El especialista (2024)

 

• Título original: The fall guy
• Año: 2024
• Género: Comedia, acción, romántica
• Dirección: David Leitch
• Intérpretes: Ryan Gosling, Emily Blunt, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Stephanie Hsu, Winston Duke, Teresa Palmer, Ben Knight.
• Guión: Drew Pearce
• Música: Dominic Lewis
• Fotografía: Jonathan Sela
• Montaje: Elísabet Ronaldsdóttir
• Productora: 87 North Productions, Entertainment 360.

SINOPSIS

La historia sigue a Colt Seavers (Ryan Gosling), un veterano doble de acción que, después de sufrir un accidente grave en un set de filmación, decide alejarse de la industria. Sin embargo, la oportunidad de regresar a la acción se le presenta cuando su exnovia Jody (Emily Blunt), ahora directora de cine, lo recluta para hacer una última película. Lo que parecía ser un regreso tranquilo a la industria se convierte rápidamente en un laberinto de mentiras, desapariciones y peligros reales. Un actor famoso desaparece misteriosamente durante el rodaje, y Colt se ve arrastrado a una conspiración mucho más grande de lo que había imaginado, obligándole a utilizar todas sus habilidades para salvar el día.

CRITICA

La premisa, aunque familiar, se desarrolla con un ritmo que nunca deja de emocionar. El elemento central de la trama es la aventura, pero también tiene un trasfondo de redención personal para Colt, quien debe reconciliar su pasado y su vida profesional con las decisiones que ha tomado a lo largo de los años. La relación entre Colt y Jody, marcada por su historia de amor pasada, le da un toque emocional que no es común en este tipo de cintas de acción.

Leitch logra capturar el espíritu de las viejas películas de acción, cuando los dobles eran las verdaderas estrellas, haciendo que El Especialista sea más que solo una película de adrenalina. La película honra a estos héroes anónimos del cine, mostrándolos como los auténticos artífices de la acción que vemos en pantalla. Esta no es solo una historia sobre un hombre que lucha contra el mal, sino sobre la importancia de la artesanía, el riesgo y el sacrificio de los que no tienen la gloria de los actores principales. Las escenas de acción, en su mayoría, son realizadas con efectos prácticos y mucha destreza física, lo que las hace sentir más realistas y, a la vez, más emocionante.

Leitch es conocido por dirigir películas de acción electrizantes, y El Especialista no es la excepción. Las secuencias de persecuciones, peleas y explosiones están perfectamente coreografiadas. Lo que destaca es la variedad en las escenas de acción, que van desde persecuciones en coche hasta intensas peleas cuerpo a cuerpo, todo sin recurrir demasiado a efectos especiales. Todo esto se acompaña de un ritmo ágil y una edición dinámica que mantiene al espectador al borde del asiento.

Aunque la película cumple con sus promesas de acción y entretenimiento, la trama en sí es bastante predecible. La estructura de "el héroe regresa para salvar el día" no tiene demasiados giros inesperados. Esto no es necesariamente un defecto si lo que buscas es un disfrute liviano y sencillo, pero algunos espectadores podrían esperar algo más innovador en términos de narrativa.

Si bien la comedia es una de las grandes fortalezas de la película, no todos los chistes aterrizan con el mismo impacto. Algunos momentos de humor, especialmente los que involucran situaciones de acción, pueden sentirse un poco forzados o innecesarios. Sin embargo, el encanto de los actores y el tono ligero de la película lograrán suavizar estos momentos y mantener el ritmo.

Calificación personal: 5.5

Diarios de la calle (2007)

 

• Título original: Freedom Writers
• Año: 2007
• Género: Drama
• Dirección: Richard LaGravenese
• Intérpretes: Hilary Swank, Scott Glenn, Imelda Staunton, Patrick Dempsey, April Lee Hernández, Pat Carroll, Hunter Parrish, Robert Wisdom, Jason Finn, Vanetta Smith.
• Guión: Richar LaGravenes
• Música: Mark Isham
• Fotografía: Julian Riera
• Montaje: David Moritz
• Vestuario: Cindy Evans
• Productora: Paramount Pictures, Universal Pictures

SINOPSIS

Hilary Swank en el papel de Erin Gruwell, es una profesora idealista que desafía las adversidades para cambiar la vida de sus estudiantes en una escuela secundaria de Long Beach, California. Basada en una historia real, la película adapta el libro The Freedom Writers Diary , una colección de escritos de los alumnos de Gruwell que documentan sus experiencias de vida marcadas por la violencia, la discriminación y la pobreza.

