un hombre de ochenta años que termina por rechazar a todas las cuidadoras que su hija Anne (Olivia Colman) contrata para cuidarle. Ante el deterioro progresivo que sufre su padre, Anne tendrá que tomar una decisión difícil.

CRITICA

Hay películas que marcan de una forma muy clara en la retina del espectador. No solo por el tema del que trata, sino también porque uno no para de darle vueltas a esa historia que ha cautivado de principio a fin y que necesitas hablar sobre ella y el impacto que ha producido. Esto es lo que a mi me ha causado El Padre, la cual habla de una forma demoledora sobre una enfermedad terrible: el alzhéimer.

A la hora de visualizar esta película, el espectador debe dejarse interpelar no solo por la sensibilidad que transmite Anthony (que está interpretado de una manera grandiosa por Anthony Hopkins) sino también lo que deben de padecer las personas con esta enfermedad. Siempre se ha comentado que las personas que tienen alzhéimer no sienten nada porque han olvidado todos sus recuerdos. Pero en realidad no es así, porque en cuanto tienen una momento de lucidez e intenta ubicarse de nuevo en su vida, les es imposible porque hay recuerdos que no los han vivido como suyos y entran en un bucle de confusión y angustia y vuelven a encerrarse en ellos mismos; volviendo a ese laberinto de confusión interna y a un sufrimiento también para sus familiares.

La forma de reflejar esta situación se encuentra muy bien establecida por la dupla que forman el ya mencionado Anthony Hopkins y Olivia Colman interpretando a la hija que sufre por la degeneración de su padre y que a pesar de tratarle con toda la normalidad que puede pero, es inevitable tener que tomar una decisión para que su padre pueda seguir conviviendo con esa enfermedad que arrasa con todos los recuerdos de tu vida de un plumazo.

El padre nos ayuda a recordar la fragilidad de la vida y de los recuerdos. De amar esos recuerdos y generar siempre los buenos. De evitar que los malos recuerdos engullan a los buenos. Del amor y el respeto a quien más lo necesita. De poder amar a esa persona pase lo que pase y que los recuerdos que tengamos de una persona, que siempre sean alegres.

Calificación personal: 10

Toy Story 4 (2019)

 

• Dirección: Josh Cooley
• Año: 2019
• Género: Animación
• Doblaje original: Tim Allen, Tom Hanks, Annie Potts, Tony Hale, Keanu Reeves, Joan Cusack, Christina Hendricks, Ally Maki, Jordan Peele, Jay Hernández.
• Guión: Andrew Stanton, Stephany Folsom
• Música: Randy Newman
• Fotografía: Patrick Lin, Jean Claude Kalache
• Montaje: Axel Geddes
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Woody siempre ha tenido claro el cuidar del niño que le tuviese: Andy o Bonnie. Pero cuando la pequeña Bonnie añade a Forky a su colección, Woody hará todo lo que esté en su mano para evitar perder al nuevo integrante.

CRITICA

Creo que es de sobra conocido que el hacer secuelas ad infinitum de las películas, trae consigo repetir determinados estereotipos y hacen que sus predecesoras pierdan la esencia que las encumbró, simplemente para explotar aún más ese producto. Y en el caso de Toy Story 4 es muy claro, sobre todo para darle un buen cierre al personaje de Woody.

Al igual que en las tres entregas anteriores, la historia sigue girando en torno a los juguetes, aunque el centro de atención sigue siendo el vaquero Woody como el juguete protector y cuya función consiste en mantener unido a todo el grupo. Pero todo cambia cuando el mismo se siente relegado a un segundo plano para Bonnie (la niña que heredó los juguetes de Andy) sobre todo cuando fabrica un "juguete" con la basura y Woody se siente en la necesidad de cuidarlo y de hacer todo lo que esté en su mano para recuperarlo. En ese proceso, se encuentra con Bo Beep (¡todos nos preguntábamos que había sido de ella al no aparecer en la tercera entrega!).

Lo refrescante también de esta nueva entrega es la aparición de personajes secundarios que dan un toque de humor bastante interesante (los mejores son el conejo y el pato de peluche que están unidos) y, que Buzz Lightyear tenga un poco más de protagonismo (aunque le ponen como un poco tonto la verdad). En parte porque consiguen hacer un desenlace para poder terminar con la aventura de los juguetes que nos han acompañado casi treinta años. Y aunque no esté a la altura de la original, termina por dejar un buen sabor de boca que nos hace disfrutar de nuevo.

Calificación personal: 6.5

Toy Story 2 (1999)

 

• Dirección: John Lasseter, Lee Unkrich, Ash Brannon
• Año: 1999
• Género: Animación
• Doblaje original: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Kelsey Grammer,Don Rickles, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Annie Potts, Wayne Knight, John Morris, Laurie Metcalf
  
• Guión: Andrew Stanton, Rita Hsiao, Doug Chamberlain, Chris Webb
• Música: Randy Newman
• Fotografía: Sharon Calahan
• Montaje: Edie Bleiman, David Ian Salter, Lee Unkrich
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Tras un pequeño accidente, Andy rompe una parte del brazo de Woody y no se lo lleva al campamento. En su ausencia, la madre de Andy realiza un mercadillo y pone a la venta un juguete. Woody en su intento de rescatarlo acaba en manos de Al McWhiggin, que lo mandará a un museo de Tokio.