CRITICA

La narrativa sigue un esquema conocido en este tipo de películas: un maestro nuevo, alumnos rebeldes y marginados, una administración escolar hostil, y un conflicto que poco a poco se transforma en crecimiento y redención. Diarios de la calle no innova en este sentido, pero sí logra transmitir su mensaje con fuerza gracias a la emotividad de su historia y la autenticidad del material en el que se basa.

El guion de Richard LaGravenese acierta al presentar a los estudiantes no solo como estereotipos de adolescentes problemáticos, sino como individuos con historias personales conmovedoras. Sin embargo, la película cae en la trampa de centrar demasiado la perspectiva en la profesora, minimizando en ocasiones la agencia de los alumnos en su propio proceso de cambio.

Hilary Swank cumple con solvencia en el papel de Erin Gruwell, aportando credibilidad y carisma al personaje. Sin embargo, su actuación, aunque emotiva, no alcanza la intensidad de otros de sus trabajos más memorables ( Million Dollar Baby o Boys Don't Cry ). La película depende en gran medida de su presencia, y aunque logra transmitir la pasión y determinación de la maestra, el guion no le da margen suficiente para explorar otras dimensiones más complejas de su vida personal.

Los jóvenes actores, por otro lado, aportan frescura y autenticidad. Especialmente destacables son April Lee Hernández como Eva y Mario como Andre, quienes logran que sus historias resuenen más allá de los clichés del género.

Richard LaGravenese dirige con corrección, sin grandes innovaciones visuales, pero con una sensibilidad que permite que los momentos emotivos tengan impacto. Sin embargo, el tono de la película a veces peca de demasiado melodramático, con una banda sonora que subraya en exceso las emociones en lugar de dejarlas fluir de manera más natural.

Otro punto discutible es la simplificación de los conflictos raciales y sociales. Si bien Diarios de la calle aborda temas importantes como la violencia de pandillas, el racismo y la desigualdad educativa, lo hace de manera un tanto superficial, sin cuestionar del todo las estructuras que perpetúan estas problemáticas. La transformación de los estudiantes parece demasiado rápida y alineada con una visión casi idealista de la educación, lo que le resta realismo a la historia.

Diarios de la calle es una película conmovedora que cumple su propósito de inspirar y dejar un mensaje de esperanza, pero no logra trascender los moldes tradicionales del género. Su mayor fortaleza radica en las historias reales de los estudiantes y la emotividad de sus testimonios, pero su visión a veces resulta demasiado edulcorada y simplista.

Para quienes disfrutan de dramas escolares inspiradores al estilo de Mentes peligrosas (Dangerous Minds,1995) o El club de los poetas muertos (Dead Poets Society,1989). Diarios de la calle es una opción sólida, aunque sin la profundidad de otras propuestas similares.

Calificación personal: 7

El filo de la navaja (1946)

 

• Título original: The razor's edge
• Año: 1946
• Género: Drama
• Dirección: Edmund Goulding
• Intérpretes: Tyrone Power Gene Tierney, John Payne, Anne Baxter, Clifton Webb, Herbert Marshall, Lucile Watson, Frank Latimore.
• Guión: Lamar Trotti
• Música: Alfred Newman
• Fotografía: Arthur C. Miller
• Montaje: J. Watson Webb Jr.
• Productora: RKO Pictures, MGM, 20th Century Fox

SINOPSIS

El filo de la navaja  es una adaptación de la célebre novela de W. Somerset Maugham, que explora la búsqueda del sentido de la vida a través de su protagonista, Larry Darrell, (Tyrone Power). La película sigue el viaje de Larry, un joven estadounidense que regresa de la Primera Guerra Mundial con una inquietud existencial que lo lleva a rechazar la vida acomodada que le ofrece su entorno para embarcarse en un viaje espiritual y filosófico.

CRITICA

La adaptación de El filo de la navaja ( The Razor's Edge , 1946) es una producción ambiciosa que, aunque conserva el espíritu de la novela de W. Somerset Maugham, no logra plasmar con total profundidad su complejidad filosófica. La película, dirigida por Edmund Goulding y protagonizada por Tyrone Power, es un drama introspectivo que contrasta la búsqueda espiritual con el materialismo, pero a veces se siente atrapado en las convenciones narrativas de Hollywood.

Tyrone Power, un actor carismático y talentoso, intenta dar vida a Larry Darrell, un hombre en busca de significado tras la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su interpretación carece del peso emocional necesario para transmitir la profundidad de su transformación. Su Larry está demasiado reservado y distante, lo que impide una verdadera conexión con su dilema existencial. Aunque su contención puede interpretarse como una elección actoral acorde con el personaje, en pantalla se traduce en cierta frialdad que hace que su viaje espiritual no sea tan conmovedor como debería.

Gene Tierney, como Isabel, aporta elegancia y sofisticación, pero su personaje se siente algo limitado en su desarrollo. Sin embargo, Anne Baxter sobresale como Sophie, el personaje más trágico de la historia. Su actuación es desgarradora y llena de matices, dotando a su arco de una autenticidad emocional que falta en otras partes de la película. Su interpretación es, sin duda, el mayor logro del reparto y justifica su Oscar como Mejor Actriz de Reparto.

Por otro lado, Clifton Webb como Elliott Templeton aportan el toque cínico y sarcástico que equilibra el drama con cierto aire de sofisticación mordaz. Su personaje es uno de los más memorables de la película, encarnando a la perfección el esnobismo y la hipocresía de la alta sociedad.

Edmund Goulding dirige la película con elegancia, pero su estilo resulta demasiado académico y estático para una historia que trata sobre la transformación espiritual y el autodescubrimiento. La fotografía en blanco y negro es hermosa, pero el ritmo es irregular, con escenas que se extienden demasiado mientras otras transiciones parecen apresuradas.

El principal problema de la película es que nunca logra equilibrar todo su mensaje filosófico con la narrativa cinematográfica. Se siente como un drama cómodo, pero nunca alcanza la trascendencia que finge. En comparación con la novela, que explora con gran profundidad los conflictos internos de Larry, la película se queda en la superficie, ofreciendo más diálogos explicativos que momentos realmente introspectivos.

A pesar de sus defectos, El filo de la navaja sigue siendo una película interesante por su ambición temática y algunas de sus actuaciones, en especial la de Anne Baxter. Sin embargo, la falta de intensidad en la interpretación de Tyrone Power y la dirección demasiado convencional impiden que alcance la grandeza de su material original. Es una película recomendable para quienes disfrutan de dramas clásicos con un toque filosófico, pero que podría haber sido mucho más impactante con un enfoque más arriesgado y emocionalmente envolvente.

Calificación personal: 6.5

La sustancia (2024)

• Título original: The substance
• Año: 2024
• Género: Terror
• Dirección: Coraline Fargeat
• Intérpretes: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, Edward Hamilton Clark, Gore Adams, Oscar Lesage.
• Guión: Coraline Fargeat
• Música: Raffertie
• Fotografía: Benjamin Kracun
• Montaje: Jerome Etalbet
• Productora: Working Title Films, Blacksmith

SINOPSIS

La trama sigue a Elizabeth Sparkle (Demi Moore), una exestrella de Hollywood famosa por su programa de aeróbicos en los años 80, que, al llegar a los 50 años, ve cómo su carrera declina. Desesperada por recuperar su juventud y relevancia, Elizabeth recurre a una sustancia experimental que le permite transformarse en una versión más joven de sí misma, Sue (interpretada por Margaret Qualley).

CRITICA

La película sigue a Elizabeth Sparkle (Demi Moore), una estrella televisiva en decadencia que se siente atrapada por los estándares inalcanzables de belleza y éxito. Cuando se le presenta una misteriosa sustancia que le permite rejuvenecer y renacer en una versión más joven de sí misma (interpretada por Margaret Qualley), su vida parece cambiar… hasta que las cosas se tornan grotescas. La historia es una versión moderna del mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde, con una mirada feminista y un comentario incisivo sobre la presión social que sufren las mujeres al envejecer.