CRITICA

Pase el tiempo que pase, hay películas que son atemporales y que se quedan siempre en la retina del espectador. Además de verlas una y otra vez en bucle y no aburrirse nunca. Muchos dicen que esta segunda parte es mucho mejor que la primera entrega. Desde mi punto de vista es una película con muy buena calidad pero, el espectador tenía muy reciente (habían pasado cuatro años con respecto a la primera película) a su predecesora y el fracaso que supuso Bichos: una aventura en miniatura.

Como ya ocurrió con su predecesora, todos aquellos que crecimos con la primera deseábamos seguir con las aventuras de los juguetes que cobraban vida y de paso, volver a mostrarnos un mensaje positivo. Desde no abandonar a los amigos en los malos momentos, luchar siempre que esté en nuestras manos y que por un simple tropiezo, nuestro destino no está determinado.

Además de estos valores, no regalan momentos muy divertidos de los juguetes cuando van en búsqueda de Woody (quitando el momento un poco baboso cuando se encuentran a las Barbies) y las luchas continuas para llevar a cabo el rescate. Tampoco hay mucho más que decir cuando la propia historia lo cuenta todo y hacen que tanto pequeños como grandes sigan disfrutando.

Calificación personal: 7

Juan Nadie (1941)

 

• Título original: Meet John Doe
• Año: 1941
• Género: Drama
• Dirección: Frank Capra
• Intérpretes: Barbara Stanwyck, Gary Cooper, Edward Arnold, Walter Brennan, Spring Byington, James Gleason, Gene Lockhart.
• Guión: Robert Riskin
• Música: Dimitri Tiomkin
• Fotografía: George Barnes
• Montaje: Daniel Mandell
• Productora: Frank Capra Productions

SINOPSIS

Ann Mitchell (Barbara Stanwyck) para evitar ser despedida del periódico en el que trabaja, decide publicar una falsa carta de un ciudadano que va a suicidarse el 24 de diciembre. Para que el periódico vuelva a tener éxito, contratan a un vagabundo (Gary Cooper) para hacerse pasar por ese hombre.

CRITICA

Hacía bastante tiempo deseaba ver esta película por la fama que la precedía y también por todo lo que cuenta en un guión, el cual es brillante de principio a fin. Ninguno de los personajes está carente de análisis durante toda la duración de la película. Como a través de una mentira (que es bastante peligrosa) se empiezan a fraguar una serie de encuentros, donaciones y formaciones políticas que termina por destrozar la esencia de lo realmente importante: esas personas anónimas.

Primeramente destacamos a la protagonista Ann Mitchell (una siempre increíble Barbara Stanwyck) que para mantener su puesto a toda costa escribe la carta de un hombre que se va a suicidar y junto al dueño del periódico empieza a hilvanar una serie de planes para darle una cierta credibilidad al periódico y, llevar a todas las ciudades la figura de Juan Nadie para paliar el ruido de sus propias conciencias. Pero, ¿quién es realmente Juan Nadie? Es aquella persona que representa a los fracasados, marginados, personas sin hogar a las que nadie les hace caso.

A este colectivo (por llamarlo de alguna manera) se encuentra un Juan Nadie real (Gary Cooper): una persona sin hogar, sin trabajo, que pasa hambre y que solo responde al anuncio para poder conseguir un trabajo y poder salir de su situación. Pero, como suele ocurrirle a todo aquel que le llega la fama, no sabe gestionarla y le gusta tanto que no quiere abandonarla; hasta que se da cuenta que esa figura anónima de la que el ha sido partícipe, se da cuenta de como se ha generado una cadena de favores entre las personas y como al final solo se explotan las ganancias o la imagen política que pueda dar.

Al final, el falso Juan Nadie se da cuenta de la verdad cuando le descubren ante el mundo de quien es realmente como la gente se vuelve en su contra, encontrándose solo y sin un motivo para vivir decide poner en práctica lo que decía en su carta: acabar con su vida el 24 de diciembre y ver si realmente cumple su promesa. Esta situación provoca que aquellos que le dieron la espalda tienen miedo de que realmente vaya a cumplir su promesa. Lo que demuestra una vez más que el cine clásico nunca pasa de moda y que esas historias que se contaron hace más de cincuenta años, siguen teniendo su eco en la actualidad. Porque todos nos sentimos Juan Nadie en algún momento de nuestra vida o tenemos a alguno más cerca de lo que creemos. No esperemos para hablar con ese Juan Nadie. Porque todos necesitamos de la compañía de otro ser humano.

Calificación personal: 9