Fargeat demuestra un control absoluto del tono: su estilo visual es brillante y estilizado, con colores vibrantes y una estética que recuerda a los anuncios publicitarios de productos de belleza… hasta que la película se sumerge en una pesadilla corporal. El gore es extremo, pero siempre al servicio de la historia, convirtiéndose en una representación física de la ansiedad de la protagonista. Hay influencias claras de David Cronenberg y Darren Aronofsky, pero con una identidad propia.

Demi Moore entrega una de sus mejores interpretaciones en años. Su Elizabeth es trágica, feroz y aterradoramente real. Moore se sumerge por completo en el papel, mostrando vulnerabilidad y una presencia magnética. Margaret Qualley, como su alter ego rejuvenecido, también brilla, aunque su personaje tiene menos matices. El resto del elenco cumple bien su función, pero la película es claramente un vehículo para el regreso triunfal de Moore.

La Sustancia no es solo un filme de terror, sino una exploración brutal sobre cómo la sociedad devora a las mujeres que cruzan cierta edad, especialmente en Hollywood. Fargeat no tiene miedo de empujar los límites y hacer que el espectador se retuerza en su asiento. Sin embargo, algunos podrían encontrar la película excesiva en su uso del horror gráfico, y su mensaje, aunque potente, puede resultar un poco obvio en ciertos momentos.

Destacar también las grandes referencias cinematográficas a las que hace alusión Fargeat en diferentes planos secuencias. Desde El resplandor con el pasillo rojo interminable donde se graba el programa de Sparkle. Los diferentes momentos de la ducha haciendo alusión a Psicosis (ver crítica en este blog). El color de la propia sustancia de la película Reanimator e incluso, esa deformidad de la mujer final que enlaza con El hombre elefante de David Lynch. Por cierto, si la propia película critica ese desplante a la mujer a medida que tiene años y sobre todo en el mundo del espectáculo, aunque Mikey Madison se lo merecía (bastante), tenían que haberle dado el Oscar a Demi Moore.

La Sustancia es una obra provocadora, intensa y visualmente impactante. Es una experiencia incómoda pero fascinante, con una Demi Moore en estado de gracia. No es un filme para todos, pero aquellos que disfrutan del terror con comentario social encontrarán en ella una de las propuestas más originales del año.

Calificación personal: 5

Otra mujer (1988)

 

• Título: Another woman
• Año: 1988
• Género: Drama
• Dirección: Woody Allen
• Intérpretes: Gena Rowlands, Ian Holm, Gene Hackman, Mia Farrow, Martha Plimpton, Philip Bosco, Blythe Danner, Betty Buckley.
• Guión: Woody Allen
• Fotografía: Sven Nykvist
• Montaje: Susan E. Morse
• Productora: Orion Pictures

SINOPSIS

Marion Post (Gena Rowlands), una brillante profesora de Filosofía, ha solicitado una excedencia para escribir un libro. Un día descubre que desde el estudio en el que se ha instalado para trabajar puede escuchar las sesiones de psicoanálisis de una consulta contigua. Las conmovedoras confesiones de una de las pacientes la llevan a analizar en profundidad su propia vida, que, a partir de entonces, le parece vacía y basada en el autoengaño y el miedo a las emociones

CRITICA

Woody Allen es conocido por sus comedias sofisticadas y su exploración del existencialismo, pero con Otra mujer (Another Woman), entrega un drama introspectivo y melancólico que recuerda a la filmografía de Ingmar Bergman. La película es una meditación sobre la vida, el arrepentimiento y la incapacidad de conectar emocionalmente con los demás.

Allen construye una historia profunda y psicológica centrada en Marion (Gena Rowlands), una mujer intelectual y distante que, tras escuchar accidentalmente las sesiones de terapia de otra mujer, empieza a cuestionar su propia vida y sus relaciones. A través de una estructura narrativa pausada, la película utiliza flashbacks y encuentros con personajes de su pasado para confrontarla con sus errores.

El guion, aunque meticuloso y filosófico, puede parecer frío o demasiado intelectual para algunos espectadores. Sin embargo, su precisión en la exploración de los sentimientos reprimidos y el autoengaño es admirable.

Gena Rowlands ofrece una interpretación magistral. Su Marion es una mujer contenida, acostumbrada a la racionalidad, pero que, poco a poco, se ve invadida por una crisis existencial. La sutileza con la que Rowlands muestra su transformación es uno de los puntos más fuertes del filme. El reparto secundario, que incluye a Gene Hackman, Ian Holm y Mia Farrow, complementa la historia con personajes que aportan diferentes perspectivas sobre la protagonista.

La película es sombría y serena, con una puesta en escena minimalista que refleja el vacío emocional de Marion. La influencia de Bergman es innegable, desde la fotografía sobria hasta la exploración de la identidad y la memoria. Allen evita los diálogos irónicos o el humor característico de su cine, optando por una aproximación más filosófica y melancólica.

Otra mujer es una de las obras más maduras y reflexivas de Woody Allen. Aunque no es una película para todos los públicos debido a su tono introspectivo y su falta de acción convencional, es una exploración fascinante del autoengaño y el peso del pasado. Para aquellos que disfrutan del cine existencial y psicológico, es una joya oculta en la filmografía de Allen.

Calificación personal: 8

Brooklyn (2015)

 

• Dirección: John Crowley
• Año: 2015
• Género: Drama
• Intérpretes: Saoirse Ronan, Domhnall Gleeson, Jim Broadbent, Emory Cohen, Julie Walters, Jessica Piré, Emily Bett Rickards, Brid Brennan.
• Guión: Nick Hornby
• Música: Michael Brook
• Fotografía: Yves Bélanger
• Montaje: Jake Roberts
• Vestuario: Odile Dicks-Mireaux
• Productora: Wildgaze, Paralelo Film Productions, Irish Film Board

SINOPSIS

Años 50, Eilis Lacey (Saoirse Ronan) decide abandonar su tierra natal para buscarse un futuro en Brooklyn, Estados Unidos. Allí conoce a un chico italiano llamado Tony (Emory Cohen) con el que se casa. Debido a una situación complicada en su familia, Eilis tiene que volver a su ciudad. En ese momento, sus sentimientos son encontrados

CRITICA

"Brooklyn" dirigida por John Crowley y basada en la novela de Colm Tóibín, es una película que destaca por su elegancia visual, su emotiva historia y una interpretación magistral de Saoirse Ronan. La actriz ofrece un trabajo conmovedor y matizado, logrando transmitir con sutileza el conflicto interno de su personaje, atrapado entre dos mundos y dos amores. La recreación de la década de 1950, tanto en Irlanda como en Brooklyn, es impecable, con una cinematografía de Yves Bélanger que dota a la película de una luz cálida y nostálgica. Su historia sobre la inmigración, la identidad y el dilema entre el hogar y el futuro es universal y resonante, mientras que la dirección de Crowley mantiene un tono delicado y un ritmo pausado que permite que la evolución emocional de la protagonista se sienta orgánica.

Sin embargo, la película también presenta ciertas limitaciones. Aunque es conmovedora, su narrativa se siente demasiado contenida y le falta riesgo dramático, dejando la sensación de que la tensión emocional podría haber explorado con mayor profundidad. Los personajes secundarios, a pesar de las sólidas actuaciones de Domhnall Gleeson y Emory Cohen, resultan un tanto planos, funcionando más como herramientas del conflicto interno de Eilis que como individuos con vida propia. Además, el desenlace es predecible, lo que puede restablecerle impacto a la resolución emocional.

A pesar de estas limitaciones, Brooklyn es una película hermosa y profundamente humana, cuya estética impecable y poderosa actuación central la convierte en una obra conmovedora. Aunque no arriesga demasiado en su desarrollo dramático, sigue siendo una historia entrañable sobre el crecimiento personal y las decisiones que nos definen.

Calificación personal: 7

Babygirl (2024)

 

• Dirección: Halina Heijn
• Año: 2024
• Género: Thriller
• Intérpretes: Nicole Kidman, Antonio Banderas, Harris Dickinson, Esther Rose McGregor, Sophie Wilde, John Cenatiempo, Leslie Silva, Anoop Desai.
• Guión: Halina Reijn
• Música: Cristóbal Tapia de Veer
• Fotografía: Jasper Wolf
• Montaje: Matthew Hannam
• Productora: 2AM, Man Up Film, A24.

SINOPSIS

Romy Mathis (Nicole Kidman) es una CEO implacable en el mundo de la robótica, acostumbrada a ejercer el control en cada aspecto de su vida. Sin embargo, su equilibrio se ve amenazado cuando conoce a Samuel (Harris Dickinson), un joven becario cuya presencia en la empresa despierta en ella una atracción inesperada.

CRITICA

La historia sigue a Romy Mathis (Nicole Kidman), una directora ejecutiva en la cima de su carrera que se ve envuelta en una relación con Samuel (Harris Dickinson), un joven becario. La inversión de roles tradicionales –una mujer madura en posición de autoridad vinculada sentimentalmente con un hombre más joven y aparentemente sumiso– es el eje central de la película. Reijn disecciona con precisión la fragilidad de las dinámicas de poder, evitando simplificaciones morales y ofreciendo una visión matizada de las relaciones en un mundo donde el consentimiento no siempre es tan claro como parece.

Si hay algo incuestionable en Babygirl es la actuación de Nicole Kidman. Su interpretación de Romy es magnética, oscilando entre la confianza absoluta y una vulnerabilidad inesperada. Kidman logra transmitir la complejidad de un personaje que, aunque ejerce el poder en el ámbito laboral, se enfrenta a sus propios miedos y deseos en lo personal. Por su parte, Harris Dickinson encarna a Samuel con una mezcla de ingenio y astucia, dejando siempre en el aire la duda sobre quién realmente tiene el control.

A diferencia del glamour habitual del cine erótico, aquí se opta por un realismo que incomoda pero también atrapa. La fotografía juega con luces frías y espacios minimalistas, reflejando el aislamiento emocional de los protagonistas.

A pesar de su audacia temática, Babygirl no ha estado exenta de críticas. Para algunos, la película cae en cierta frialdad emocional, con personajes que parecen más símbolos que seres humanos reales. Mientras que su premisa es provocadora, hay momentos en los que la narración parece demasiado calculada, restando impacto a las escenas más transgresoras.

Babygirl es una película que no dejará indiferente a nadie. Es incómodo, sensual y, sobre todo, cuestionador. Con una Nicole Kidman en plena forma y la mirada incisiva de Halina Reijn, la película es una exploración intensa de las relaciones de poder y deseo en la era contemporánea. Puede que no sea perfecto, pero su capacidad para generar debate es innegable.

Calificación personal: 5

Bitelchús, Bitelchús (2024)

 

• Título original: Beetlejuice, Beetlejuice
• Año: 2024
• Dirección: Tim Burton
• Género: Comedia, fantasía
• Intérpretes: Winona Ryder, Jenna Ortega, Michael Keaton, Justin Theorux, Willem Dafoe, Chaterine O'Hara, Monica Bellucci, Filipe Gates.
• Guión: Alfred Gough, Miles Millar
• Música: Danny Elfman
• Fotografía: Haris Zambarloukos
• Montaje: Jay Prychidny
• Productora: Plan B Entertainment, Tim Burton Productions

SINOPSIS

La historia nos sitúa nuevamente en Winter River, donde Lydia Deetz (Winona Ryder) se enfrenta a la adultez y la maternidad con su hija Astrid (Jenna Ortega). Cuando una tragedia familiar las lleva de vuelta a su antiguo hogar, el nombre maldito vuelve a ser pronunciado tres veces y Beetlejuice (Michael Keaton) regresa para desatar un torbellino de caos sobrenatural.

CRITICA

Como era de esperarse, el apartado visual es uno de los puntos más fuertes de la película. Burton recupera el estilo artesanal y gótico que hizo famosa la original, con efectos prácticos, escenarios vibrantes y un diseño de producción que equilibra lo macabro con lo extravagante. Hay una clara intención de mantener la estética ochentera, pero con una actualización lo suficientemente sutil para no sentirse forzado.

Michael Keaton vuelve a encarnar a Beetlejuice con la misma energía desenfrenada, logrando que el personaje se sienta tan caótico y divertido como en la primera entrega. Winona Ryder aporta una Lydia más madura y melancólica, mientras que Jenna Ortega, en su papel de Astrid, encaja perfectamente en el universo burtoniano. Su relación con Beetlejuice añade una nueva dinámica que refresca la trama.

El guión se encuentra entre el homenaje y lo predecible. Aquí es donde la película tropieza un poco. Aunque el guion tiene momentos de humor negro y diálogos ingeniosos, la historia en sí no ofrece grandes sorpresas. Se apoya demasiado en la nostalgia y en repetir fórmulas ya vistas en la primera película, lo que puede hacer que algunos momentos se sientan reciclados en lugar de innovadores.

Bitelchús, Bitelchús es un espectáculo visual lleno de energía y con un elenco sólido que mantiene la esencia del original. Sin embargo, su dependencia de la nostalgia y una historia predecible impiden que alcance el mismo estatus de culto que su predecesora. Para los fanáticos de Burton y del Beetlejuice original, es un viaje divertido a la ultratumba, pero para quienes buscan una historia fresca, pueden quedarse cortas.

Calificación personal: 6

Jurado Nº2 (2024)

• Título original: Juror number two
• Dirección: Clint Eastwood
• Año: 2024
• Género: Suspense
• Intérpretes: Nicholas Hoult, Toni Colette, Leslie Bibb, J.K. Simmons, Kiefer Sutherland, Zoey Deutch, Gabriel Basso, Chris Messina, Cedric Yarborough.
• Guión: Jonathan Abrams
• Música: Mark Mancina
• Fotografía: Yves Bélanger
• Montaje: Joel Cox
• Productora: Malpaso Productions, Dicocthomy, Gotham Group.

SINOPSIS

Justin Kemp (Nicholas Hoult) es un hombre de familia que es llamado a forma parte del jurado de un juicio por asesinato. Conocedor de la situación del acusado, se encuentra en el dilema moral de actuar en beneficio del acusado o en su contra.

CRITICA

A sus 94 años, Clint Eastwood nos entrega Jurado Número 2 , una película que, aunque se desarrolla dentro del género judicial, se aleja del típico drama de juicio para convertirse en una exploración profunda sobre la moralidad, la culpa y la responsabilidad individual.

La historia sigue a Justin Kemp (Nicholas Hoult), un hombre común que es seleccionado como jurado en un caso de homicidio. Sin embargo, pronto descubre que su conexión con el crimen podría no ser tan lejana como parecía. Atrapado entre su deber cívico y su conciencia, Justin se enfrenta a una encrucijada: cumplir con la justicia o protegerse a sí mismo ya su familia.

Desde su premisa, la película nos recuerda a 12 hombres sin piedad (1957), pero Eastwood elige un enfoque más íntimo y psicológico. En lugar de centrarse en el debate entre jurados, nos sumergimos en la mente de un hombre atormentado por el dilema de confesar o llamar. La tensión crece con cada escena, no por giros espectaculares, sino por el peso de la verdad que acecha a Justin.

Nicholas Hoult brilla en un papel exigente, transmitiendo la ansiedad y el conflicto interno de su personaje de manera convincente. A su lado, Toni Collette interpreta a una fiscal implacable, añadiendo una capa extra de presión a la historia. Su química en pantalla contribuye a la sensación de que cada decisión cuenta, de que la verdad está a punto de salir a la luz en cualquier momento.

Eastwood, con su estilo característico, apuesta por una dirección sobria y efectiva. No se necesitan grandes artificios ni escenas exageradas para captar la atención del espectador. En su lugar, se apoya en cuadros sutiles, silencios incómodos y una fotografía que refleja el peso de la situación. La música, utilizada con mesura, refuerza la atmósfera de tensión sin manipular las emociones del espectador.

Si bien Jurado Número 2 no es un thriller cargado de acción o giros impactantes, es una obra que deja huella. Nos obliga a cuestionarnos qué haríamos en una situación similar, cómo lidiaríamos con la culpa y hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar para proteger nuestro futuro.

Como posible último trabajo de Eastwood, la película es un testimonio de su maestría narrativa: sin excesos, sin estridencias, solo una historia poderosa sobre la naturaleza humana. Un cierre digno para la carrera de un cineasta legendario.

Calificación personal: 9